Résumé

« La recherche minimaliste pousse le photographe à voir le monde autrement, c’est de la photographie pure. »

Le minimalisme est un courant artistique – on parle aussi « d’art minimal » – impulsé initialement par la sculpture et la peinture. L’esthétique de ce mouvement a ensuite inspiré tous les arts visuels. Le photographe minimaliste pose un regard personnel sur le monde qui l’entoure, s’efforçant de créer des images graphiques, parfois épurées, ne cherchant à retenir que l’essentiel.

Dans cet ouvrage remanié à l’occasion de sa 2e édition, Denis Dubesset détaille les différentes manières de concevoir une photo minimaliste : compositions simplifiées à l’extrême, isolement d’un motif, répétition des formes, choix de l’abstraction, détail que le photographe choisit de sublimer… Le thème est ensuite traité à travers le prisme de plusieurs spécialités, comme la photo urbaine, le paysage, les scènes de vie, la photo de nuit, le gros plan, etc.

AU SOMMAIRE

Technique et matériel. Les bases de la photo • La question du matériel (boîtier, optiques, trépied…) Les règles du cadrage et l’art de les transgresser. Les bases de la composition • La composition minimaliste (démarche, style, ma pensée minimaliste) Le minimalisme appliqué. Paysages • Portraits • Dans la rue • Perspectives • Abstraction • Couleurs • Architecture • Aurore et crépuscule • Nuit et contre-jour • Dans la brume • Dans la nature • La série • Le Miksang Le post-traitement, quelques indications. L’éditing des images • Le développement des fichiers RAW • La phase de retouche • Le choix du cadre Regards sur le minimalisme. Christophe Audebert • Andy Feltham • Éric Forey • Michel Lecocq • Vincent Munier • Serge Najjar • Bernard Plossu • Bastien Riu

L’auteur

Photographe professionnel, Denis Dubesset est un observateur et un contemplatif qui voit dans la photographie un moyen d’exprimer sa personnalité. Passionné par la transmission, il est déjà l’auteur de plusieurs livres consacrés à la macrophotographie, à l’art du cadrage et au style. Son approche de la photo met toujours l’accent sur l’expression et la créativité plutôt que sur la technique.
denisdubesset.com

www.editions-eyrolles.com

Chez le même éditeur

Du même auteur

Les secrets de la macro créative, 2e édition, 2023.

Les secrets du cadrage photo, 2e édition, 2020.

Les secrets du style en photographie, 2019. Maintenant uniquement disponible en version e-book

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E. Balança, Les secrets de la photo de nature (à paraître en 2024).

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C. Audebert, Les secrets de la pose longue, 2e édition, 2022.

P. Druel, Les secrets de la photo de portrait, 2e édition, 2022.

B. Dulac, Les secrets de la photo lifestyle, 2e édition, 2022.

G. Lepetit-Castel, Les secrets de la photo de rue, 2e édition, 2022.

M. Dupouy, Les secrets de la photo onirique, 2021.

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V. Gilbert, Les secrets de la lumière et de l’exposition, 2e édition, 2021.

G. Lepetit-Castel, Les secrets de la photo argentique, 2e édition, 2021.

H. Dourliand, Les secrets de la photo de boudoir, 2021.

E. Balança, Les secrets de la photo d’oiseaux, 2021.

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S. Mathé, Les secrets de la photo de spectacle, 2019.

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N. Croce, J’apprends la photographie, 2016.

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C. Cuinet Wellings, Voir la lumière - #100daysoflumière, 2023.

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J.-C. Béchet, S. Decklerck, Acquérir une culture photo, 2021.

S. Hugues, J.-C. Béchet, Concevoir un portfolio de photographie, 2020.

G. Lepetit-Castel, L’inspiration en photographie, 2018.

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DENIS DUBESSET

Les secrets de

LA PHOTO
MINIMALISTE

2e
édition

Éditions Eyrolles
61, boulevard Saint-Germain
75005 Paris
www.editions-eyrolles.com

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Conception graphique et mise en pages : Nord Compo

© Groupe Eyrolles, 2017 pour la précédente édition
© Éditions Eyrolles, 2024
Pour la présente édition, ISBN : 978-2-416-01552-6

La simplicité n’est pas une finalité en art, mais nous arrivons souvent à la simplicité en approchant le vrai sens des choses.

Brancusi

La simplicité est la sophistication suprême.

Léonard de Vinci

Avant-propos

Les différents domaines de la photographie sont assez aisés à définir. Lorsque la photo est animalière, de rue ou d’architecture, par exemple, la discipline a une dénomination suffisamment explicite pour qu’il n’y ait aucune équivoque. L’exercice se complique quand il faut appréhender un style, car la photo minimaliste n’est pas une discipline en soi ; c’est une manière de concevoir ses images. Ainsi, nous le verrons au fil de ces pages, la démarche peut être appliquée avec succès à tous les domaines du huitième art.

Mais avant d’en explorer les possibilités, il est sans doute nécessaire de définir l’évolution de ce courant artistique, également appelé « art minimal », en esquissant son histoire.

Passé simple

Une très vieille idée ?

La quête de sobriété n’est pas nouvelle, mais dans sa configuration la plus ancienne, elle est difficilement comparable avec le courant artistique récent que nous appelons « le minimalisme » (voir le chapitre 1). Le plus souvent, il s’agissait avant tout pour les œuvres ancestrales de tendre vers l’efficacité.

Les plus célèbres adeptes en étaient peut-être les Égyptiens, qui recherchaient la perfection architecturale et ont pensé la trouver dans la forme pyramidale ; plus tard, certaines civilisations précolombiennes ont d’ailleurs adopté le même style. Les monuments mégalithiques, comme nous pouvons encore en observer à Stonehenge en Angleterre, sur l’Île de Pâques ou à Göbekli Tepe en Turquie, semblent faire écho à des principes de sobriété conceptuelle analogues en recourant à des figures géométriques simples (cercles, rectangles).

En peinture, certaines œuvres répondaient à la même ambition. Pour les peintres chinois de l’époque impériale par exemple, c’était le vide qui constituait l’élément le plus important. L’emploi de la couleur était peu fréquent et les traits, parfois rares, n’étaient là que pour structurer l’espace. On peut également citer l’art des estampes et la calligraphie japonaise, dont les protagonistes recherchaient la perfection (inaccessible par définition) à travers l’accomplissement de quelques gestes.

Le concept de sobriété ne se limite pas au domaine artistique. Il est aussi étroitement lié à certaines pensées philosophiques, qui souhaitent se libérer de l’excès et recherchent le bonheur dans la simplicité et la tempérance. Il s’agit par exemple du stoïcisme, du taoïsme, du bouddhisme, du zen japonais ou encore de certains ordres monastiques du Moyen Âge, comme les cisterciens. Ces courants de pensée sont dans l’air du temps, principalement en réponse à la surproduction et au consumérisme extrême qui épuisent les ressources et jouent un rôle majeur dans le dérèglement climatique.

Une esthétique réactionnaire

En ce qui concerne l’histoire récente, tout commence dans les années 1950-1960. Dans le domaine pictural, cette époque est l’âge d’or de l’expressionnisme abstrait. Les peintres de ce mouvement privilégient le geste instinctif. Les œuvres ont des tailles particulièrement imposantes et les artistes aiment pratiquer le all-over, qui consiste à peindre le moindre centimètre de toile disponible. Il en résulte des tableaux qui, pour le profane, peuvent sembler un peu surchargés. Jackson Pollock en restera sans doute le plus célèbre représentant.

Dans le même temps, une autre tendance apparaît en étroite corrélation avec son époque. Ces années constituent en effet un point de rupture et marquent l’émergence de la société de consommation. Certains artistes, aux États-Unis au départ, aiment ironiser sur le fait que les médias (la publicité, la presse ou la télévision) dominent et ont une influence énorme sur les décisions des consommateurs. Ils ont alors l’idée d’utiliser les mêmes procédés en s’en réappropriant les codes, et créent ce que l’on appelle « le pop art ». Ils adoptent les matières comme le plastique ou l’acrylique, ainsi que les couleurs vives qu’affectionnent les publicitaires. Ils en détournent également les symboles les plus emblématiques, comme Marylin Monroe ou Mickey Mouse. Andy Warhol est l’un des initiateurs de ce mouvement. Il casse le concept d’œuvre unique en réalisant des sérigraphies et reproduit des objets du quotidien (une boîte de soupe à la tomate par exemple) dans le but de désacraliser l’art, lequel était réservé jusque-là à une élite. Le pop art est aussi une réaction à l’expressionnisme abstrait, qui est alors considéré trop dogmatique et prétentieux.

Dans le même temps, certains n’adhèrent ni à l’un ni à l’autre de ces courants et s’inscrivent contre ces esthétiques qu’ils jugent visuellement trop agressives. Ils prônent un retour à la simplicité d’une manière à la fois formelle, mais également dans les procédés employés pour exprimer leurs élans artistiques. Ils recherchent la pureté et refusent la subjectivité (contrairement à l’expressionnisme abstrait). Ce courant est particulièrement inspiré par l’école d’architecture et de design allemand du Bauhaus, qui préconise de se concentrer sur l’essentiel en laissant de côté le superflu. Les artistes qui se revendiquent du minimalisme emprunteront d’ailleurs à l’architecte Ludwig Mies Van der Rohe, représentant du Bauhaus, son slogan less is more (« moins, c’est plus »). C’est en 1965 que Richard Wollheim, philosophe anglais, donne une définition du courant artistique dans un article intitulé « Art minimal » pour la revue new-yorkaise Arts Magazine, au sujet d’une exposition réunissant des œuvres de Marcel Duchamp et Ad Reinhardt à la Green Gallery de New York. Pour lui, les seules créations réellement minimalistes relèvent de la sculpture et de la peinture.

Moins, c’est plus

L’idée que prônent les minimalistes est l’amélioration d’une œuvre par soustraction. Lorsqu’il n’est plus possible d’enlever quoi que ce soit, le résultat tend vers la perfection. Cette définition explique intrinsèquement pourquoi le concept a eu tant de succès en sculpture, art pour lequel on enlève de la matière, où l’on façonne un objet. Les plus illustres représentants dans ce domaine sont sans doute Brancusi (même s’il est plutôt considéré comme un précurseur), Robert Morris, François Morrelet ou Donald Judd. En peinture, les initiateurs de ce courant cherchent à abandonner toute symbolique. Les œuvres sont souvent basées sur les formes géométriques les plus simples (ligne, cercle, carré…). Parmi les peintres minimalistes les plus célèbres, nous pouvons citer Franck Stella, Daniel Buren ou encore Sol Lewitt. Le minimalisme aura une influence considérable dans de nombreux arts depuis son avènement.

En ce qui concerne la photographie, certains photographes sont marqués par la sculpture et la peinture. Ils ont choisi le chemin de la simplicité de manière plus ou moins permanente. Dans ce cadre, il me semble impératif de se pencher sur la production artistique des époux Becher.

À partir de 1959, Bernd et Hilla Becher s’attachent à photographier les bâtiments industriels menacés de destruction, d’abord en Allemagne puis dans d’autres pays. L’idée initiale est de produire des documents historiques pour rendre compte d’un patrimoine en train de disparaître. Ils établissent un protocole de prise de vue dont la quête originelle s’évertuait à être d’une objectivité maximale : une lumière neutre, un angle de vue identique (le plus souvent à hauteur d’homme), une composition centrée, l’emploi d’un téléobjectif pour éviter les déformations. Ils regroupent ensuite les bâtiments de formes analogues pour élaborer de véritables typologies en filiation avec une démarche scientifique de documentation. Néanmoins, en sélectionnant des sujets particuliers, en rassemblant ainsi leurs clichés et en les exposant telles des œuvres d’art, les époux Becher sortent de l’objectivité stricte qu’ils s’étaient imposée initialement. Bernd Becher explique d’ailleurs : « Beaucoup de gens disent que nos photos sont purement documentaires, ce n’est pourtant pas vrai. La pure et simple documentation signifie qu’il faut tout photographier, pour être complet. »

Les Becher auront une très grande influence sur la photographie de la seconde moitié du XXe siècle. Ils enseigneront aux Beaux-Arts et initieront « l’école de Dusseldorf », dont Andréas Gursky est actuellement le représentant le plus célèbre. Ce dernier a pendant quelques années détenu le record du cliché qui a été vendu le plus cher (4,3 millions d’euros) avec la photo intitulée Rhein II. Je vous suggère d’aller voir cette image en ligne pour constater par vous-même à quel point elle est minimaliste. D’autres artistes tels que Paul Strand et ses « abstractions », Ruth Bernard pour son travail sur le corps féminin ou Denis Brihat qui cherchait à « révéler la beauté des choses humbles », souhaitaient mettre en avant la simplicité des formes. Bernard Plossu pratique également aujourd’hui, à mon avis, une forme de minimalisme avec sa recherche de l’instant non décisif, en « opposition » avec la philosophie de Cartier-Bresson. Je vous invite aussi à prendre connaissance du travail de Franco Fontana, au style plus coloré. La démarche de Vincent Munier (voir le chapitre 5) avec ses photos animalières d’un style zen et dépouillé est dans une quête de sobriété esthétique inspirée notamment par les estampes japonaises. Quant au maître actuel de la photographie de paysage, Michael Kenna, il est souvent qualifié de minimaliste ; ses compositions, toujours en noir et blanc, sont de formidables exemples de ce qu’il est possible de faire dans cette discipline. Vous pouvez aussi vous pencher sur le travail de Michael Levin, Josef Hofflehner ou sur celui, parfois plus subversif, de Robert Mapplethorpe.

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Pour l’exercice, j’ai tenté de photographier « à la manière » des Becher. Ici, une typologie de transformateurs électriques.

À ce titre, je vous invite à vous référer au chapitre 5, à la fin de l’ouvrage, dans lequel j’ai demandé à plusieurs photographes de talent de partager leur vision de la photo minimaliste. Vous constaterez comme moi à quel point les interprétations peuvent varier.

Une définition pour la photographie

Depuis le concept fondateur du milieu du XXe siècle, le terme de minimalisme a évolué dans l’inconscient collectif et désigne désormais une autre tendance. Aujourd’hui, son sens usuel se réfère en effet implicitement à une esthétique simple, à la clarté des formes et des structures. L’idée qui domine actuellement est de s’en réapproprier les codes sans pour autant respecter le postulat idéologique de base qui réfute la subjectivité et le symbolisme. On retrouve ce goût pour la sobriété dans divers arts visuels tels que le design, l’architecture, la danse, le graphisme (il suffit de regarder les icônes des applications de votre smartphone pour vous en convaincre) et la photographie.

C’est cette acception ouverte que j’utiliserai dans cet ouvrage. En photographie en effet, nous perdons toute objectivité à partir du moment où nous posons un cadre sur une scène. Cet acte fondateur permet d’inclure des éléments dans une composition, mais aussi (et c’est peut-être le plus important) d’en exclure d’autres. Il s’agit donc d’une interprétation du réel, ce qui induit forcément de la subjectivité. En outre, le symbolisme est à mon sens incontournable lorsqu’on pratique un art visuel. Dans ces pages, je souhaite vous inviter à regarder le monde dans un « esprit minimaliste » en tendant vers la simplicité du propos.

Il existe très peu d’écrits de spécialistes abordant le minimalisme en photographie, et aucun, à ma connaissance, ne s’est aventuré à l’expliquer spécifiquement. Je crois paradoxalement que c’est une bonne chose car, de fait, son acceptation demeure assez ouverte. Je ne serai donc pas limité dans ce livre à suivre une pensée dogmatique qu’il faudrait respecter. Je propose humblement la définition suivante :

Une photographie peut être considérée comme minimaliste lorsqu’elle répond à une volonté de simplicité, excluant le superflu pour ne retenir que l’essentiel.

Comment savoir si une photo est minimaliste ?

Si vous avez eu la curiosité d’effectuer une recherche spécifique sur Internet à partir des mots-clés « photo minimaliste », vous avez sans doute trouvé de nombreuses images. Leurs sujets sont souvent très différents. Elles ont été réalisées dans la rue, dans la nature ou montrent des détails. Elles ont un point commun : la quête du minimum. Je tiens cependant à souligner que le sens de ce mot ne doit pas être synonyme de « simpliste », et il serait très réducteur de penser que ce type de cliché est facile à élaborer. Pour les réussir, il faut apprendre à regarder. Chercher la quintessence de ce que l’on voit. Il faut « poser » le cadre au bon endroit. C’est justement ce que nous allons explorer ensemble dans ces pages.

Il est temps d’entrer dans le vif du sujet. Malgré mes efforts descriptifs des lignes précédentes, l’idée de ce que peut être une photographie minimaliste reste peut-être floue pour vous. Voici donc quelques exemples et contre-exemples.

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Cette composition est caractéristique du style minimaliste : le sujet est seul et évolue dans un vaste paysage dans lequel il n’y a que très peu de motifs différents.

26 mm, 160 ISO, 1/100 s, f/4, Nikon Z 6II

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Changement avec la photo précédente : le sujet est toujours de dos mais il occupe plus d’espace. De plus, beaucoup de motifs différents sont visibles dans le cadre (panneaux, immeubles, véhicules…). Cette photo n’est pas représentative du style minimaliste.

23 mm (équ. 35 mm), 400 ISO, 1/200 s, f/5,6, Fuji X100F

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Sur ce cliché, certains reconnaîtront le détail des nervures d’une feuille. Les photographier en gros plan donne une image très graphique. Un même élément répété de nombreuses fois tend vers la simplicité, nous le verrons.

150 mm, 1 600 ISO, 1/100 s, f/11, Nikon Z 6II

[picture]

Beaucoup de motifs sont représentés sur ce cliché, et ils sont tous différents ou presque. Contrairement à l’image précédente, cette composition est trop fournie pour être qualifiée de minimaliste.

42 mm, 2 200 ISO, 1/200 s, f/4, Nikon Z 6II

Un photographe, une idée

J’ai déjà eu l’occasion de le souligner, il n’y a pas de dogme qui commanderait à la réalisation d’un cliché minimaliste. Ainsi, si votre interprétation de la simplicité graphique est plus nuancée que celle communément admise, il n’y a aucun mal à cela. Chacun peut avoir sa propre conception de ce style. Voici des exemples qui, selon moi, sont minimalistes, mais que d’autres ne classeraient pas dans cette catégorie. Il n’y a pas de drame, puisque ce que nous voulons avant tout, c’est produire des images belles et intéressantes ! Si quelqu’un conteste l’esthétique minimaliste de notre production, cela n’a aucune importance.

[picture]

Cette photo n’est pas un portrait classique. J’ai surtout souhaité mettre en avant la position de la petite danseuse. Le fond est flou en raison d’une grande ouverture de diaphragme (f/1,8). L’image pourrait donc être qualifiée de minimaliste.

85 mm, 100 ISO, 1/400 s, f/1,8, Nikon Z 6II

[picture]

Pour ce cliché d’un reflet, la question peut également se poser. Pour moi, il s’agit surtout d’une ambiance. Seuls quelques motifs habillent la composition : les fils électriques, les herbes au premier plan et le ciel qui se reflète dans l’eau.

50 mm, 100 ISO, 1/400 s, f/7,1, Nikon Z 6II

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Je trouve ce cliché réussi. J’aime l’équilibre des formes et l’atmosphère qui s’en dégage. Certains critères pourraient marquer un esprit minimaliste (le sujet qui occupe une toute petite partie de l’espace, les figures géométriques), mais ce classement est loin d’être évident. Peu importe, lors d’une séance de prise de vue, ce que l’on veut c’est produire des clichés qui nous plaisent et ont du sens pour nous.

50 mm, 100 ISO, 1/400 s, f/7,1, Nikon Z 6II

Peu de moyens, grands résultats

La philosophie principale qui domine la démarche minimaliste est résumée par la phrase « moins, c’est plus », on l’a dit. Ce qu’il faut comprendre, c’est que le fait de chercher constamment la sobriété graphique produit souvent des images à l’impact visuel considérable. Des choses simples sont ainsi capables de susciter l’émotion et d’exprimer des concepts, sans contenu superflu. Pour certains, une bonne image doit forcément découler d’un sujet exceptionnel : il n’y aurait pas de cliché réussi si ce que l’on photographie n’a pas un grand intérêt. Pour moi, la démarche est différente : peu importe ce que l’on choisit de mettre en valeur, ce qui compte c’est l’interprétation. Ainsi, si l’on recherche la simplicité de style, le moyen de l’obtenir peut être très simple : il faut exercer son regard pour apprendre à saisir la quintessence de ce qui nous entoure. Votre sujet peut donc être aussi banal qu’un objet de la vie courante, une texture ou une ombre portée.

[picture]

J’ai pris cette image en sortant de chez moi à la tombée du jour. Notez que la composition est réussie en raison de la présence d’un simple nuage en bas à droite.

23 mm (équ. 35 mm), 4 000 ISO, 1/60 s, f/8, Fuji X100F

[picture]

Une vue par la fenêtre alors que je patientais sur un parking. Preuve que le style minimaliste permet de réaliser des images percutantes, même si le thème traité n’est pas spectaculaire.

23 mm (équ. 35 mm), 6 400 ISO, 1/80 s, f/2, Fuji X100F

Moins complexe, plus créatif

Il m’est déjà arrivé, comme à tous les photographes, d’avoir du mal à trouver l’inspiration pour traiter un sujet de manière originale. Il me semble que ce qui est intéressant pour un artiste, c’est d’exprimer son identité, de tenter de ne pas copier ce que font les autres, de sortir d’un certain classicisme. Dans cette optique, le vocabulaire graphique minimaliste est un bon moyen de se poser des questions ; il incite à essayer de voir le monde autrement qu’en le documentant strictement.

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Pour un reportage qu’une entreprise d’étanchéité m’avait commandé, j’ai opportunément opté pour quelques compositions minimalistes. Mon client a particulièrement apprécié ces vues. Il faut dire que le sujet (les lames en bambou) se prêtait bien à l’exercice.

85 mm, 400 ISO, 1/250 s, f/9, Nikon D800

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14 mm, 100 ISO, 1/125 s, f/5,6, Nikon D800

La recherche de simplicité permet ainsi de pousser le photographe à s’interroger encore un peu plus sur ce qu’il voit. Évidemment, vous n’êtes pas obligé d’appliquer constamment le principe du « minimum », même si l’idée vous séduit particulièrement. Je dois l’avouer, bien que j’affectionne le minimalisme, je ne l’emploie pas de manière systématique. Dans le cadre de mon activité professionnelle, je suis régulièrement amené à répondre à des commandes de reportage et il serait sans doute inconvenant de toujours rechercher les compositions les plus épurées possible. Mes clients ne comprendraient pas forcément pourquoi je réalise ce type d’images. Ils apprécient en revanche ce genre de créations lorsqu’elles sont savamment distillées au sein d’une série. Pour des travaux plus personnels, je reconnais tendre vers le minimalisme de manière prépondérante, mais pas exclusive.

Le concept peut également être un excellent exercice pour exacerber votre créativité. Si le cœur vous en dit, une fois que vous avez traité un sujet de manière instinctive, demandez-vous comment simplifier votre image au maximum. Cela vous poussera certainement à vous interroger sur votre style et forgera peut-être un peu plus votre identité graphique.

[picture]

Au cours d’une de mes nombreuses promenades photo, j’ai assisté à cette scène depuis un pont chevauchant le Verdon. Mon premier cadrage fut réalisé de manière assez automatique : on y distingue un homme sur sa barque dans un paysage embrumé. L’image est poétique et assez réussie, mais plutôt classique. Pour mon second cliché, j’ai opté pour une composition bien différente : ce qui m’intéressait, c’était de me focaliser sur le pêcheur. En cadrant ainsi, j’ai enlevé tous les autres éléments. Il reste le pêcheur et les ondulations de l’eau produites par son embarcation. Le résultat est très graphique et correspond beaucoup plus à mon envie.

85 mm, 360 ISO, 1/200 s, f/8, Nikon D800

[picture]

85 mm, 1 100 ISO, 1/200 s, f/8, Nikon D800

1

Technique et matériel

Ce chapitre peut sembler obsolète pour un livre dont le thème est le minimalisme, pourtant, je pense que ce sujet est important. En effet, l’aspect conceptuel de ce style (voir plus loin) entraîne irrémédiablement une réflexion à mener sur le matériel. De plus, un rappel des fondamentaux de la photographie est toujours pertinent. Les débutants y trouveront des pistes pour peaufiner leurs connaissances ; quant aux plus experts, je leur suggère de ne pas faire complètement l’impasse sur sa lecture, car le but de ce chapitre est également de mettre en perspective technique et démarche minimaliste.

Les bases de la photo

Le principe de base de notre art est au départ relativement simple — même si aujourd’hui les appareils se sont outrageusement complexifiés pour faciliter de plus en plus la prise de vue (et/ou pour tenter de vendre plus de matériel). En effet, un outil qui permet de prendre des photographies nécessite seulement trois éléments : une optique, un obturateur et une surface sensible.

Le dispositif optique oriente convenablement les rayons lumineux vers le capteur numérique (ou la pellicule) et permet de moduler la quantité de lumière en ouvrant ou fermant un diaphragme. C’est de là que le paramètre « ouverture » tire son nom. Par convention, la valeur de l’ouverture d’un objectif est symbolisée par la lettre f suivie d’une barre et d’un nombre (f/2 ; f/2,8 ; f/4…). Attention, car contrairement à ce que l’on pourrait penser au départ, plus la valeur du nombre est petite, plus le diaphragme est ouvert et laisse passer une grande quantité de lumière.

L’obturateur laisse entrer la lumière au moment souhaité. Le photographe peut ainsi contrôler le laps de temps pendant lequel le capteur va être exposé ; ce paramètre est appelé « vitesse d’obturation » (ou « temps de pose ») et s’exprime en unité de temps (fraction de seconde, secondes ou minutes).

La surface sensible capture la lumière. Elle peut se présenter sous forme d’un film argentique photosensible ou d’un capteur numérique, par exemple. En employant un film plus au moins réactif à la lumière ou en modulant les capacités du capteur, on peut faire varier ce paramètre appelé « sensibilité ». Plus sa valeur augmente, plus le capteur (ou la pellicule) est sensible à la lumière. L’unité de sensibilité est l’ISO (ou ASA).

La règle de trois : les paramètres de l’exposition

Ces trois paramètres (ouverture, vitesse d’obturation et sensibilité) sont irrémédiablement liés. Comprenez qu’il est impossible de faire varier l’un d’entre eux sans que cela ait une influence sur les deux autres. Par exemple, si nous augmentons l’ouverture, cela aura pour effet direct de faire entrer plus de lumière ; en conséquence, pour obtenir une exposition correcte (la bonne quantité de lumière qui atteint la surface sensible), il faudra augmenter la vitesse d’obturation (pour exposer moins longtemps le capteur à la lumière) et/ou diminuer la valeur de sensibilité.

LA BONNE EXPOSITION

Il est admis par le plus grand nombre que pour qu’un cliché soit bien exposé, il ne doit n’y avoir ni trop de lumière (photo trop claire), ni pas assez (photo trop sombre). En photographie numérique, les valeurs d’exposition d’une image peuvent être représentées sous la forme d’un histogramme. Un repère orthonormé sert alors de cadre à ce graphique et exprime la répartition des quantités de pixels (en ordonnée) en fonction de leur luminosité (en abscisse) : les valeurs situées au centre sont de tonalités moyennes, celles situées le plus à droite sont les plus claires, celles le plus à gauche les plus sombres (tous les logiciels permettent de visualiser l’histogramme, de même que beaucoup des boîtiers numériques lors de la prise de vue). Pour une exposition dite « idéale », l’histogramme de l’image doit se rapprocher d’une courbe de Gauss, avec la plupart des valeurs situées au milieu. Néanmoins, cette notion de « bonne exposition » est tout à fait arbitraire : c’est en effet au photographe que revient le dernier mot et c’est lui qui choisit de donner à un cliché une ambiance obscure ou lumineuse. Ce choix se fait principalement à la prise de vue, mais il n’est pas impossible d’opter pour des corrections lors de la phase de post-traitement.

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La courbe de Gauss est la référence pour une photo dont l’exposition serait « idéalement » équilibrée. En pratique, rares sont mes images qui présentent de tels histogrammes dits « parfaits » ; il s’agit surtout de veiller à ne pas surexposer ou sous-exposer un cliché.

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Ces histogrammes représentent des images aux expositions extrêmes. Pour l’un, les valeurs sont décalées vers la droite, la photo contient beaucoup trop de pixels totalement blancs, elle est surexposée. Pour l’autre c’est le contraire, une courbe décalée vers la gauche indique un grand nombre de pixels entièrement noirs caractéristiques d’une sous-exposition trop prononcée.

Une pratique sérieuse de la photographie nécessite de maîtriser parfaitement l’ensemble de ces notions. De plus, lorsqu’on veut s’essayer au style minimaliste, il s’agit de fondamentaux qu’il faut connaître, car moduler ces paramètres ne sera pas sans conséquence sur l’esthétique des clichés. Ainsi, augmenter la valeur d’ouverture aura non seulement pour effet d’influer sur la vitesse d’obturation et la sensibilité, mais la profondeur de champ s’en trouvera diminuée. C’est une notion fondamentale pour le photographe minimaliste, cela permet plus facilement d’isoler un sujet par rapport à son environnement.

LA PROFONDEUR DE CHAMP

La profondeur de champ correspond à la zone de netteté. Pour la faire varier, on module l’ouverture du diaphragme (notée « f/ ») : plus elle est élevée (f/16 par exemple), moins le diaphragme laisse entrer de lumière et plus la profondeur de champ est grande. Cependant, d’autres critères entrent en jeu :

•la taille du capteur : plus le capteur a une surface importante, plus il est aisé d’obtenir une profondeur de champ réduite ;

•la focale : à valeur d’ouverture égale, la profondeur de champ réduit au fur et à mesure qu’on augmente la focale de l’objectif ;

•la distance au sujet : si vous vous approchez du sujet, par exemple, vous obtiendrez une profondeur de champ plus faible (le fond sera plus dilué).

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Ce cliché cumule les atouts pour obtenir une faible profondeur de champ : j’ai employé une focale de valeur conséquente (300 mm) et une ouverture de diaphragme relativement élevée (f/4). Comme il s’agit d’un gros plan, cela a réduit encore plus la zone de netteté : seules les libellules sont nettes (on parle d’isolation du sujet). J’ai enfin choisi une composition simple associée à une atmosphère épurée.

300 mm, f/4, 1/320 s, 900 ISO, Nikon Z 6II

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Cette image illustre bien l’effet que l’on peut obtenir en optant pour une pose longue dans certaines situations. Ici, le temps d’exposition de 30 secondes m’a permis de gommer le relief des vaguelettes sur le lac. Vous noterez aussi que les nuages, qui ont parcouru une certaine distance durant cette période, ont un aspect particulier de filé. Ce type de rendu est un peu surnaturel, car notre œil n’est pas habitué à voir le monde ainsi.

28 mm, f/13, 30 s, 100 ISO, Nikon D800

Le temps de pose peut également s’avérer très utile pour isoler un sujet sur l’image. En effet, de manière évidente, lorsqu’on a recours à une vitesse d’obturation très rapide (1/1 000 de seconde par exemple), le mouvement de la scène que l’on photographie sera figé. En revanche, si l’on expose le capteur plus longuement (15 secondes par exemple), tout ce qui aura bougé pendant ce laps de temps apparaîtra flou sur la photo, seuls les objets immobiles seront nets. Cela peut être très efficace pour isoler un individu statique dans une foule, notamment, ou pour photographier l’eau et les éléments immobiles qui pourraient s’y trouver.

La question du matériel

La photographie peut rapidement devenir un vrai casse-tête lorsqu’il s’agit de choisir et d’acquérir du matériel de qualité. J’imagine que vous avez certainement commencé à investir (ou que cela ne tardera pas) dans un appareil photo et peut-être dans quelques accessoires (trépied, objectifs, batterie, sacoche…). Vous vous êtes sans doute aperçu que la note peut facilement atteindre des sommes astronomiques. Votre enthousiasme et votre passion pour l’image ont peut-être été un peu malmenés par cette triste réalité.

En ce qui concerne la pratique du minimalisme, je vous rassure tout de suite : le plus simple des matériels peut suffire à vous épanouir dans ce style, mais (car il y a toujours un « mais ») il ne sera pas nécessairement le plus polyvalent des systèmes. De plus, gardez en tête que si vous souhaitez imprimer vos clichés en grand format, la qualité dépendra de votre équipement (un smartphone ne donnera pas le même résultat qu’un appareil à grand capteur).

Une démarche graphique ou idéologique ?

En premier lieu, je pense que nous pouvons modestement nous poser une question d’ordre philosophique concernant la perception du minimalisme.

En effet, le minimalisme est un style, mais il peut être bien plus encore et influencer notre manière de concevoir la photographie et même notre vie. Selon notre sensibilité, nous pourrons ainsi avoir l’ambition d’adhérer pleinement à ce concept ou de nous soucier uniquement de la finalité esthétique.

Deux conceptions peuvent donc être envisagées concernant la pratique de la photographie minimaliste.

En premier lieu, nous pouvons considérer que notre envie est purement graphique : l’idée dominante est alors de chercher à mettre en exergue des formes élémentaires, la quintessence de ce que nous observons afin d’accentuer le propos et la portée d’une photographie. Il y a une notion idéologique dans ce principe, mais elle n’intervient qu’à la fin et ne concerne que l’image que l’on souhaite obtenir. Il s’agit probablement de la conception la plus populaire chez les photographes adeptes du style minimaliste. C’est cette perception que j’ai adoptée.

Une seconde interprétation peut être de concevoir le minimalisme comme un mode de pensée à part entière ayant une influence sur la totalité de la démarche photographique. D’un point de vue idéologique, être minimaliste revient à revendiquer une certaine simplicité et à vouloir se libérer des excès de la société de consommation. Selon cette idée, cette dernière n’apporte pas le bonheur, mais au contraire, encombre notre esprit. Au quotidien, être fidèle à cette idéologie implique ainsi de s’affranchir de tout ce qui n’est pas nécessaire à notre bien-être. Il faut s’entourer de peu d’objets, ces derniers devant tous être parfaitement utiles. Calquer ce mode de vie à la pratique de la photographie influence donc non seulement l’esthétisme des clichés produits, mais également tout le processus de fabrication. Le matériel utilisé pour réaliser les prises de vue doit en conséquence répondre à cette volonté d’essentialisme.

À quoi correspondrait alors un appareil photo dit « minimaliste » ? Si nous mettons de côté l’aspect financier, relatif aux possibilités de chacun, le dispositif idéal devrait certainement être à la fois peu encombrant et d’une grande efficacité. Je vous invite maintenant à faire un tour d’horizon rapide des possibilités disponibles sur le marché.

Le smartphone

La première solution qui vient naturellement à l’esprit est le smartphone. Si l’on suppose que tout le monde (ou presque) en a un à portée de main, cet appareil peut facilement être considéré comme répondant aux principes du minimalisme. Il a cependant ses limites concernant notamment les différents modes d’exposition manuels. De plus, malgré des avancées technologiques extraordinaires, la petite taille du capteur d’un « photophone » engendre une qualité d’image moindre, surtout en condition de faible luminosité. La difficulté de générer des flous d’arrière-plan (sauf grâce à une simulation logicielle) ne sera pas forcément péjorative selon la situation.

À l’heure actuelle, ce type d’appareil est capable d’offrir une qualité d’image à peu près équivalente à celle d’un compact lorsque toutes les conditions sont optimales. Les « photophones » peuvent donc être un bon compromis si l’éclairage est satisfaisant (en plein jour à l’extérieur, par exemple). Les performances baisseront souvent de manière substantielle dans les ambiances sombres.

Avantages du smartphone :

disponible, à portée de main à tout instant ;

très compact ;

il offre une qualité d’image très correcte en plein jour ;

il peut aussi servir à téléphoner !

Ses inconvénients :

les images souffrent en condition de faible éclairage ;

il ne dispose pas d’optique interchangeable, seulement d’un zoom numérique ;

il est difficile d’obtenir une faible profondeur de champ (simulation numérique) ;

les gros plans sont délicats.

Le compact et le bridge

Une autre option peut être recherchée dans un véritable matériel dédié à la photo. À cet égard, les appareils photo compacts et les bridges offrent une expérience bien plus aboutie que les smartphones et sont aussi d’un faible encombrement. Parmi ces appareils, les compacts experts à focale fixe sont peut-être ceux qui se rapprocheraient le plus de la philosophie minimaliste. Leur petite taille offre une grande mobilité sans pour autant faire de compromis sur la qualité d’image. De plus, le fait de ne pas avoir la possibilité de changer l’objectif permet de se focaliser uniquement sur la photographie et non pas sur le matériel.

Ces appareils sont des systèmes « tout-en-un ». En effet, le dispositif optique est souvent constitué d’un zoom d’ampleur plus ou moins importante (pour les bridges, la variation de focale peut être très grande). Cela a l’avantage de permettre à l’utilisateur de répondre à la plupart des situations qui s’offrent à lui. L’inconvénient est que si ces appareils sont plutôt bons, ils n’excellent dans aucun domaine. Leur capteur (voir l’encart « Est-ce que tu captes ? ») est loin d’être mauvais, mais il ne permet pas d’obtenir de hautes performances (sensibilité, dynamique, couleur…). Il existe cependant des exceptions, car aujourd’hui certains appareils accueillent des capteurs offrant des performances très élevées (Fuji X100V, Ricoh GR III, Sony RX1R II...).

Avantages du compact ou du bridge :

systèmes relativement compacts (un compact numérique peut tenir dans une poche) ;

bonne qualité d’image en condition normale ;

solution polyvalente ;

certains appareils disposent d’une optique de bonne qualité et offrent des performances exceptionnelles (Fuji X100V, Ricoh GR III).

Leurs inconvénients :

sauf exception, les images sont de qualité moyenne en condition de luminosité faible (meilleures qu’avec un smartphone cependant) ;

ils n’excellent dans aucun domaine.

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L’offre des constructeurs concernant les compacts et les bridges est bien moindre ces dernières années. Ce type d’appareil est sérieusement concurrencé par les smartphones. Ils ont l’avantage d’être de vrais couteaux suisses photographiques.

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Il existe également des compacts d’exception. Ils sont réservés à un public averti et ont de plus en plus de succès chez les photographes experts en raison de leur compacité. La gamme des Fuji X100 (ici le X100V) avec son look vintage a de nombreux atouts (qualité d’image, qualité de l’optique…). Ces boîtiers ne disposent pas de zoom, mais une focale fixe équivalente à 35 mm. La focale est de 28 mm pour les modèles GR III de Ricoh. Compte tenu de ces caractéristiques, le Ricoh GR III est principalement orienté vers la photo de rue.

Le reflex

Les boîtiers reflex tirent leur nom de leur système de visée : la lumière est captée par l’objectif et se reflète sur un miroir pour être orientée vers le viseur. Lorsqu’on appuie sur le déclencheur, le miroir se lève pour que la lumière soit transmise au capteur. C’est le fameux « clic-clac ». Il y a peu, c’était le système le plus populaire. Après des dizaines d’années de règne sans partage, les reflex sont « remplacés » de manière fulgurante par les hybrides. Mais même si la plupart des fabricants abandonnent leur fabrication, ils restent très performants. Ils ont notamment l’avantage d’être des systèmes complets disposant d’une gamme d’objectifs et d’accessoires sans égale. Pour s’équiper, le marché de l’occasion regorge de très bonnes affaires.

Avantages du reflex :

qualité d’image superlative (surtout avec un grand capteur) ;

système très polyvalent (quand on a investi dans plusieurs optiques) ;

boîtiers extrêmement réactifs ;

solidité à toute épreuve.

Ses inconvénients :

peut devenir très très encombrant (sauf si l’on utilise un seul objectif) ;

coûteux, mais le matériel d’occasion est de plus en plus accessible.

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Les reflex sont encore aujourd’hui une référence dans le domaine de la photographie. Les appareils munis d’un capteur APS-C peuvent être abordables, comme le Canon EOS 250D, ou plus haut de gamme, comme le Pentax K3 Mark III. Les boîtiers dits « semi-professionnels » ou « professionnels », comme le Nikon D780 ou le Canon 5D Mark IV, abritent un capteur plein format.

Le système hybride

Ce type d’appareils est celui qui est apparu le plus récemment sur la scène photographique (en 2008). Pour ce système, la visée se fait de manière électronique sur un écran ou dans un viseur qui permet de prévisualiser ce que sera exactement le cliché. Dans les premiers temps, l’autofocus était beaucoup moins performant que pour les reflex, mais aujourd’hui, tout a changé. Le grand avantage des hybrides est la détection automatique des sujets. Pour un portrait par exemple, l’appareil fait automatiquement la mise au point sur les yeux.

Il est également possible de changer le dispositif optique par l’intermédiaire d’une gamme grandissante d’objectifs (comme les reflex donc). L’analyse de l’image en direct permet aussi à ces appareils d’être très performant dans la prise de vue vidéo. Enfin, ils sont généralement plus compacts que les reflex.

Avantages du système hybride :

très bonne qualité d’image générale ;

très polyvalent si l’on investit dans plusieurs objectifs ;

appareils plutôt compacts, mais qui peuvent rapidement devenir (presque) aussi encombrants qu’un reflex avec les optiques ;

détection et suivi automatique du sujet.

Ses inconvénients :

assez encombrant, même si un reflex le sera davantage ;

très coûteux, surtout si vous devez faire la transition totale depuis un système reflex.

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Les hybrides sont des appareils photographiques complets qui sont devenus plus populaires que les reflex. Ils ont l’avantage de disposer d’objectifs interchangeables et la plupart d’entre eux accueillent de grands capteurs (APS-C ou plein format). Voici par exemple le petit Fuji X-T5 (APS-C), le Nikon Z8 et le Sony Alpha 1 (capteur plein format).

EST-CE QUE TU CAPTES ?

Les capteurs numériques peuvent se définir principalement par leur taille. Pour simplifier un peu les choses, plus le capteur sera grand, plus ses performances seront élevées en termes de sensibilité, de dynamique (capacité à récupérer les zones sur- ou sous-exposées) et de rendu général (couleur, grain…). En outre, plus sa taille augmentera, plus la profondeur de champ, à valeur égale, sera réduite. Dans le détail et dans un ordre de grandeur décroissant, voici les grandes familles de capteurs que nous pouvons trouver dans le commerce.

Le moyen format. Comme son nom ne l’indique pas, il s’agit du capteur le plus grand. Les tailles précises sont variables, mais en numérique elles oscillent autour de 3 à 5 cm de côté. Par exemple, 44 × 33 mm pour le Pentax 645D et 36,7 × 49,1 mm pour le Hasselblad H5D. Ces appareils permettent sans doute d’obtenir la meilleure qualité d’image possible, mais ce sont aussi les plus chers (à partir de 8 000 euros sans optique pour les « premiers prix »).

Le plein format. Il reprend exactement la taille des pellicules standards (film 135) lorsque l’argentique était la seule technologie disponible. Les dimensions précises sont 24 × 36 mm. Cette surface sensible de grande taille permet d’avoir de bons résultats dans tous les domaines. La qualité d’image est superlative et les performances de sensibilité et de dynamique sont bluffantes.

Le format APS-C. Il reprend un format de pellicule appelé « film APS ». Cependant, en numérique, les tailles varient sensiblement d’une marque à l’autre. Ce qu’il faut retenir, c’est qu’à focale équivalente, un capteur APS-C donnera un ratio de reproduction plus grand que pour le plein format. Chez Nikon, Sony, Pentax, etc., le ratio est d’environ 1,5. En comparaison avec un capteur 24 × 36 et pour une même distance avec le sujet, ce dernier sera donc représenté 1,5 fois plus grand sur la photo (une focale de 50 mm sera équivalente à 75 mm pour ce format). Légèrement moins performant que le plein format, l’APS-C offre cependant une très belle qualité d’image dans tous les domaines.

Le format Micro 4/3. Ce type de capteur a émergé ces dernières années et équipe souvent des petits boîtiers hybrides. Ils sont légèrement plus petits que les APS-C. La qualité d’image se rapproche beaucoup de celle des APS-C avec des performances peut-être un cran en dessous (cela dépend des marques, des générations de boîtiers…). Ce qui change le plus, et comme son nom l’indique, c’est le rapport entre la largeur et la longueur : pour le plein format et le format APS-C, les proportions étaient de 3/2, ici elles sont de 4/3.

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Proportions des différents formats de capteurs numériques

Vous l’aurez sans doute compris, la solution parfaite pour s’équiper n’existe pas. Aucune règle ne définit précisément les choix que nous devons faire pour pratiquer la photo minimaliste. Chacun en aura une interprétation différente et décidera donc lui-même en fonction de sa sensibilité et de ses envies. Pour ma part, je suis loin d’avoir un matériel minimaliste. Pourtant, je suis sensible à cette philosophie et j’essaie dans ma vie d’être raisonnable et de ne pas trop consommer inutilement.

Les optiques

Si vous choisissez un système photographique à objectifs interchangeables, vous serez certainement confronté à de nombreuses possibilités. Il existe en effet plusieurs solutions, quelle que soit la marque d’appareil photo que vous choisirez. Pour vous orienter dans vos achats, il est important de connaître les différences entre les produits que proposent les constructeurs. Pour cela, il faut savoir qu’une optique est définie par deux paramètres incontournables, la focale et l’ouverture maximale.

La focale : d’un point de vue strictement optique, il est question d’une distance, c’est pour cette raison qu’on exprime la focale d’un objectif en millimètres. Elle correspond plus précisément à la longueur entre le plan principal de l’optique (le plus souvent, il s’agit de la lentille frontale) et le foyer (le plan où les rayons de lumière convergent). La valeur de focale influe sur l’angle de champ (exprimé en degrés, c’est l’angle pour lequel le capteur va pouvoir recevoir la lumière). Pour simplifier, il faut comprendre que plus la distance focale est grande, plus l’angle de champ sera réduit et le photographe pourra voir loin. Ainsi, une focale de 24 mm est considérée comme un grand-angle, utilisé en paysage par exemple, tandis qu’une optique de focale 300 mm est un téléobjectif qui permettra de voir des objets au loin et sera utilisé en photographie animalière ou sportive.

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Représentation schématique de la distance focale

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La distance focale ainsi que la valeur d’ouverture maximale sont toujours indiquées sur l’objectif.

L’ouverture maximale : nous avons vu précédemment que ce paramètre était l’un des paramètres fondamentaux de la prise de vue. Les optiques possèdent toutes un diaphragme qui s’ouvre ou se ferme selon la volonté de l’opérateur pour laisser entrer plus ou moins de lumière vers le capteur. Tous les objectifs n’ont pas les mêmes caractéristiques concernant cette donnée. Le plus important à connaître est l’ouverture maximale de l’objectif. Cette valeur est notée généralement sur le fût de l’optique « 1:2,8 » par exemple (2,8 étant l’ouverture maximale de l’objectif pour ce cas), à côté de la distance focale. Généralement, plus la valeur d’ouverture maximale est grande, plus l’optique est onéreuse, mais il y a quelques exceptions (les 50 mm et équivalents notamment).

Lors du choix d’un objectif, vous serez aussi confronté à un dilemme qu’il n’est pas toujours évident de trancher. Il existe en effet deux grandes catégories d’optique.

Les objectifs à focale fixes : comme leur nom l’indique, la distance focale est constante sur ces objectifs. Vous aurez toujours le même angle de champ, néanmoins, il s’agit souvent des optiques qui donnent la meilleure qualité d’image. En outre, elles ont l’avantage d’être caractérisées par des ouvertures maximales élevées (f/1,4 ou f/1,8 par exemple). Nous l’avons vu, ceci est un avantage en cas de faible luminosité et/ou pour isoler un sujet sur une image (ce que nous recherchons souvent en photo minimaliste). Le problème est que ces optiques sont souvent les plus coûteuses. Si votre budget est serré, je vous conseille de vous pencher vers les focales de 35 mm pour APS-C (voir l’encart « Est-ce que tu captes ? ») ou les 50 mm pour plein format qui sont vendues autour de 100 euros, vous ne le regretterez pas.

Les zooms : ils ont la particularité de pouvoir faire varier leur focale au bon vouloir de l’opérateur. Ainsi, si vous possédez un zoom 24-70 mm, vous pouvez osciller entre le grand-angle (24 mm) et le petit téléobjectif (70 mm). Ceci est évidemment très pratique et beaucoup plus polyvalent qu’avec une focale fixe. En revanche, l’ouverture maximale des zooms est souvent moindre (f/2,8 généralement pour les plus lumineux) et varie en fonction de la distance focale. Les objectifs les plus chers ont une ouverture maximale constante, quelle que soit la focale. Leur prix est cependant souvent supérieur à 1 000 euros, voire bien plus.

Choisir l’une ou l’autre de ces catégories d’objectifs n’est pas toujours aisé. Ainsi, les photographes possèdent-ils très souvent une ou plusieurs focale(s) fixe(s) couplée(s) à un ou plusieurs zooms. Si vous n’avez pas les moyens d’investir suffisamment, je vous conseillerai d’utiliser un zoom (dans un premier temps) pour ne pas être trop limité. Cependant, je tiens à spécifier que l’usage d’une focale fixe (un 35 mm ou un 50 mm par exemple) peut permettre d’exacerber sa créativité. En effet, on ne peut pas zoomer et l’on doit se déplacer pour chercher le meilleur point de vue, cela occasionne régulièrement des trouvailles qu’on n’aurait pas pu imaginer avec un zoom.

Le trépied

Ce livre ne portant pas essentiellement sur le matériel, il serait hors de propos de détailler tous les accessoires disponibles pour pratiquer l’art de la photographie. Cependant, si je devais vous conseiller l’acquisition d’un seul d’entre eux, cela serait le trépied.

Le principal atout de ce dispositif est de pouvoir stabiliser l’appareil photo. En cas de conditions de faible luminosité, cela permet d’éviter les flous de bougés en ayant recours à des vitesses d’obturation plus faibles. Par la même occasion, allonger le temps de pose peut permettre d’obtenir des effets intéressants : durant ce laps de temps, on l’a mentionné plus haut, certains objets en mouvement devant l’objectif (les voitures, les gens ou l’eau, par exemple) apparaîtront flous au milieu d’autres éléments nets. Les compositions minimalistes en seront facilitées.

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Pour cette photo, je souhaitais obtenir un léger flou sur les vagues, cependant je ne voulais pas gommer complètement les reliefs. J’ai opté pour une vitesse d’obturation intermédiaire de 2,5 s. Il est impossible de rester complètement immobile pendant cette durée, ce type d’image nécessite donc un trépied pour une stabilité parfaite.

28 mm, f/14, 2,5 s, 50 ISO, Nikon D800

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Les règles du cadrage et l’art de les transgresser

Prendre un cliché est un acte bref qui nous contraint souvent à une certaine rapidité d’exécution. Durant cet instant, nous devons ajuster les paramètres techniques, mais aussi déterminer la composition, c’est-à-dire la manière dont les éléments qui structurent l’image seront disposés dans le cadre. Pour être réactif, il est nécessaire d’avoir une bonne expérience de la photo ; plus nous pratiquons, plus nos décisions deviennent rapides et inconscientes. Si l’art de la photographie fait donc appel à notre instinct pour une part importante, une méthode est aussi indispensable pour acquérir progressivement des automatismes. En la matière, il existe des principes de base qui peuvent nous aider à être efficaces.

Les bases de la composition

La lecture en Z

L’œil humain a un fonctionnement inconscient que l’artiste doit connaître et prendre en compte (ou non) pour ses créations. Même si cela peut paraître étonnant au premier abord, nous observons une image dans un sens prédéterminé, lequel est étroitement lié à notre apprentissage culturel, et cela, depuis notre enfance. Le sens de lecture d’un texte est en effet tellement ancré en nous que nous l’appliquons à presque tout ce que nous regardons. Ainsi, même si nous n’avons pas la sensation de « lire » une image, c’est pourtant ce que nous faisons. Pour schématiser, on parle de « lecture en Z » : l’œil balaie une photo de manière inconsciente en partant d’en haut à gauche du cadre pour terminer en bas à droite.

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Nous regardons toujours une photographie dans un sens déterminé. Chez les Occidentaux, le sens de lecture se fait de gauche à droite, comme quand nous lisons un texte.

La loi de l’équilibre

Tous les motifs représentés sur une image ont un poids visuel. Celui-ci est déterminé par la surface qu’occupe un objet dans le cadre, mais aussi par sa couleur, la manière dont il est éclairé, sa forme, etc. Les objets et leurs caractéristiques sont donc autant de points d’ancrage pour le regard. Ainsi, au cours de la lecture d’un cliché, la manière dont ces derniers sont répartis dans le cadre établit une hiérarchie et codifie la façon dont le spectateur va regarder la photo. Voici quelques exemples de motifs (ou sujets) qui captent immédiatement l’intérêt de manière consciente ou inconsciente :

les couleurs vives et aux tons chauds ;

les hautes lumières ;

la netteté ;

la forme humaine ;

les yeux d’une personne ou d’un animal.

Un photographe averti connaît ce principe et agit en connaissance en répartissant les motifs sur son cliché. Il peut choisir de créer un équilibre parfait pour sa composition ou de construire un subtil déséquilibre. Les cas pour lesquels la composition serait complètement déséquilibrée sont régulièrement considérés comme ratés, nous verrons que ce n’est pas toujours vrai (voir plus loin « La composition minimaliste »).

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Ce cliché est parfaitement équilibré. La composition est en triangle. La poubelle, vient équilibrer le personnage de gauche. Sans ce motif, l’image serait ratée.

300 mm, f/8, 1/160 s, 500 ISO, -1,3 EV, Nikon D700

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Contrairement aux apparences, cette image est bien équilibrée : tous les objets ont un poids visuel au sein de la composition. On observe deux motifs principaux (le couple en bas et la lune en haut) répartis de manière assez symétrique en référence à un axe horizontal. Je rappelle que le regard est toujours plus attiré par des tons chauds et les hautes lumières ; en conséquence, la lune équilibre correctement les personnages aux mensurations plus imposantes.

46 mm, f/4, 1/200 s, 1 400 ISO, Nikon Z 6II

La ligne à suivre

Si l’on observe une photographie de manière un peu formelle, on s’aperçoit qu’il s’agit en réalité d’une succession de lignes courbes et droites entre lesquelles s’étalent des aplats de couleurs (ou de nuances de gris pour les clichés en noir et blanc). Dans cet enchevêtrement, certaines lignes sont plus marquées que d’autres de manière évidente – il peut s’agir du bord d’une route, de l’angle d’un bâtiment, de la ligne d’horizon… Elles constituent la charpente visuelle de l’image. La manière dont nous agençons ces différentes lignes dans le cadre donne une occasion supplémentaire de guider le regard vers l’endroit (ou les endroits) que nous souhaitons. Enfin, nous pouvons également noter que certaines lignes de fuite permettent aussi de retranscrire la troisième dimension, qui par définition n’existe pas en photographie.

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Sur ce cliché, je me suis servi des rampes de l’escalier pour créer une perspective. L’idée est d’inviter l’imagination du spectateur à aller vers la mer.

28 mm, f/10, 30 s, 50 ISO, Nikon D750

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Pour cette image, l’emploi de la ligne directrice est évident.

420 mm, f/7,1, 1,6 s, 1/500 ISO, Nikon D700

La règle d’or

La règle d’or est un principe d’harmonie des formes très ancienne, qui semble remonter à la plus haute Antiquité. Cette loi découle du « nombre d’or » qui est un nombre dit « irrationnel », c’est-à-dire qui ne peut s’écrire sous la forme d’une fraction de nombres entiers. Le nombre d’or ou ɸ est égal à 1,618 033 988 7… ; il contient une infinité de chiffres après la virgule.

Au XIIIe siècle, le mathématicien Leonardo Pisano Fibonacci cherchait à résoudre un problème d’économie marchande qui s’exprime à peu près ainsi : « Un couple de lapins, nés le 1er janvier, donne naissance à un autre couple de lapins chaque mois dès lors qu’il a atteint l’âge de deux mois. Les nouveaux couples suivent la même loi de reproduction. Combien y aura-t-il de lapins au 1er janvier de l’année suivante en supposant qu’aucun couple n’ait disparu entre-temps ? » Pour résoudre le problème, il établit une suite mathématique connue sous le nom de « suite de Fibonacci » dans laquelle chaque terme est le résultat de l’addition des deux termes précédents. Il obtient ainsi :

0 ; 1 ; 1 (0 +1) ; 2 (1 +1) ; 3 (2 +1) ; 5 (3 +2) ; 8 ; 13 ; 21 ; 34 ; 55 ; 89 ; 144…

Mais cette suite numérique n’explique pas seulement le cycle de reproduction du lapin, elle a d’extraordinaires propriétés. Le rapport entre un terme quelconque de cette suite et celui qui le précède tend vers le nombre d’or au fur et à mesure que l’on avance dans la série. Ainsi on obtient :

1/1=1 ; 2/1=2 ; 3/2=1,5 ; 5/3=1 666 666… ; 8/5=1,6 ; 13/8=1,625 ; 21/13=1 615 348… ; 34/21=1,619 04… ; 55/34=1,617 64… ; 89/55=1,618 18…

Lorsqu’on arrive au quarantième terme de la suite, le quotient s’approche du nombre d’or avec une précision à 14 décimales.

Ce qui est fascinant, c’est que la suite de Fibonacci se rencontre très souvent dans la nature. Le nombre de pétales de nombreuses fleurs, par exemple, correspond à l’un des termes de cette suite. C’est le cas du lilas (3 pétales), de la renoncule (5 pétales), du pied-d’alouette (8 pétales), du souci (13 pétales)… La forme des feuilles des arbres et leur répartition, les proportions dictant la croissance de nombreux êtres vivants semblent également commandées par des principes mathématiques analogues.

Depuis des siècles, de manière intuitive ou consciente les artistes ont remarqué cette redondance mathématique en observant la nature. Ils en ont déduit que si l’on transposait le nombre d’or à l’art et à l’architecture, on obtiendrait des proportions censées s’approcher de la perfection. Certains ont même parlé de « proportions divines ».

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Les proportions du nombre d’or

Pour appliquer ce schéma à l’art pictural ou à la photographie, il faut transposer la suite de Fibonacci d’un point de vue géométrique : pour créer un rectangle d’or, il faut dessiner un premier carré central (1) sur un côté duquel s’appuie un deuxième carré (1). Sur les deux premiers s’appuie un troisième carré (2), et ainsi de suite (3 ; 5 ; 8 ; 13 ; 21…). Si l’on trace ensuite les quarts de cercle dont le rayon est égal au côté de chacun des carrés de la figure précédente, on obtient une spirale d’or. À l’aide de ce schéma, il est possible de découper le cadre en six parties. Les proportions qui en découlent sont jugées particulièrement esthétiques par les anciens.

La composition d’une photographie (ou de toute autre œuvre en deux dimensions) est censée être harmonieuse si le motif principal de l’image est positionné sur l’un des quatre angles (ou points forts) du rectangle central. Dans ce schéma, le tracé de certaines diagonales partant des coins du cadre permet de visualiser des lignes de force qui faciliteront la mise en place du sujet et des motifs de la composition.

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Ce cliché d’une jeune libellule est une application du principe du nombre d’or.

150 mm, f/4,5, 1/200 s, 1 600 ISO, Nikon Z 6II

Malgré l’intérêt que nous devons porter à cette loi, cette technique est assez contraignante et présente des inconvénients. En premier lieu, les formats « classiques » des tirages photographiques ne sont pas strictement calqués sur les proportions du nombre d’or (bien qu’ils s’en inspirent fortement). De plus, au moment de la prise de vue, ce type de découpage est très difficile à visualiser. La règle du nombre d’or est donc plus facilement applicable en dessin ou en peinture, disciplines pour lesquels les artistes disposent de plus de temps. La photographie étant plus instinctive, une méthode plus simple est utilisée.

La règle des tiers

La règle du nombre d’or a été simplifiée pour pouvoir être appliquée plus facilement. L’idée est de diviser le rectangle correspondant au cadre photographique en trois parties égales dans le sens de longueur, ainsi que dans la largeur. On obtient alors deux droites verticales et deux droites horizontales qui se recoupent en quatre endroits du cadre. Pour la règle des tiers, ils constituent les quatre points forts de l’image. Ce sont ces zones qu’il faudra privilégier pour placer le sujet de la photographie. Avec un léger décalage, on peut observer une analogie entre le point fort de la règle des tiers et celle du nombre d’or.

Ce principe est infiniment plus simple à mettre en œuvre et s’adapte à tous les formats (carré, panoramique et rectangulaire). Il est en effet beaucoup plus aisé de découper mentalement un rectangle de cette manière plutôt que d’imaginer les proportions du nombre d’or. De plus, beaucoup d’appareils photographiques actuels sont en mesure de vous fournir des guides sur l’écran ou dans le viseur pour vous aider à composer idéalement votre cliché. Avec la règle des tiers, plus besoin d’être mathématicien pour être photographe.

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La règle des tiers

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Pour prendre ce cliché d’une cigale, j’ai instinctivement appliqué la règle des tiers.

150 mm, f/3,5, 1/640 s, 50 ISO, Nikon Z 6II

Des erreurs « classiques »

Les règles et principes que nous venons de détailler sont considérés comme les lois classiques de la composition. Afin d’être bien clair, je me permets d’insister sur le fait qu’il s’agit seulement de guides pour orienter les débutants dans l’art de la composition. Dans le même système de pensée, il existe des erreurs qualifiées là encore de « classiques » que nous devrions éviter afin d’être sûrs de ne pas rater un cliché :

déséquilibrer une composition : il s’agit de ne pas donner de contrepoids visuel à la composition et enfreindre la loi de l’équilibre (voir la section « La loi de l’équilibre ») ;

centrer un sujet de manière excessive : il est d’usage de dire que cela revient à ne pas utiliser la totalité du cadre. C’est une erreur que font 99 % des débutants, ils placent ce qu’ils veulent photographier au centre de l’image pour être sûrs de ne pas rater la photo ;

placer le sujet au bord du cadre : de la même manière, si on place le motif principal trop au bord de l’image, il se trouve éloigné des « points forts » (règle des tiers) et le regard risque d’être « coincé » en limite de photo ;

horizon penché : lorsque la ligne d’horizon n’est pas tout à fait droite, cela perturbe souvent le spectateur et lui donne parfois une sensation de mal de mer.

La composition minimaliste

Vers une démarche minimaliste

Si je viens de passer quelques pages à détailler les lois conventionnelles qui régissent les principes de la composition photographique, c’est pour insister sur le fait qu’elles sont très importantes à connaître. Il faut en effet savoir pourquoi on ne les applique pas quand on ne les applique pas… Car, en photographie minimaliste (et en photographie en général d’ailleurs), nous ne sommes pas contraints de respecter ces règles.

Avant d’entrer dans les détails et de tenter de montrer pourquoi il est intéressant de sortir d’un classicisme qui peut s’avérer étroit, je souhaite rappeler que la maîtrise de la photographie s’acquiert par étapes. Ainsi, si vous venez de découvrir ces règles, je vous invite à ne pas tenter tout de suite de les enfreindre. Il faut, à mon sens, avoir pratiqué ces canons pendant quelque temps pour vraiment comprendre ce qu’ils représentent et s’en affranchir par la suite en toute connaissance de cause. Évidemment, rien ne vous empêche de sauter des paliers, vous êtes le seul décideur, et il n’est probablement pas impossible de s’épanouir artistiquement sans être passé par un apprentissage traditionnel.

Afin de démontrer mon propos par l’exemple, je vais reprendre point par point les erreurs dites « classiques » que j’ai énoncées plus haut en vous montrant qu’elles n’ont pas toujours pour résultat une mauvaise photo (toujours dans une optique minimaliste).

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Cette colline ne comporte aucun contrepoids visuel. Pour autant, vous constaterez probablement que le cliché est réussi. Pour traiter ce sujet de manière plus conventionnelle, il aurait fallu inclure un premier plan dans le cadre et ajouter de la perspective.

150 mm, f/8, 1/60 s, 1 600 ISO, Nikon D800

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Voici une composition centrée : une plateforme perdue au milieu d’un lac. Notez comme ce type d’agencement accentue l’idée de quiétude et/ou de solitude.

50 mm, f/7,1, 1/1 000 s, 100 ISO, Nikon D750

Déséquilibrer une composition : un cliché peut être tout à fait réussi sans que le motif principal soit pour autant équilibré par un ou plusieurs autres motifs secondaires. Cela donne souvent des clichés plus originaux, qui dénotent avec ce qu’on a l’habitude de voir.

Centrer le sujet : une photographie peut être tout à fait réussie en plaçant le motif principal au centre de l’image, et ce dans le but de marquer une symétrie ou de montrer une différence (de forme, de couleur…) par rapport à l’endroit où le sujet se trouve.

Placer le sujet au bord du cadre : il est possible de placer avantageusement le motif tout à fait contre le bord de la photographie (attention de ne pas le tronquer tout de même). Dans ce cas, plus il apparaîtra petit sur l’image, plus vous laisserez de la place à son environnement. À cet égard, il est important de prendre garde à photographier « dans le bon sens » ; en effet, si vous photographiez quelqu’un dont le regard est orienté vers le bord de l’image, l’effet produit ne sera pas du tout le même.

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Cette petite salicorne pousse en bord de mer dans un terrain sableux. Pour composer l’image, j’ai placé le sujet tout à fait au bord du cadre, à gauche. Notez que la partie haute de la tige de la plante s’incline légèrement vers l’intérieur du cadre pour renvoyer le regard dans cette zone.

28 mm, f/2,2, 1/1 250 s, 50 ISO, Nikon D750

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L’horizon de ce cliché est penché, mais cela ne pose aucun problème pour ce type d’esthétique.

24 mm, f/8, 1/320 s, 100 ISO, Nikon D750

Horizon penché : il est possible de ne pas disposer la ligne d’horizon de manière parfaitement droite. Si vous choisissez cette option, assumez-la clairement et ne faites pas dans la demi-mesure.

Une affaire de style

Si l’on considère la démonstration qui précède, vous comprendrez aisément que vouloir définir une « composition minimaliste » est probablement une utopie. Il n’y a pas vraiment de règle à proprement parler (si ce n’est la recherche de simplicité) pour réaliser ce type de photographie, il est plutôt question de style. À cet égard, il existe pour moi trois grandes manières de produire une photographie minimaliste.

Une composition épurée. Il s’agit de minimiser le nombre de motifs que l’on choisit de représenter à l’image. Souvent, un seul élément suffit à la réussite d’un cliché, le reste de l’image sera alors occupé par une texture relativement homogène – le ciel, la mer, le désert, un mur… On parle d’espace négatif. Bien sûr, selon ce que vous souhaitez exprimer, rien ne vous empêche de photographier deux ou trois motifs si cela correspond davantage à votre idée de départ. Ce type de cliché représente le mieux l’idée qu’on se fait du minimalisme. Il s’en dégage souvent une impression de calme, de clarté et de sérénité.

La répétition des formes. Paradoxalement par rapport au style précédent, vous pouvez également choisir de remplir le cadre d’une photographie avec le même motif reproduit de nombreuses fois. Comme l’explique John Pawson, le célèbre architecte, dans son livre Minimum, les compositions fondées sur la répétition tendent vers la simplicité.

Le choix de l’abstraction. Une image est qualifiée « d’abstraite » lorsque le spectateur a du mal à distinguer la véritable nature du motif. Il a alors un doute sur ce qu’il voit. Ainsi, dans ce type de cliché, on ne cherche pas à représenter fidèlement la réalité, mais on s’en sert comme support pour imaginer une autre vérité. Si le spectateur accepte ce postulat de départ, il est alors possible de se montrer créatif en se concentrant, par exemple, sur des formes simples ou sur la répartition des couleurs afin de susciter chez lui une émotion.

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Composition épurée. Sur cette image, le seul motif est aussi le sujet de la composition : un trèfle en contre-jour. Il en résulte une photo zen et épurée.

300 mm, f/4, 1/800 s, 640 ISO, Nikon D700

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Répétition des formes. Au Mexique, de nombreuses villes sont caractérisées par des bâtiments très resserrés. La répétition des angles orthonormés rapproche ce visuel d’une texture quasiment homogène.

145 mm, f/8, 1/1 000 s, 200 ISO, Nikon D300

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Choix de l’abstraction. J’ai pris cette photo en faisant face à un rayon de lumière perçant la végétation. Sans clé de lecture, le spectateur se demande ce qu’il est en train d’observer. Il peut émettre des hypothèses, mais n’aura de réponse que si l’artiste la lui donne (via un titre, par exemple). On lui demande de faire abstraction de la véritable nature du sujet, on lui suggère de « regarder » au-delà.

70 mm, f/8, 1/200 s, 800 ISO, Nikon D750

Ces styles peuvent être également compilés entre eux. Vous pouvez par exemple choisir de combiner une composition épurée avec la répétition des formes, la multiplication des motifs servant pour l’occasion de texture homogène. Une autre solution consiste à créer des images abstraites en jouant sur la répétition des formes. Si vous découvrez d’autres moyens de produire des images qui vous semblent être « minimalistes », n’hésitez pas à vous lancer, les limites en la matière seront celles que vous vous imposerez.

Rappelez-vous qu’au-delà de ces styles, il faut que votre représentation du réel s’exprime avec le plus de simplicité possible. Je me permets ici de vous redonner la définition que je proposais dans le premier chapitre de ce livre : « Une photographie peut être considérée comme minimaliste lorsqu’elle répond à une volonté de simplicité, excluant le superflu pour ne retenir que l’essentiel. »

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J’ai pris ce cliché du haut d’une passerelle. Mon esprit minimaliste a immédiatement été attiré par la répétition de formes dessinées par le carrelage en contrebas. J’aurais pu me contenter de ce type d’image, mais cela ne m’a pas satisfait, j’ai décidé d’associer deux styles en profitant du passage de quelqu’un (et de son parapluie) pour casser ce rythme répétitif. Le trait plus foncé est le reflet d’un poteau sur le sol humide.

40 mm, f/8, 1/200 s, 400 ISO, Nikon Z 6II

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Ici, le procédé est le même. Cette fois, ce sont les reliefs d’un bâtiment qui caractérisent les formes répétitives. L’enfant en train de marcher vient rompre ce rythme graphique.

40 mm, f/8, 1/1 000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

Ma pensée minimaliste

Il me semble qu’il est nécessaire que j’explicite un peu plus mon point de vue sur le minimalisme. Car, bien que j’essaie de varier le plus possible les exemples dans cet ouvrage, mes clichés expriment certainement ma singularité et mon point de vue. Vous n’êtes pas obligé d’adhérer à cent pour cent aux formulations de mon enseignement, je vous encourage au contraire à vous forger votre propre opinion en ayant un regard critique sur mes photos. Vous pouvez également consulter les livres d’autres photographes et visiter des expositions afin de mieux cerner ce qui vous plaît et ce que vous n’aimez pas.

Je suis un contemplatif, je le savais bien avant de commencer la photographie. Au cours de mon évolution artistique, j’ai souvent été à la recherche du « beau », mais aujourd’hui, plutôt que de faire de belles photos, je tente de produire des images dans lesquelles les spectateurs projettent leurs émotions. Il s’agit pour moi de créer une ambiance assez subjective pour qu’ils puissent y transposer leur personnalité, pour qu’ils aient envie d’entrer dans la photo et d’aller s’y promener. En tant que photographe, je dois donc observer attentivement mon environnement et y déceler un détail dans lequel trouver une sensation puissante. Dans cette recherche, l’esthétique minimaliste correspond souvent à ce que je souhaite transmettre. La plupart du temps, l’application des principes de ce style se fait donc de manière inconsciente. C’est un moyen, pas un but.

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Voici le type d’image qui pourrait illustrer ma vision du minimalisme. Alors que je rendais visite à un proche, j’ai remarqué qu’un chat m’observait derrière un mur. Comme j’ai souvent un appareil photo à portée de main, je l’ai saisi pour prendre un cliché. Une scène un peu banale que tout le monde peu expérimenter est ici sublimée par la photographie.

50 mm, f/8, 1/250 s, 200 ISO, Nikon Z 6II

Comment procéder pour faire une photo minimaliste ?

Je pense que formaliser les choses est parfois un bon moyen de trouver (ou de garder) ses repères quand on doit prendre les décisions pour produire une image de qualité. Je vous propose donc un procédé, une ligne de conduite en quelque sorte, afin de vous guider dans l’élaboration de ce que peut être une photo minimaliste (cette démarche est d’ailleurs valable pour tout autre style de photographie).

1.Avoir une idée. C’est évidemment le point de départ de toute création. Il faut avoir en tête ce que l’on veut photographier et la manière dont on veut le faire, savoir si vous souhaitez, par exemple, vous concentrer sur la lumière d’un paysage, sur la texture d’un objet, sur l’aspect graphique d’une scène de rue. Cette notion peut sembler évidente, mais elle n’est pas si simple qu’il y paraît. En d’autres termes, il s’agit de l’état primaire d’une « inspiration ».

2.Définir le sujet. Le sujet découle directement de l’inspiration que vous aurez eue. Le premier point (l’idée) permet de définir ce que vous avez envie de photographier ; définir le sujet vous amène à considérer le point central de la composition. Par exemple, lorsqu’on décide de prendre en photo un paysage, c’est une idée ; dans ce paysage, il y a sans doute beaucoup de choses : un arbre au premier plan, une petite maison perdue au creux d’une vallée, les montagnes en arrière-plan, un ciel coloré particulièrement beau, etc. En se posant la question de ce que l’on veut exprimer, on définit le sujet de la photographie.

3.Faire un premier jet. Une fois les deux premières étapes passées il faudra fixer toute une série de variables pour prendre le cliché : les paramètres techniques de votre appareil photo (ouverture, vitesse d’obturation, sensibilité), mais aussi la façon dont vous allez traiter le sujet. Il vous faudra ainsi définir le type de plan (plan large, serré ou gros plan), l’angle de vue (à hauteur d’homme, en plongée ou contre-plongée) et la façon de poser le cadre (ce qui revient à inclure des éléments et en exclure d’autres).

4.Varier les compositions. Il arrive parfois que la première photo soit la bonne, mais ce n’est pas toujours le cas. Je vous conseille donc de tenter de varier les prises de vue, opter pour un angle plus original, passer du plan large au gros plan, exclure encore plus d’éléments du cadre… Vous obtiendrez ainsi plusieurs images que vous pourrez sélectionner à tête reposée sur l’écran de votre boîtier ou devant votre ordinateur.

Pour clore ce chapitre, voici une série de quatre photos qui illustrent la démarche que je viens d’énoncer.

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Pendant la saison froide, j’avais programmé une sortie photo au petit matin, au bord d’un lac, à environ une demi-heure de mon domicile. Le soleil émergeait à peine. J’ai été subjugué par l’atmosphère magique de l’aurore. Mon idée principale a été de traduire cette ambiance d’un point de vue graphique. Le sujet que j’allais traiter serait donc la lumière elle-même. J’ai d’abord opté pour un grand-angle. Ce fut mon « premier jet ».

28 mm, f/8, 1/640 s, 100 ISO, Nikon D800

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Je n’étais pas satisfait de mon premier cliché. Il n’avait pas de vrai défaut, mais j’étais loin d’être enthousiaste. J’ai donc changé d’objectif pour un 85 mm. Mon idée était, bien sûr, de cadrer plus serré.

85 mm, f/8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D800

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Toujours pas convaincu, j’ai ensuite opté pour une focale de 300 mm. Apercevant un oiseau, je l’ai photographié face au soleil. Le résultat aurait pu être intéressant, mais cela n’a pas été le cas. Le cliché est fade, sans saveur.

300 mm, f/8, 1/6400 s, 100 ISO, Nikon D800

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En gardant à l’esprit mon idée initiale et mon sujet (la lumière de l’aurore), j’ai remarqué à l’arrière-plan que les rayons du soleil filtraient à travers la cime des arbres. Plusieurs lignes de crêtes horizontales et obliques ont donné une plus-value indéniable à mon image. Sans cette quête minimaliste, je n’aurais pas produit cette image (quel dommage !) et je me serais satisfait de mon premier cliché à la composition très « classique ».

300 mm, f/8, 1/1 250 s, 100 ISO, Nikon D800

3

Le minimalisme appliqué

Le style minimaliste peut être appliqué avantageusement à chaque genre photographique, comme nous allons le découvrir dans ce nouveau chapitre. Pour chaque thème abordé, je vous propose de tenter vous-même l’exercice afin de vous familiariser avec ce nouveau vocabulaire visuel. Dans un premier temps, dans les domaines qui vous sembleront les plus familiers (les paysages et les portraits par exemple), puis, fort de cette première expérience, dans les genres qui vous paraissent les plus complexes. Dans ce type de recherche, il faut constamment renouveler le regard que l’on porte sur le monde. Le plus difficile est probablement d’acquérir de la pertinence ; car vous pourrez faire les images les plus minimalistes qui soient, si vous n’avez rien à exprimer, elles ne fonctionneront pas.

Paysages

La pratique du paysage est probablement celle qui est la plus populaire parmi les photographes du monde entier. Contrairement à ce que l’on pourrait penser de prime abord, c’est également l’une des plus délicates. Mais la bonne nouvelle, c’est que ce type de prise de vue offre du temps pour affiner les paramètres, le cadrage. C’est assez peu fréquent dans notre art, pour lequel tout est affaire d’instant. C’est donc un luxe dont je vous conseille de profiter.

Un paysage classique ?

La photo de paysage peut être définie comme une vue d’ensemble d’un espace qui s’offre à notre vue. Ce type d’exercice se pratique depuis très longtemps et la photographie a bénéficié de l’héritage de la tradition picturale. Ainsi, une codification, consciente ou non, semble régir les canons esthétiques du paysage conventionnel. Je vous propose de passer en revue les différents aspects admis généralement pour définir ce genre de cliché afin que vous puissiez bien comprendre par la suite comment il est possible de s’en affranchir en excluant le superflu.

Il est classiquement conseillé d’utiliser un objectif grand-angle (entre 8 mm et 35 mm) pour avoir l’angle de vue le plus large possible.

Un paysage doit fourmiller de détails. C’est pour cette raison que les photographes spécialisés dans ce domaine préfèrent les capteurs photo avec une grande résolution et ferment le diaphragme de leur objectif afin d’obtenir une grande profondeur de champ (et, par conséquent, obtenir une netteté sur l’ensemble du cadre).

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Voilà à quoi pourrait ressembler un paysage traditionnel. J’ai employé un grand-angle de focale de 24 mm et j’ai fermé le diaphragme à f/8 pour obtenir une grande profondeur de champ. La perspective est créée grâce au scooter situé sur la gauche. Il permet au spectateur « d’entrer dans l’image ». Ensuite, le regard peut parcourir le paysage qui se développe à l’arrière-plan : la plage, puis les rochers.

24 mm, f/8, 1/100 s, 450 ISO, Nikon Z 6II

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Autre exemple de ce qu’il est possible de faire dans un but assez conventionnel. Ici, le motif principal est le ponton. Un premier plan est suggéré par la branche d’un arbre, puis la diagonale du ponton conduit le regard dans le cadre. On peut observer le lac, puis un pont à l’arrière-plan.

28 mm, f/8, 25 s, 800 ISO, Nikon Z 6II

Le photographe doit trouver un moyen de suggérer de la profondeur – en effet, une photo est une représentation en deux dimensions de la réalité. Pour un paysage respectant une démarche classique, il faut proposer au spectateur un moyen d’accéder à la troisième dimension. Le procédé le plus employé consiste à utiliser une ou plusieurs ligne(s) oblique(s) pour suggérer de la perspective. Dans le même but, un paysage doit contenir environ trois plans.

Il est convenu que l’image possède un motif principal qui se détache des autres. Ce dernier est placé dans le cadre à un endroit stratégique pour accrocher le regard du spectateur afin que ce dernier puisse parcourir l’ensemble du cadre à partir de ce point.

Il est d’usage d’employer le format horizontal plutôt que vertical. Il nous semble plus « naturel », car il est en adéquation avec notre champ de vision.

Un simple paysage

Voyons ensemble comment simplifier le procédé du paysage traditionnel pour entrer dans une esthétique plus minimaliste. Il va de soi qu’il est impossible d’oblitérer complètement l’ensemble des points « classiques » que j’ai détaillés plus haut, cela reviendrait à photographier à la fois sans détail, sans perspective, sans hiérarchisation des sujets, etc. Et finalement, il n’y aurait plus grand-chose dans le cadre. Notre but ici étant de produire une image représentant un paysage, nous sortirions complètement du thème. De plus, il me semble que le spectateur doit comprendre (sans lire le titre de l’œuvre) qu’il s’agit bien d’un paysage.

Avec effet de flou

La première solution que je propose est de sortir de la netteté généralement si importante pour les paysagistes (attention cependant, je ne parle pas de flou abstrait comme nous le verrons plus loin dans cet ouvrage). À mon sens, il existe deux types de flou pouvant être utilisés en paysage.

Un flou provenant d’une pose longue : comme nous l’avons vu précédemment, cela consiste à disposer son appareil photo sur un support stable (un trépied par exemple) et à régler le temps d’exposition sur une durée assez longue. Pendant ce laps de temps, les objets fixes apparaîtront nets tandis que ceux en mouvement seront plus « vaporeux ».

Un flou d’arrière-plan : pour produire ce type d’effet, il suffit d’ouvrir le plus possible le diaphragme de l’objectif. On réduit ainsi la profondeur de champ, et la zone de netteté par la même occasion.

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Pour réaliser cette image en pose longue, j’ai utilisé un filtre à densité neutre afin de filtrer la lumière ambiante et pouvoir encore abaisser la vitesse d’obturation. J’ai pu arriver à une pose de 8 s en plein jour. Mon idée était d’obtenir un flou franc sur l’eau. La composition épurée et l’effet de filé m’ont permis de produire ce paysage minimaliste.

50 mm, f/11, 8 s, 50 ISO, Nikon Z 6II

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Pour ce cliché, j’ai réalisé la mise au point au tout premier plan. En ouvrant le diaphragme à f/3,2, je savais que je n’obtiendrais pas la netteté sur toute la profondeur de la scène – c’est ce que je recherchais pour donner un effet mystérieux à cette photo. Notez qu’à part un chemin de sable dans les hautes herbes, aucun motif n’est présent dans le cadre.

24 mm, f/3,2, 1/50 s, 200 ISO, Nikon D750

Avec motif

Nous pouvons également faire figurer un motif dans le cadre, sans pour autant sortir de l’esthétisme minimaliste. Je vous suggère de ne pas trop multiplier les plans pour ne pas être trop proche d’une démarche plus traditionnelle. Ce motif figuratif, quel qu’il soit, doit participer avantageusement à la mise en œuvre de votre intention initiale.

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Lors de mes sorties photo, il m’arrive souvent d’aller en bord de mer. Je trouve sur la plage des objets usuels ou plus énigmatiques et je m’en sers pour composer des images minimalistes. Notez le format vertical, très peu utilisé dans la pratique du paysage.

28 mm, f/5,6, 1/80 s, 800 ISO, Nikon D700

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28 mm, f/8, 1/60 s, 1600 ISO, Nikon D700

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Ce pin pousse très lentement dans les rochers. Je le connais depuis des dizaines d’années. Un paysagiste classique aurait probablement cherché à « ajouter des éléments » dans le cadre. Pour ma part, la présence de ce motif au premier plan suffit à la réussite de l’image.

17 mm, f/3,2, 1/30 s, 1 000 ISO, Nikon Z 6II

Avec des droites et des courbes

Lorsque cela s’avère possible, j’aime traiter le thème du paysage d’une manière encore plus graphique, en cherchant un point de vue qui mette le plus possible les lignes en avant. À cet effet, vous pouvez vous servir des obliques pour suggérer de la profondeur, mais vous n’y êtes pas obligé. Nous verrons plus loin (dans la section « Perspectives ») que ce thème particulier peut constituer à lui seul un sujet minimaliste de premier choix.

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J’ai photographié cet aménagement de pêche en pose longue. Seuls les lignes et les traits des piquets structurent l’image.

85 mm, f/11, 10 s, 50 ISO, Nikon D750

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La corde à laquelle était attachée cette bouée m’a permis de composer un cliché en contre-jour.

24 mm, f/10, 8 s, 50 ISO, Nikon Z 6II

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Ici, la ligne principale est matérialisée par la crête de la dune, qui se dessine entre ombre et lumière. La multitude de lignes secondaires formant des vaguelettes accentue encore le graphisme de l’image.

28 mm, f/2, 1/60 s, 125 ISO, Nikon D300

Avec une succession de plans

Le principe de ce type de vue est de cadrer pour ne faire figurer dans l’image qu’une succession de plans. Cela est singulièrement efficace avec une vue présentant beaucoup de plans horizontaux, par exemple un paysage incluant un plan d’eau comme la mer, l’océan ou un lac. Néanmoins, avec une bonne ambiance lumineuse, on peut aussi expérimenter ce genre de composition avec succès pour un paysage montagneux, désertique ou de forêt. L’effet produit sera multiple :

il peut arriver (pas toujours) qu’en réalisant ce genre de photo on perde la restitution de la troisième dimension, si importante pour les paysagistes – je trouve, pour ma part, que cela est tout à fait intéressant et induit une ambivalence qui peut mener à une forme d’abstraction ;

on perd aussi le motif principal sur lequel a l’habitude de s’appuyer le regard : les clichés ne cherchent plus à montrer une scène de la vie quotidienne ou un événement, ils mettent en exergue seulement l’ambiance et représentent pleinement un « fragment de planète », sans superflu.

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Premier exemple d’un cliché représentant une succession de plans. Les paysages collinéens ou montagneux sont parfaits pour l’exercice. Pour un résultat minimaliste, le contre-jour sera votre meilleur atout. Le fait de faire face à la source de lumière vous permettra de gommer tous les détails pour ne laisser apparaître que des ombres sous différentes nuances.

85 mm, f/9, 1/250 s, 50 ISO, Nikon D800

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70 mm, f/8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Avec la même technique, le jeu de lumière sur les lignes de crête des reliefs génère cet effet très graphique.

150 mm, f/2,8, 1/3200 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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50 mm, f/8, 1/400 s, 100 ISO, Nikon D800

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Ces deux exemples montrent qu’il est possible de réaliser une succession de plans sans pour autant s’appuyer sur des collines ou des montagnes – ici une tempête grondant sur la mer et des vagues qui ondoient dans la brume de l’aurore.

300 mm, f/9, 1/4 000 s, 100 ISO Nikon D800

Simplicité incarnée

Dans les scènes de vie

La forme humaine se prête très bien à une esthétique épurée, la moindre silhouette prise en photo devient immédiatement un symbole fort et universel. Dans le vocabulaire minimaliste, ce thème est par conséquent très pertinent. La manière dont nous pouvons le traiter est multiple, cependant, je vous suggère de personnifier le moins possible les individus que vous choisirez de photographier. La raison est que si les visages apparaissent clairement, vous perdrez sans doute en simplicité esthétique ; les spectateurs seront irrémédiablement attirés par les personnages et non par ce que votre cliché représente dans sa globalité. À cet égard, le traitement en contre-jour est tout à fait approprié à cet exercice.

Dans votre quête de sobriété graphique, prenez garde à ce que le fond du cliché soit homogène. Idéalement, il doit comporter peu de motifs afin de ne pas perturber la lecture de l’image.

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Ce cliché est bien marqué par une esthétique minimaliste. Le contre-jour permet à la silhouette de se découper significativement. Le fond de l’image est bien homogène, ce qui m’a permis d’obtenir une composition épurée.

50 mm, f/1,8, 1/1250 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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On retrouve ici la même idée, avec cette fois un contre-jour beaucoup plus léger. C’est la couleur de la robe qui permet de créer un contraste intéressant.

85 mm, f/2,5, 1/2 000 s, 100 ISO, Nikon D700

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Par rapport aux deux exemples précédents, j’ai introduit ici un premier plan. Ces motifs permettent d’ajouter du graphisme et de la couleur à l’image.

50 mm, f/1,8, 1/8 000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Pour ce cliché, j’ai utilisé une vitesse d’obturation plus lente afin de flouter le passage du bus à l’arrière-plan. Ce procédé m’a permis d’obtenir une composition minimaliste dans laquelle la forme géométrique du parapluie est très importante.

50 mm, f/4, 1/13 s, 50 ISO, Nikon D800

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Il est également possible de photographier quelqu’un de face en gardant une esthétique minimaliste. Dans ce cas, le contre-jour est particulièrement intéressant.

200 mm, f/7,1, 1/1 250 s, 400 ISO, Nikon D300

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Voici un dernier exemple. J’ai rencontré ce jeune homme sur une plage, qui faisait des saltos. J’ai retenu ce cliché, où la position est celle qu’il prenait au moment d’amorcer son saut arrière ; au-delà du symbole fort, c’est aussi une représentation simple de la morphologie humaine.

85 mm, f/5, 1/4 000 s, 640 ISO, Nikon D800

Dans un portrait

La pratique du portrait n’est pas des plus évidentes lorsqu’il s’agit d’esthétique minimale. Dans une démarche dite « classique », il est admis par exemple que la mise au point (l’endroit où la photo sera nette) doit se faire sur les yeux – en effet, ce sont ces derniers qui décrivent la personnalité d’un individu, ils constituent donc bien souvent le point d’ancrage de ce type de photographie et doivent, à juste titre, être considérés comme essentiels. Cependant, la nature humaine veut qu’inconsciemment nous soyons tous outrageusement attirés par la forme des visages, même lorsqu’ils n’existent pas réellement ; c’est ce qu’on appelle « la paréidolie ». En conséquence, la représentation explicite d’un visage sur un cliché attire l’attention de l’observateur d’une manière très insistante. Il en découle que le personnage incarne la photographie à lui seul. Il devient alors souvent délicat de considérer le cliché comme une représentation d’un style minimaliste.

Nous devons donc trouver des moyens pour focaliser le regard du spectateur sur la forme (la géométrie, pour simplifier) et non sur le fond (la personnalité du sujet). Cela donne un type de « portrait » plus universel, qui ne s’attachera pas à montrer ou décrire quelqu’un en particulier. Les solutions que j’ai trouvées pour cela consistent par exemple à photographier des détails anatomiques, à utiliser le contre-jour ou à profiter d’une lumière très contrastée pour épurer la composition.

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Puisqu’il est admis qu’un portrait doit faire la part belle aux yeux, j’ai décidé d’accentuer cette caractéristique. Cet œil fermé photographié en très gros plan devient un motif géométrique simple, qui s’accorde bien avec une esthétique minimaliste.

150 mm, f/4,2, 1/80 s, 2 000 ISO, Nikon D700

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Une lumière très contrastée peut être avantageusement utilisée pour simplifier un cliché. Ici, un rayon de soleil filtrait à travers la fenêtre ; je l’ai positionné dans le cadre de manière à ce que seule une petite moitié du visage soit éclairée, le reste du corps de cette jeune femme étant plongé dans l’obscurité.

50 mm, f/2, 1/3 200 s, 200 ISO, Nikon D700

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En contre-jour prononcé, le profil d’une personne est réduit à sa plus simple forme : une ligne qui décrit le contour du visage. Notre cerveau étant particulièrement entraîné à repérer toute figure humaine, cela ne lui pose aucun problème d’identification. Ce phénomène permet d’épurer facilement une composition en la rendant plus schématique.

85 mm, f/2, 1/6 400 s, 100 ISO, Nikon D700

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Pour ce cliché, j’ai tenté d’allier une esthétique minimaliste avec un portrait « classique ». S’il n’y avait pas l’enfant, cette photo entrerait dans la catégorie des paysages. Ce genre d’image peut être une piste de réflexion pour obtenir des portraits plus originaux.

35 mm, f/11, 4 s, 100 ISO, Nikon D750

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La discussion reste ouverte concernant le « portrait minimaliste ». Ces deux portraits sont bien plus figuratifs que les précédents, mais on voit qu’on peut obtenir une composition sobre avec un visage bien exposé. Pour le premier, j’ai cadré seulement la moitié du visage de l’homme qui avait les yeux fermés. Ce qui m’a intéressé pour le second, c’est l’aspect répétitif et graphique des cheveux qui volent au vent.

70 mm, f/2,8, 1/320 s, 360 ISO, Nikon D750

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50 mm, f/2,2, 1/8 000 s, 200 ISO, Nikon D700

Street photo version minimaliste

La photographie de rue est une discipline qui a un très grand succès auprès des amateurs et des professionnels, probablement parce que beaucoup des plus grands photographes de l’histoire ont excellé dans cet art. Parmi les plus célèbres, et en dehors de toute considération esthétique minimale, nous pouvons citer Robert Doisneau, Willy Ronis, Henri Cartier Bresson, Elliot Erwitt, Paul Frank, William Klein, ou, plus récemment, Alex Webb, Martin Parr ou Stephen Shore.

La définition générale de cette pratique est assez simple : il s’agit de déambuler dans la rue (ou ailleurs) sans autre but que celui de prendre des photos. La popularité de la photo de rue s’explique donc certainement par la simplicité de sa mise en œuvre, mais aussi par le fait que les photographes se positionnent en témoins de leur époque, sans doute davantage que dans d’autres domaines. Souvent, le travail des artistes n’est d’ailleurs apprécié à sa juste valeur que des années ou dizaines d’années après les prises de vue.

La démarche présentée ici est quelque peu différente de cette acception générale et des artistes susnommés. Car, bien que la méthode reste la même, ma quête dénote substantiellement des sujets habituellement traités en photo de rue (les gens, les scènes cocasses, originales ou drôles). Ce qui m’intéresse le plus souvent, c’est la recherche de motifs et de couleurs qui m’interpellent et qui sont en accord avec des principes esthétiques sobres et harmonieux.

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Dans cette scène, j’ai choisi de mettre l’accent sur les formes géométriques : le cadre de la porte, le phare, le détail des pierres… Le pêcheur habite la composition et la rend plus dynamique.

28 mm, f/4, 1/2 500 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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J’avais repéré ce magnifique mur que l’usure du temps a rendu très graphique. Je me suis posté en face et j’ai attendu que quelqu’un passe pour déclencher.

53 mm, f/2,8, 1/250 s, 1 100 ISO, Nikon Z 6II

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Ce mur métallique a retenu mon attention. La lumière du soir et la couleur du ciel permettaient d’obtenir une belle ambiance. J’ai d’abord pensé que cette scène suffisait à elle-même, mais le résultat ne me plaisait pas, c’était presque trop « facile ». Le passage d’un oiseau l’a magnifiée en opposant le monde artificiel au monde naturel.

35 mm, f/8, 1/200 s, 3200 ISO, Nikon Z 6II

La rue en détail

Au-delà de toute considération technique, prendre des photographies, c’est d’abord poser un cadre. Ainsi, nous pouvons choisir de capturer une scène dans sa globalité (comme en paysage), mais l’exercice est largement aussi captivant lorsqu’il s’agit d’aller dans le détail. Lorsqu’on est à la recherche de quintessence esthétique, il arrive fréquemment que l’on ait envie d’observer les choses de plus près. La rue est un environnement formidable pour cela. En revanche, regarder ce lieu si commun avec un œil nouveau n’est pas aussi aisé qu’il y paraît. Il faut y passer du temps, tenter des cadrages audacieux. Il faut essayer aussi de ne plus regarder le mobilier urbain sous l’angle de la fonctionnalité mais plutôt pour ce qu’il décrit formellement : des lignes, des ronds, des carrés. etc. Le rôle d’un photographe est (entre autres) de montrer que la beauté peut se cacher là où personne ne la cherche.

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Beaucoup d’éléments sont dignes d’être photographiés dans la rue. Pour ce cliché, j’ai été attiré par cette bouche d’incendie. Un vélo arrivait, j’ai attendu qu’il passe à proximité pour déclencher.

40 mm, f/8, 1/250 s, 200 ISO, Nikon Z 6II

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En repérant cette feuille morte posée sur un banc, j’ai tout de suite pensé que cela pouvait faire une image intéressante. Remarquez l’alliance d’une composition épurée avec une répétition du motif.

50 mm, f/5,6, 1/100 s, 200 ISO, Nikon Z 6II

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À mon sens cette image illustre parfaitement ce que peut être la photographie de rue : un agencement de formes géométriques autour d’un plot que seul un photographe pourrait remarquer. Lorsque vous arpentez l’espace urbain, prêtez attention à tous les détails. Une bonne photo peut se cacher à tous les coins de rue.

50 mm, f/10, 1/250 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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En levant les yeux, on rencontre souvent des éléments verticaux (éclairage public, pylônes…). Ils ont l’avantage d’être caractérisés par des motifs géométriques simples qui correspondent bien à l’esthétique minimaliste. De plus, en contre-plongée, le ciel à l’arrière-plan permet d’obtenir facilement des cadrages épurés.

500 mm, f/1,2, 1/1 000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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120 mm, f/5, 1/250 s, 2 200 ISO, Nikon Z 6II

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50 mm, f/1,8, 1/320 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

Les jeux d’ombres et de reflets

Voici une autre piste de recherche à explorer pour la photo de rue : observer l’image projetée d’un objet ou d’un bâtiment – sous forme d’une ombre, d’un reflet dans une vitre ou dans l’eau. Il s’agit là encore de tenter de voir les choses sous un nouvel angle.

Ombres

Faire de la photographie minimaliste en milieu urbain peut sembler simple en raison de la présence de nombreuses formes géométriques que nous pouvons utiliser à volonté dans nos compositions. Il n’en est rien. En effet, la ville fourmille de détails, et lorsqu’on est en quête de sobriété graphique cela peut poser quelques problèmes. Les ombres utilisées pour cacher des parties de l’image peuvent alors être très intéressantes. Une autre façon de les employer est de photographier la projection d’objets sur les murs. Une fois le sujet repéré, il « suffira » de trouver le bon cadrage pour obtenir une image très graphique.

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Ces deux exemples abstraits illustrent une façon d’utiliser les ombres afin de cacher des zones du cadre. Le résultat est très graphique et correspond bien à l’esthétique urbaine.

85 mm, f/8, 1/400 s, 250 ISO, Nikon D750

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40 mm, f/6,3, 1/500 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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L’ombre du mobilier urbain peut donner des images très réussies. Ici, l’angle de la projection du lampadaire sur le sol, puis sur le mur, donne une structure à la composition. Notez que les ombres à gauche et en bas participent grandement à la réussite de l’ensemble.

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/500 s, 100 ISO, Fuji X100S

Reflets

Photographier la « rue » à travers des reflets peut aussi permettre de simplifier le rendu d’une scène. À cette fin, tout objet réfléchissant peut être adéquat : une flaque d’eau, une vitrine, un objet métallique… L’idée dominante est que le reflet aura tendance à déformer l’image pour offrir une autre réalité. De plus, à l’instar d’une ombre, cela peut permettre de masquer certaines zones du cadre pour mieux correspondre au style minimaliste.

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Ce cliché peut sembler sortir un peu du thème de la street photo, il a pourtant été pris lors d’une balade en ville. Le port de cette agglomération littorale comportait de nombreux bateaux. Plutôt que de les photographier frontalement, j’ai privilégié le reflet des mâts des embarcations. Avec les ondulations de l’eau et le miroitement du soleil, cela donne un visuel très graphique.

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Dans ces deux exemples, l’utilisation d’une flaque a été salutaire. Si j’avais photographié ces scènes de manière classique, la multitude de motifs n’aurait pas permis le minimalisme. En capturant une image dans un reflet, on peut se servir du sol comme espace négatif, seul le sujet, souvent déformé, est mis en valeur.

40 mm, f/13, 1/200 s, 800 ISO, Nikon Z 6II

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85 mm, f/1,8, 1/800 s, 100 ISO, Nikon D800

Perspectives

La perspective est utilisée en photographie dans plusieurs buts. D’abord pour permettre de restituer fictivement la troisième dimension dans une image qui, par définition, n’en contient pas, ensuite pour guider le regard du spectateur vers l’endroit que l’on souhaite mettre en valeur.

Une perspective est généralement définie par un motif qui prend la forme d’une ou de plusieurs ligne(s). Le plus souvent, il s’agit des bords d’une route ou d’un chemin, mais il faut garder à l’esprit que n’importe quelle droite ou courbe permettant de restituer de la profondeur donne une « perspective ». Si vous êtes un photographe aguerri, vous savez sans doute utiliser ce type d’élément à bon escient. Je vous propose ici de considérer différemment cette notion et d’en faire l’élément principal et parfois unique d’un cliché.

En traitant la perspective comme un sujet, on invite le spectateur à entrer dans l’image. Cette méthode produit des visuels symboliquement forts et stylisés. Il est parfois important de s’imposer une recherche sur les possibilités que permet ce genre de thème (je parle ici de perspective, mais vous êtes libre de vous pencher sur un autre sujet). C’est grâce à ce type d’investigation que vous entamerez une véritable recherche artistique.

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Ces deux exemples sont sans doute les plus représentatifs de ce qu’il est possible de faire lorsqu’on traite la perspective comme sujet principal.

24 mm, f/11, 10 s, 32 ISO, Nikon D810

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24 mm, f/4, 1/2 000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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La perspective se matérialise un peu différemment ici, par l’intermédiaire de l’enfilade des poteaux. Une fois de plus, la pose longue permet de gommer avantageusement les reliefs de l’étendue d’eau.

28 mm, f/8, 10 s, 50 ISO, Nikon D750

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J’ai pris ce cliché depuis ma voiture lors d’un trajet au petit matin. Le contre-jour m’a permis de mettre en évidence la perspective de la route tout en atténuant les détails de la végétation. Le soleil tient aussi une bonne place dans la composition.

23 mm (équ. 35 m), f/8, 1/900 s, 200 ISO, Fuji X100F

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Ce cliché propose exactement la même idée que l’image précédente, mais en y ajoutant un effet de filé généré par un temps de pose de 0,8 s. Avec la vitesse de ma voiture en mouvement, ce laps de temps a suffi pour obtenir cet effet.

50 mm, f/10, 0,8 s, 50 ISO, Nikon D800

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Cette photo me permet de montrer que des lignes courbes peuvent aussi être utilisées pour traiter une perspective comme sujet.

32 mm, f/9, 1/125 s, 250 ISO, Nikon Z 6II

Voir le monde à plat

On l’a dit, en photographie dite « classique » il est conseillé d’utiliser certains procédés afin de restituer la troisième dimension. Il peut s’agir d’utiliser des lignes obliques comme nous l’avons vu, mais multiplier les plans peut aussi être une bonne méthode. Dans un esprit minimaliste, prenons-en une fois encore le contre-pied : l’idée est de photographier des scènes pour lesquelles il faudrait normalement restituer de la perspective de manière totalement inversée. Les paysages sont des exemples parfaits pour tenter l’exercice. Dans ce genre en effet, les images pour lesquelles il n’y aurait pas assez de perspective seraient la plupart du temps considérées comme « ratées » en raison de ce seul critère. Le but de l’exercice sera de retirer le plus possible l’impression de profondeur afin de générer un rendu à plat. Ce type de visuel peut aussi être utilisé avec succès dans d’autres genres : en gros plan, en photographie d’architecture, en photo de rue.

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Ces deux clichés ont beaucoup de points communs. J’ai traité ces paysages de manière à ce qu’aucune notion de perspective ne transparaisse.

70 mm, f/5,6, 1/1 000 s, 100 ISO, Nikon D750

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150 mm, f/8, 1/640 s, 500 ISO, Nikon D750

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Pour cette photographie, plusieurs motifs sont représentés : un lac, des rochers, le ciel et un nuage. La manière dont je les ai répartis dans le cadre et l’ambiance nocturne m’ont permis d’enlever la troisième dimension. Il ne subsiste que des aplats sans relief.

15 mm, f/4, 10 s, 320 ISO, Nikon D810

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Ce paysage est réduit à sa plus simple expression graphique : deux arbres poussant sur un sol à peine visible en bas du cadre. Tout le reste est occupé par le brouillard, qui a permis de simplifier encore plus la composition.

150 mm, f/5,6, 1/640 s, 100 ISO, Nikon D750

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On pourrait penser que les diagonales peuvent ici restituer la profondeur, mais il n’en est rien. Ce manque est dû à l’absence de ligne d’horizon et à l’angle que forme le sol. Ce dernier apporte une ambiguïté.

28 mm, f/16, 1/2 s, 50 ISO, Nikon D800

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Sur la promenade des Anglais à Nice, nombreux sont ceux qui profitent des chaises mises à disposition pour se reposer et profiter de la vue. Ce sujet a été traité par beaucoup de photographes. Mon goût pour le minimalisme m’a conduit à ne pas faire apparaître la mer dans le cadre (ou presque) : j’ai positionné les badauds sur une ligne au centre de l’image en laissant une bonne place au sol et au ciel.

35 mm, f/1,8, 1/4 000 s, 50 ISO, Nikon D750

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Ce cliché est particulièrement parlant dans le cadre de notre sujet. Des oiseaux grands cormorans sont posés au bout d’une jetée ; les diagonales pourraient induire une perspective, mais il n’en est rien, la symétrie parfaite permet de percevoir les choses différemment. Le ponton devient une colline en haut de laquelle trônent les oiseaux. Les perspectives sont aplaties.

24 mm, f/8, 1/250 s, 50 ISO, Nikon Z 6II

Cas particulier : depuis le ciel

Le drone est devenu un outil performant et de plus en plus accessible pour les photographes. Pouvoir disposer d’un appareil photo volant présente de nombreux intérêts, cela permet, par exemple, d’observer une scène dans sa globalité. Les images vues du ciel sont une plus-value indéniable lors d’un reportage photographique professionnel notamment. Je me suis mis à l’utiliser de plus en plus dans le cadre d’un travail artistique personnel. Ce qui m’intéresse le plus, c’est le point de vue strictement zénithal, qui a pour effet principal d’écraser les perspectives. La plupart du temps, cela pourrait sembler être un inconvénient, mais lorsqu’on est en quête de composition minimaliste, c’est un avantage considérable. Ainsi, si vous avez la chance de pouvoir utiliser ce type d’appareil, je vous conseille de rechercher les formes géométriques ou plus généralement les motifs qui donneront les images les plus graphiques.

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Dans ma région, comme dans beaucoup de régions françaises, le paysage est marqué par la présence de nombreuses vignes. Elles sont alignées afin de faciliter leur entretien et la récolte des raisins. Depuis le ciel, ces parcelles sont des sujets très graphiques. Pour composer ces images, la présence d’arbres isolés a servi à rompre la répétition des lignes.

8 mm (équ. 28 mm), f/2,8, 1/1 000 s, 110 ISO, DJI Air 2S

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8 mm (équ. 28 mm), f/2,8, 1/500 s, 100 ISO, DJI Air 2S

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Ce genre de cliché est relativement simple à reproduire : il suffit de trouver une vaste zone où la texture du sol est uniforme et de demander à quelqu’un de s’y allonger. Il ne reste plus qu’à s’envoler et prendre un cliché.

8 mm (équ. 28 mm), f/2,8, 1/15 s, 110 ISO, DJI Air 2S

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J’ai choisi ici de mettre en avant l’ombre portée d’un cycliste. Cette projection permet de bien restituer les silhouettes.

8 mm (équ. 28 mm), f/2,8, 1/160 s, 800 ISO, DJI Air 2S

Abstraction

Nous avons déjà succinctement abordé la question de l’abstraction (voir le chapitre 2). Je souhaite vous présenter ici d’autres exemples, pour que vous puissiez apprécier un peu plus ce qu’il est possible de faire dans ce domaine.

Lorsqu’on cherche à simplifier au maximum l’expression photographique, on arrive à un point à partir duquel il n’est plus si évident de distinguer la véritable nature de ce qui se trouve sur l’image. Je me permets de vous rappeler que ce résultat doit être volontaire et résulter d’un processus créatif délibéré pour être réussi.

Ce qui rend les choses fastidieuses en photographie, c’est que nous sommes soumis à la représentation visuelle du monde : nous ne pouvons pas, à la manière d’un peintre, inventer des motifs à notre guise et les arranger pour qu’ils produisent l’effet souhaité. C’est là que réside toute la difficulté de ce type d’exercice et c’est probablement pour cette raison que les photographes utilisent régulièrement le flou pour créer des clichés abstraits. Nous allons voir cependant que cette méthode n’est pas la seule qui permette d’arriver à notre but et qu’une image parfaitement nette peut aussi induire une abstraction forte.

Le flou

La méthode simple pour produire une photo floue est de décaler la mise au point (l’endroit où se fait la netteté) vers une zone où ne se trouve aucun objet. Plus cette zone « fictive » sera éloignée des autres objets, plus le flou sera prononcé. Attention donc à ne pas trop en faire, car plus aucune forme ne serait visible. On peut également obtenir un effet semblable en utilisant une faible vitesse d’obturation et en déplaçant l’appareil photo pendant le temps de pose de manière à ce qu’aucun motif ne soit net dans le cadre.

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Cette vue des rayons du soleil représente la manière la plus classique d’obtenir une photo floue. Je voulais utiliser un défaut optique de l’objectif pour générer un flare. Avec mon appareil (le Fuji X100F), il se traduit par des cercles de lumière concentriques.

23 mm (équ. 35 mm), f/2, 1/1 000 s, 200 ISO, Fuji X100F

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J’ai pris cette photo depuis la fenêtre d’un TGV en mouvement : le flou a cette fois été généré grâce à un effet de filé. Malgré une vitesse d’obturation élevée (1/100 s), j’ai obtenu un flou de bougé.

50 mm, f/10, 1/100 s, 7200 ISO, Nikon D750

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Je ne saurais dire si cette image est nette ou floue, sans doute un peu des deux… La prise de vue a été réalisée à travers un cristal possédant de nombreuses facettes. Ce visuel est marqué par la répétition d’un seul motif : un poteau et les fils électriques qui y sont accrochés.

24 mm, f/2,8, 1/2 500 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

Le net

Produire une photographie abstraite tout en présentant des motifs nets est sans doute plus compliqué. À cet égard, je pense que le plan rapproché, ou de détail, peut grandement faciliter les choses, car plus vous aurez tendance à photographier une scène dans son ensemble, plus les objets seront visibles et identifiables pour ce qu’ils sont et non pour leurs formes ou leurs couleurs ; obtenir une abstraction est ainsi beaucoup moins accessible. La lumière peut également être une alliée dans cette entreprise. Elle peut offrir des ambiances très contrastées ou permettre de jouer sur des textures, par exemple.

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Photographier un reflet dans l’eau est un procédé assez connu mais qui peut s’avérer efficace dans son esthétisme. Cette vue représente les mâts de plusieurs voiliers ; il n’y a aucun flou, l’image est parfaitement nette.

50 mm, f/10, 1/250 s, 400 ISO, Nikon D750

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Les photographes ne peuvent pas imaginer des motifs comme pourrait le faire un peintre, il leur faut observer le monde et poser le cadre au bon endroit pour retranscrire une autre réalité. J’ai choisi de cadrer cette scène en raison de sa structure géométrique. On perçoit quelques motifs (le mur, le panneau de signalisation…), mais ils sont montrés pour leur forme, pas pour leur signification primaire.

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/100 s, 320 ISO, Fuji X100F

À travers la vitre

Prendre des photos à travers une vitre ou un voile est un procédé largement utilisé dans le monde de la photographie. Todd Hido ou Saul Leiter sont des maîtres en la matière. Je vous invite vivement à aller observer leur travail et de vous en inspirer pour réaliser cet exercice.

Cette méthode est utile à plus d’un titre pour créer un cliché minimaliste. Elle permet en premier lieu de générer des effets de distorsion ou de lumière filtrée. Déformer ainsi la réalité peut donc être avantageux lorsqu’on souhaite gommer les détails qui ne nous intéressent pas. Elle induit également une distance entre l’artiste et son sujet qui, employée à bon escient, engendre de belles opportunités créatives. Souvent, en raison de l’opacité de la vitre ou de la présence de gouttes (par exemple), la scène s’en trouve schématisée.

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Sur cette première illustration, l’effet est léger. J’étais sur un bateau à observer le coucher du soleil derrière une vitre salie par les embruns : seul un voile assez doux atténue les détails du paysage.

62 mm, f/4, 1/2 000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Plutôt que de faire la mise au point sur le sujet, j’ai choisi ici les gouttes d’eau qui constellaient la vitre de ma voiture.

70 mm, f/13, 1/80 s, 2 000 ISO, Nikon Z 6II

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Le principe est le même que pour la photo précédente : on ne perçoit plus que les formes des véhicules.

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/110 s, 400 ISO, Fuji X100S

Couleurs

Certains auteurs ont fait de la couleur le sujet de leur travail photographique. Pour ne citer que ceux dont j’apprécie particulièrement les œuvres, il s’agit par exemple de Ernst Haas, William Eggleston ou Harry Gruyaert. Bien qu’ils aient employé le vocabulaire minimaliste de manière ponctuelle, cette façon de voir le monde ne fait probablement pas partie de leur préoccupation première.

Pour ce qui nous concerne dans cet ouvrage, aborder ce thème avec une dialectique simple demande de regarder différemment. L’idée est de considérer l’environnement sous forme d’aplats de couleur afin de combiner des associations pertinentes, et ensuite de tenter de structurer la composition avec sobriété. Lorsqu’on pratique ce type de photographie, il faut veiller à ce que le spectateur puisse accepter facilement que l’image qu’il regarde soit comprise comme étant un assemblage de couleurs et non pour ce qu’elle représente formellement. Cet exercice particulièrement créatif permet de s’ouvrir progressivement à de nouveaux horizons photographiques.

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Ces deux clichés sont assez similaires en matière de composition : le premier plan est marqué par une couleur chaude qui tranche singulièrement avec l’arrière-plan. Au-delà des motifs, c’est la répartition des teintes qui fait la réussite de ces images.

30 mm, f/4, 1/640 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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50 mm, f/1,8, 1/6400 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Le coucher du soleil offre souvent un spectacle grandiose en matière de couleurs. Ce jour-là, le crépuscule était particulièrement esthétique, avec des traces que laissent les avions dans leur sillon.

35 mm, f/4, 1/80 s, 200 ISO, Nikon Z 6II

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Le cadre entier est ici couvert d’une même couleur. Il s’agit d’un détail d’un abri pour caddies de supermarché. Grâce au gros plan, le spectateur comprend immédiatement que le sujet principal est la couleur.

60 mm, f/8, 1/250 s, 100 ISO, Nikon D750

Architecture

L’architecture fut probablement le domaine artistique qui a le plus influencé « l’art minimal » tel qu’il était envisagé au départ.

Pratiquer la photographie d’architecture ne veut pas forcément dire se rendre vers les monuments les plus remarquables des temps modernes ou passés : à chaque fois que vous photographiez un bâtiment, le plus quelconque soit-il, vous pratiquez cette discipline. C’est d’ailleurs souvent dans une volonté de chercher à mettre en lumière les édifices les plus humbles que je pratique la photographie d’architecture. Je l’ai dit, j’aime montrer ce qui semble anodin aux yeux du plus grand nombre. En montrant les angles des bâtiments et des façades, les formes répétitives que les architectes ont inventées, notre mission est de pointer notre objectif au bon endroit pour produire des clichés au style minimaliste.

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Mon goût personnel en photo d’architecture est de jouer avec la lumière et les ombres générées par les angles des bâtiments. La réussite de cette image repose sur le fait que l’ombre à droite a un angle identique à la perspective du toit.

47 mm, f/10, 1/640 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Ces photos sont très semblables dans leur sobriété. Les reliefs des bâtiments sont uniquement marqués par la différence d’éclairage entre les faces.

50 mm, f/10, 1/1000 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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50 mm, f/8, 1/2500 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Une corniche de bâtiment ornée d’un néon peut devenir un sujet de choix. En architecture, je vous suggère d’être attentif au moindre détail.

95 mm, f/4, 1/400 s, 5 000 ISO, Nikon Z 6II

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Ce cliché est pour moi une sorte d’idéal, j’ai longtemps rêvé de pouvoir réaliser une image comme celle-ci. Lorsque j’ai vu cette scène au détour d’une ruelle crétoise, j’ai su que la photo serait belle. La répartition entre les zones d’ombre et de lumière, les angles, les couleurs, tout est « parfait ».

70 mm, f/10, 1/640 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

Aurore et crépuscule

Quoi de plus naturel pour un photographe que de s’intéresser à la lumière ? C’est quand elle devient palpable, quand je peux l’observer et la prendre en photo que je suis le plus fasciné. Il me semble que les moments de la journée les plus propices sont alors l’aurore et le crépuscule : lorsque le soleil est bas sur l’horizon, la lumière se fait rasante et dévoile délicatement et de manière nuancée les formes de la beauté du monde.

Ces heures permettent aussi d’obtenir des ambiances très favorables à la création de photos minimalistes. La clarté étant moins intense au lever et au coucher du soleil, les détails sont moins présents, cela donne une occasion incomparable de capter l’environnement sans superflu.

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Au lever du soleil, la lumière rasante permet d’obtenir des effets graphiques très élégants. La composition est basée sur cet oiseau qui se pose sur un lac. Il apparaît en petite taille dans le cadre, pourtant il dynamise magnifiquement l’image.

300 mm, f/8, 1/640 s, 125 ISO, Nikon D800

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Un autre exemple de photographie prise à l’aurore. La lumière du soleil, déjà faible, est de plus filtrée par la brume.

23 mm (équ. 35), f/8, 1/450 s, 200 ISO, Fuji X100F

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Quoi de plus magique qu’un coucher de soleil sur la mer ? À ce moment de la journée, l’ambiance est toujours féerique et permet de sublimer tous les sujets.

50 mm, f/1,8, 1/160 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Le soleil déclinait fortement lorsque j’ai réalisé ces deux prises de vue, qui montrent que l’ambiance lumineuse est primordiale en photographie. En milieu de journée, le résultat serait totalement différent et moins digne d’intérêt.

28 mm, f/8, 5 s, 200 ISO, Nikon D800

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28 mm, f/11, 1/20 s, 50 ISO, Nikon D750

Nuit et contre-jour

J’ai choisi de traiter ces deux thèmes ensemble, car ils ont des points communs esthétiques. En effet, lorsque la luminosité ambiante vient à baisser, comme c’est le cas la nuit, l’appareil photo a beaucoup de difficultés à capturer les détails des scènes photographiées, et en situation de contre-jour, la lumière provenant de l’arrière-plan, les objets entre la source lumineuse et le photographe apparaissent donc inévitablement sous forme de masses sombres. Cette schématisation naturelle pourrait devenir embarrassante pour qui pratique une forme de photographie « classique », mais pour ceux qui sont à la recherche de sobriété graphique, c’est une aubaine.

La nuit

Pour photographier des ambiances nocturnes, il faut penser à prendre un trépied, l’un des moyens les plus simples pour parer au manque de lumière : on stabilise l’appareil photo et on allonge le temps de pose. En opérant ainsi lorsque la lune est pleine et illumine suffisamment, on peut obtenir des clichés bien exposés.

Si l’on souhaite se passer d’un support stable, il faut au contraire choisir des vitesses d’obturation assez élevées pour pouvoir photographier à main levée. En conséquence, on devra ouvrir le diaphragme et/ou augmenter la sensibilité du capteur (valeur ISO). Une optique ou un capteur stabilisé aide aussi à obtenir de bons résultats. Dans ce cas, et pour les situations pour lesquelles la lumière se fait timide (ce qui nous contraint parfois à utiliser un temps de pose de plusieurs minutes), il ne faut pas avoir peur de produire des clichés aux ambiances sombres.

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Cette vue aurait pu être qualifiée de « classique » si je l’avais prise en pleine journée. Le manque de lumière au moment de ce « lever de lune » plonge les détails du paysage dans l’obscurité, offrant un cliché plus graphique. Le temps de pose étant de 30 s, je n’aurais pas pu travailler sans trépied.

15 mm, f/10, 30 s, 1 250 ISO, Nikon D810

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À l’heure à laquelle j’ai photographié cette scène, la nuit n’était pas encore totalement noire. L’obscurité schématise avantageusement les paysages, et ce cliché en est une parfaite illustration.

28 mm, f/13, 15 s, 100 ISO, Nikon D800

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Le thème du ponton, si cher à la photographie minimaliste, peut lui aussi être exploré en pleine nuit.

24 mm, f/8, 10 s, 6 400 ISO, Nikon Z 6II

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Sans trépied, j’ai dû augmenter la sensibilité du capteur à une valeur très élevée pour prendre ce cliché. Cela a généré un bruit numérique important. Je n’ai pas souhaité l’enlever, je trouve qu’il participe à la réussite de l’image.

50 mm, f/13, 1/200 s, 20 000 ISO, Nikon D750

Le contre-jour

Pour obtenir un contre-jour, une solution simple consiste à se positionner face au soleil. Attendez toutefois que la lumière soit moins forte afin de ne pas causer des dommages irréversibles à vos yeux. Vous pouvez aussi placer un élément lumineux en arrière-plan, mais pas la source de lumière elle-même : cela aura pour effet de produire des contre-jours moins tranchés, avec une ambiance moins agressive. Pour les photographes minimalistes, l’utilisation du contre-jour est une méthode très efficace.

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Exemple d’un contre-jour généré en faisant face au soleil. Cette composition s’appuie sur la répétition du motif, vous l’aurez sans doute compris.

70 mm, f/2,8, 1/6 40 s, 100 ISO, Nikon D750

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Le même principe est appliqué ici, la lumière du soleil se reflète dans l’eau d’un lac.

45 mm, f/9, 1/320 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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En visitant le musée Picasso, à Antibes, j’ai été attiré par les fenêtres donnant sur la mer. Un voile était placé devant pour atténuer la lumière. Cet ensemble (contre-jour + voile) m’a permis de produire des clichés qui me plaisent particulièrement.

40 mm, f/5,6, 1/100 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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40 mm, f/5,6, 1/80 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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Ce contre-jour est un peu moins marqué. Il m’a néanmoins permis de rendre les structures de conchyliculture très graphiques. Le rythme répétitif est contrebalancé par la présence d’un oiseau (aigrette) et de quatre poteaux disposés à l’oblique.

85 mm, f/8, 1/160 s, 50 ISO, Nikon D750

Dans la brume

La brume et le brouillard sont des phénomènes météorologiques liés à la condensation de l’eau (de fines gouttelettes sont maintenues en suspension près du sol). Ils se forment lorsque le taux d’humidité de l’air est suffisamment élevé. On pourrait penser a priori que les photographes détestent ce genre de phénomène qui obstrue complètement leur visibilité : cela est peut-être majoritairement vrai, mais pour ma part j’ai tendance à rechercher ce type de conditions climatiques. La brume m’offre un voile blanc assez dense qui avantage ma recherche de photographie épurée. Comme le ferait la fumée, elle permet en outre de générer des ambiances naturellement mystérieuses et subjectives.

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J’affectionne spécialement ce type d’image où le voile de brume induit une atmosphère énigmatique. Si j’avais pris la même vue par beau temps, tous les poteaux de cette ligne auraient été visibles, ainsi que les détails du champ et de l’arrière-plan – nous aurions été loin du style simple recherché.

150 mm, f/2,8, 1/1 250 s, 100 ISO Nikon D750

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Cet arbre avait été brûlé lors d’un incendie quelques années auparavant. Une brume matinale m’a servi à générer une ambiance mystérieuse qui pourrait aussi rappeler celle d’un incendie.

300 mm, f/4, 1/640 s, 125 ISO, Nikon D750

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Ce paysage en léger contre-jour est sublimé par la brume.

150 mm, f/2,8, 1/160 s, 4500 ISO, Nikon D750

Dans la nature

Le milieu naturel est un terrain de jeu inépuisable, on y retrouve en effet une diversité de forme sans égale. Outre le thème du paysage orienté « nature », que nous avons déjà abordé, les sujets sont très nombreux. Les vies animales et végétales sont sans aucun doute des sources d’inspiration infinies et particulièrement adaptées au style minimaliste.

Les gros plans

La photographie de nature en gros plan est un domaine qui me passionne au plus haut point. La proximité du moindre mètre carré de nature est la promesse de découvertes remarquables, et cela est captivant.

Pour produire des images dépouillées, cette discipline rend les choses encore plus faciles : on l’a dit, plus on utilise le gros plan, plus la profondeur de champ sera réduite (je rappelle qu’il s’agit de la zone de netteté). En photographiant la nature en détail, on dispose donc inévitablement de flous d’avant-plan et d’arrière-plan, ce qui aide grandement à détacher le sujet de son environnement, on peut obtenir des cadrages épurés sans trop d’efforts. La nature offre aussi beaucoup d’opportunités en ce qui concerne la multiplication des motifs ; plus qu’ailleurs, les formes se répètent, aussi bien dans le monde animal que végétal (voir plus loin la section : « Une série minimaliste »).

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Je me suis servi des herbes sur lesquelles se promenait cette petite araignée saltique pour donner une structure à cette image. Les couleurs vives de l’animal tranchent avec le fond où dominent les verts et les bleus.

150 mm, f/14, 1/1 000 s, 25 600 ISO, Nikon Z 6II

GROS PLAN, MACRO ET PROXIPHOTOGRAPHIE

En photographie le gros plan se définit par le grandissement. Lorsque le sujet est représenté à taille réelle (ou deux fois plus grand, ou trois fois plus grand…) sur le capteur, on entre dans l’univers de la macrophotographie. Lorsqu’il est moindre, c’est-à-dire deux fois moins grand, trois fois moins grand (jusqu’à dix fois moins grand), on parle de proxiphotographie. Au-delà de ce rapport de grandissement, on est dans le domaine de la photo dite « classique ».

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Le rapport de grandissement (le gros plan) est un peu moins important ici. Notez l’utilisation du flou au premier plan.

300 mm, f/4, 1/1 250 s, 800 ISO, Nikon D810

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J’ai réussi à faire la mise au point sur l’extrémité des tentacules oculaires (les yeux) de ce petit escargot qui se promenait au bout d’une épine d’agave.

150 mm, f/3,5, 1/640 s, 2 800 ISO, Nikon Z 6II

Les oiseaux

Je ne suis pas spécialisé en photographie animalière, je serai donc incapable de présenter un échantillon représentatif de la faune d’Europe tempérée. En revanche, il m’arrive comme tout le monde de croiser la route d’oiseaux suffisamment dociles pour se prêter au jeu de la photographie. Je ne cherche pas forcément à obtenir l’image la plus détaillée possible, comme le ferait un naturaliste, ma volonté est plutôt de donner une bonne place à son environnement et/ou de créer des clichés simples et percutants.

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Pélican vu de dos en plein vol. Ce cadrage m’a permis d’utiliser la diagonale des ailes pour créer une image symétrique, mais restant dynamique.

300 mm, f/8, 1/1 250 s, 400 ISO, Nikon D300

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Les fils électriques sur lesquels les oiseaux se posent sont des motifs très graphiques que nous pouvons utiliser pour nos compositions. Ce type de scène est partout autour de nous. Ouvrons l’œil !

420 mm, f/5,6, 1/2 500 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

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300 mm, f/4, 1/320 s, 200 ISO, Nikon D700

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Cette image d’un martin-pêcheur posé sur une branche me rappelle les estampes de l’art asiatique et de la calligraphie.

300 mm, f/4, 1/320 s, 800 ISO, Nikon D750

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On peut rencontrer cette poule d’eau (Gallinula chloropus) sur presque tous les plans d’eau de l’hexagone. À mon approche, elle s’est rapidement envolée ; j’ai déclenché juste avant son amerrissage.

200 mm, f/5,6, 1/1 250 s, 400 ISO, Nikon D300

Des arbres, des branches, des brindilles

La forme des arbres et des arbustes a toujours retenu mon attention, tout particulièrement à la saison froide, lorsque les ramures se dénudent et laissent apparaître le squelette de ces nobles organismes. Les arbres croissent selon un modèle de fractale (dite « approximative »), c’est-à-dire que la même morphologie se répète plusieurs fois en partant du grand vers le petit. Pour être plus clair, le schéma du tronc et des branches est repris par d’autres branches sur lesquelles poussent des branchages plus petits, etc. Ces formes se répètent donc à différentes échelles. Cette représentation à la fois simple et complexe correspond bien au concept de photographie minimaliste. Cette simplicité graphique se retrouve aussi à plus petite échelle, lorsqu’on observe des brindilles ou des graminées, par exemple.

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L’hiver, en perdant leurs feuilles, les arbres dévoilent leur structure. Pour cette vue de chêne, un contre-jour franc m’a permis d’obtenir une image dépouillée.

50 mm, f/1,4, 1/4 000 s, 50 ISO, Nikon D750

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Grâce à leur forme linéaire, les herbes et les graminées offrent aussi de grandes possibilités créatives.

150 mm, f/3,5, 1/640 s, 250 ISO, Nikon D800

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200 mm, f/5,6, 1/1 250 s, 400 ISO, Nikon D300

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Je souhaitais finir cette section dédiée à la nature par une photographie apaisante et poétique. Il s’agit d’une tige, cette fois réduite à sa plus simple expression et serpentant vers la lumière.

150 mm, f/4, 1/400 s, 100 ISO, Nikon D800

Une série minimaliste

Si vous tenez ce livre entre vos mains, c’est que vous êtes passionné par la photographie et que vous avez envie de progresser ou de trouver votre style, votre singularité. Il me semble que pour arriver à se démarquer des autres et acquérir sa propre identité visuelle, un bon moyen consiste à s’imposer un thème et à le traiter sous la forme d’une série de photos. Il peut s’agir d’un type de paysage, d’objets, d’un sport, d’une espèce végétale… Les possibilités sont infinies. Réfléchissez au sujet qui vous attire le plus et tentez de vous y consacrer davantage encore. Une fois cette première étape franchie, je vous propose une méthode pour exacerber votre créativité (elle fonctionne pour une série de clichés, mais elle est aussi valable pour réaliser une seule photographie).

La première chose à faire est de définir un discours. Si vous avez choisi pour thème la tour Eiffel, par exemple, il vous faudra préciser ce que vous voulez exprimer : mettre en avant sa taille ? La haute technicité avec laquelle elle a été construite ? Le symbole qu’elle représente ? La fascination qu’elle exerce sur la plupart des gens ? Etc. Vous comprendrez aisément qu’en optant pour l’une ou l’autre de ces alternatives, les clichés que vous allez produire ne seront pas les mêmes ; ils exprimeront des idées et susciteront des émotions différentes chez le spectateur.

Dans un deuxième temps, il sera pertinent de déterminer des « partis pris », des critères arbitraires que vous allez fixer et qui vont définir votre identité. Par exemple, choisir de n’utiliser que le format carré, de ne travailler qu’avec le même objectif, qu’à pleine ouverture, de ne faire que des images floues… De prime abord cela peut vous sembler étrange, mais vous vous rendrez peut-être compte que s’imposer des contraintes permet de booster la créativité. Cela met à l’épreuve notre capacité d’adaptation. Ce point est important, car ce sont ces choix qui vous feront vous démarquer par rapport aux autres.

Il s’agira enfin de rester ouvert et de ne pas hésiter à vous remettre en question. Au fil de vos sorties, vous trouverez certainement des moyens de faire évoluer votre méthode de travail ; vous penserez beaucoup à votre thème et vous découvrirez probablement d’autres perspectives. Soyez à l’écoute de vos inspirations et surtout soyez audacieux, tentez des choses nouvelles !

Avec deux photos

Une série commence à partir de deux photos traitant du même thème. Choisir de débuter avec des séries comportant peu de clichés est un très bon exercice pour se familiariser avec ce principe. Prenez quelques photos représentatives d’une idée commune, vous pourrez toujours compléter la série plus tard.

Ici, le discours est très simple. Il s’agit à la fois de dénoncer la société de consommation et la pollution qu’elle engendre.

Cela fait quelques années que je prends en photo des objets aplatis comme ceux-ci. Si je ne vous présente que ces deux-là, c’est qu’ils ont un point commun très évident : la malbouffe. Pour cette première « série », les compositions sont centrées et les cadres sont verticaux. Au-delà des symboles qu’ils représentent, les objets sont donc écrasés. Cet ensemble de critères donne une uniformité esthétique. Cette dernière permet d’appuyer le discours que je veux faire passer et renvoie à la standardisation inhérente à la société de consommation.

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50 mm, f/5,6, 1/250 s, 450 ISO, Nikon Z 6II

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50 mm, f/5,6, 1/200 s, 2200 ISO, Nikon Z 6II

Les formes de la nature

Comme je l’ai déjà évoqué précédemment, lorsqu’on observe la nature, on rencontre souvent des formes qui se répètent. C’est valable pour les animaux, les végétaux et les minéraux. Ainsi, depuis quelques années, c’est un sujet que j’aime traiter lorsque j’en ai l’occasion.

Avec cette série, mon discours est de montrer que notre environnement est « construit » de manière répétitive. En tant que photographe, cette caractéristique m’interpelle.

Le premier parti pris pour lequel j’ai opté a été de remplir le cadre entièrement – ce critère esthétique semble évident pour un tel sujet ; ainsi, pour chaque cliché, les formes photographiées doivent se répéter d’un bout à l’autre du cadre. Il m’a donc fallu obtenir le plus de netteté possible, et en gros plan, cela n’a pas toujours été évident. Pour accentuer l’idée de répétition, j’ai choisi une orientation de cadre toujours identique : le format horizontal.

J’ai dû accepter que cette série se complète sur le long terme. En effet, je n’ai pas l’occasion de traiter ce type de sujet à chaque sortie photo. Cette série est donc en cours et le sera probablement pour un très long moment. Au départ, j’avais l’idée de ne produire que des sujets en gros plan, je pensais que c’était ce qu’il y avait de plus pertinent, mais au fil du temps, j’ai je me suis mis à voir des formes répétitives chez des sujets plus grands, je les ai donc intégrés à la série.

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Gouttes d’eau en suspension

150 mm, f/3,5, 1/3 200 s, 640 ISO, Nikon D800

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Écume de mer

150 mm, f/6,3, 1/250 s, 800 ISO, Nikon D800

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Glace

150 mm, f/20, 1/640 s, 500 ISO, Nikon D750

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Fentes de dessiccation

28 mm, f/8, 1/160 s, 50 ISO, Nikon D750

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Mousse végétale

150 mm, f/16, 1/160 s, 1 400 ISO, Nikon Z 6II

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Fourmilière

150 mm, f/11, 1/800 s, 6 400 ISO, Nikon D810

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Papillons monarques en vol

210 mm, f/5,3, 1/8 000 s, 800 ISO, Nikon D300

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Poissons (sars) en Méditerranée

53 mm, f/8, 1/250 s, 200 ISO, Nikon Z 6II

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Méduses

24 mm, f/4, 1/160 s, 3 200 ISO, Nikon Z 6II

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Détails d’une cascade

17 mm, f/13, 3 s, 100 ISO, Nikon D300

Angles

Cette autre série est consacrée aux détails architecturaux. J’ai en effet souvent été intrigué par la manière dont nos bâtiments pouvaient être représentés à travers le cadre photographique.

Mon idée était de prendre les angles comme sujet. En opposition avec l’environnement naturel où les structures sont toutes en rondeur, le monde artificiel est très souvent caractérisé par des ruptures très marquées.

Le premier parti pris pour lequel j’ai opté a été d’aplatir les perspectives. Nous avons vu dans la section « Voir le monde à plat », plus haut dans ce chapitre, que cette méthode consiste à traiter un sujet de manière à ce que la profondeur de l’image soit difficilement perceptible. Je savais que cela fonctionnerait très bien pour ce thème, cependant, lorsque j’ai commencé à mettre ces principes en application, j’ai rencontré une difficulté : le manque de contraste. En effet, les édifices (maisons, immeubles, bâtiments publics…) manquent souvent singulièrement de couleurs dans nos régions. Telle qu’elle, la série n’était pas intéressante. Mon attention s’est alors uniquement portée sur les constructions les plus colorées. Et je n’ai pas opté pour un format de cadre redondant (il n’y a pas d’obligation à le faire).

Pour qu’une image intègre cette série, il faut que je lui trouve une géométrie particulière. Les formes doivent avoir un équilibre pertinent dans le cadre – ce dernier critère est un peu subjectif, mais il permet de montrer que vous êtes seul juge de la manière dont vous souhaitez construire votre série. De nombreuses images n’ont pas passé cette sélection.

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Pour ce cliché, l’ombre portée marque le contraste sur les lamelles métalliques. La simplicité de la composition révèle une complexité subtile dans l’interaction des formes et des couleurs.

23 mm (équ. 35 mm), f/3,2, 1/8 000 s, 200 ISO, Fuji X100F

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La couleur vive tranche dans l’urbanisme gris et les textures de béton.

48 mm, f/4, 1/200 s, 11 400 ISO, Nikon Z 6II

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Des angles saillants révélés par le soleil soulignent la simplicité structurée de l’architecture urbaine.

50 mm, f/8, 1/640 s, 100 ISO, Nikon D750

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La juxtaposition d’éléments structurels et de couleurs crée une perspective alternée où la profondeur n’est pas évidente. Seul un léger flou suggère la distance de l’arrière-plan.

50 mm, f/4,5, 1/125 s, 3 200 ISO, Nikon Z6 II

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Un coin architectural se transforme en une toile d’ombres et de lumière, jouant avec nos perceptions de la perspective.

50 mm, f/8, 1/160 s, 6 400 ISO, Nikon Z6 II

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L’ombre et la lumière transforment une architecture ordinaire en une toile abstraite de formes et de nuances.

35 mm, f/8, 1/1 250 s, 100 ISO, Nikon D750

Le Miksang

Pour finir ce chapitre sur la pratique du minimalisme, je souhaitais partager avec vous une vision différente de la photographie, le Miksang. Cette pratique est basée sur l’enseignement bouddhiste tibétain et se concentre sur la capture de la beauté de l’environnement immédiat tel qu’il est, sans chercher à le changer ou à l’améliorer de quelque manière que ce soit. La pratique du Miksang repose sur l’idée que nous avons tendance à voir le monde de manière fragmentée plutôt que de voir la beauté et la perfection de l’ensemble. Si j’aborde ce sujet ici, c’est que je trouve que les résultats obtenus avec cette pratique sont souvent proches de l’esthétique minimaliste.

« Miksang » peut se traduire par « bon œil », mais il ne faut pas entendre « bon » comme l’inverse de « mauvais » (une autre traduction pourrait être « images pures ») ; cela signifie que l’esprit est libre de toute autre préoccupation, ouvert et disponible. Il faut donc concevoir le monde sans a priori, en tentant de se détacher de toute notion de valeur, de plaisir, d’aversion ou de désintérêt. La prise de vue photographique doit se dérouler dans cet état d’esprit.

La pratique du Miksang comporte trois éléments clés : « la perception pure », « la composition pure » et « l’expression pure ». La perception pure implique de voir le monde d’une manière non filtrée et non jugée ; la composition pure consiste à utiliser des techniques de composition pour mettre en valeur la beauté de l’environnement ; l’expression pure est l’application de ces perceptions et de ces compositions pour créer des images qui reflètent la réalité telle qu’elle est.

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Le brouillard matinal enveloppe le paysage, estompant les lignes entre le ciel et la terre dans un doux mystère.

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/300 s, 200 ISO, Fuji X100F

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Dans cette gare, les ombres du jour naissant tracent des motifs éphémères sur le béton, un spectacle quotidien souvent ignoré. J’ai voulu saisir la beauté dans l’ordinaire, montrer comment un simple jeu d’ombre et de lumière peut révéler l’extraordinaire.

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/100 s, 3 200 ISO, Fuji X100F

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Dans l’ombre, les objets perdent leur fonction, prenant une nouvelle vie à travers les yeux du Miksang. L’éclairage crée un contraste dramatique, soulignant la forme et la texture, et invitant à une réflexion méditative.

23 mm (équ. 35 mm), f/2, 1/100 s, 2 000 ISO, Fuji X100F

Le Miksang est également souvent associé à la pratique de la méditation, car il encourage les photographes à être « présents » et « conscients ». Il invite à être attentif aux détails et à la beauté de l’environnement, plutôt que de se concentrer sur la recherche de sujets ou de scènes à photographier. Contrairement à une méditation classique, c’est une pratique active et l’appareil photo (ainsi que la photo elle-même) est un moyen, pas un but. En résumé, c’est la philosophie zen appliquée à la photographie.

Je ne suis pas certain qu’être bouddhiste soit une condition sine qua non pour exercer le Miksang. Le bouddhisme relève pour moi davantage d’une doctrine philosophique que d’une religion, il m’intéresse pour ses concepts pleins de sagesse, mais cela ne va pas plus loin. Je ne suis pas moi-même bouddhiste, mais je m’intéresse au Miksang.

Je vous suggère de vous essayer au Miksang à titre d’exercice. Comme pour le minimalisme, l’idée est de tenter de sortir de sa zone de confort. Ce genre de pratique a l’avantage d’inciter à voir le monde sous un nouvel angle. On en retire forcément des bénéfices.

Promenez-vous à n’importe quel endroit et observez votre environnement. Essayez de vider votre mental et appréhendez ce qui vous entoure sans jugement. Gardez votre esprit ouvert et tentez de trouver une photographie. Celle-ci ne doit pas être préméditée comme cela pourrait être le cas d’ordinaire, mais plus instinctive. Vous pouvez être attiré par une association de couleurs, de textures, de formes…

Si l’on souhaite se conformer au Miksang, il ne faut pas chercher à améliorer la photo en post-traitement. Par ailleurs, les clichés ne sont pas destinés à être « expliqués », ni d’un point de vue technique ni d’un point de vue symbolique. Le Miksang est une approche plus simple, contemplative et organique de la photo.

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Des cordages verts, des filets et une chaîne rouillée racontent des histoires de vagues et de vents. Il est possible de trouver de la pureté dans le désordre, de la beauté dans l’outil de travail quotidien du marin.

28 mm, f/8, 1/80 s, 100 ISO, Nikon D700

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Les espaces entre les poteaux sont des fenêtres, une métaphore Miksang de la perception sélective.

38 mm, f/8, 1/200 s, 100 ISO, Nikon D750

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Le post-traitement, quelques indications

Bien qu’elle soit généralement indispensable, je dois avouer que cette étape n’est pas celle que je préfère. L’idée que je me fais de la photo est plutôt d’être sur le terrain et non de passer des heures devant un écran d’ordinateur. C’est certainement pour cette raison que j’essaie de soigner au maximum mes cadrages et l’ajustement de l’exposition. Néanmoins, si une photographie se crée à 100 % lors de la prise de vue, un post-traitement minutieux et approprié permettra de sublimer le cliché ; il s’agit en quelque sorte d’interpréter l’image.
Le post-traitement comprend trois grandes étapes – l’éditing, le développement et la retouche – que je me propose de vous présenter dans ce chapitre.

L’éditing des images

Cet anglicisme désigne une tâche que nous faisons tous de manière plus ou moins consciente lorsque nous rentrons d’une séance ou d’une sortie de prise de vue et que nous déchargeons les photos sur le disque dur de notre ordinateur : regarder chacune des images que nous avons faites et les trier. Comme je l’ai déjà entendu dire par Éric Bouvet, artiste plusieurs fois récompensé par des prix internationaux : « Le meilleur ami du photographe, c’est la poubelle. » En effet, si vous présentez un portfolio avec des clichés excellents à côté d’autres photos moins réussies, vous laisserez une impression mitigée et amoindrie de votre travail, ce qui sera, tout le monde en convient, bien dommage.

L’éditing n’est pas l’étape la plus simple et la plus agréable, je vous l’accorde. Il faut arriver à être assez critique envers soi-même pour opérer un choix drastique parmi ses images. Pour cela, vous pouvez considérer qu’il y a trois grands types de photos :

les photos réussies : évidemment, elles ne posent aucun problème, nous les enregistrons précieusement et nous passons à l’étape suivante (l’étape du développement) ;

les photos moyennes : ce sont les plus délicates à traiter, car une photo moyenne est finalement mauvaise, puisqu’elle n’est pas réussie. Seulement, nous avons passé du temps à chercher une idée, à tenter un angle de vue, une composition originale. Nous y sommes donc attachés, nous aimerions qu’elle soit parfaite. Si vous avez un doute, faites un dossier à part et revenez-y plus tard, pour trancher. Si votre doute persiste, vous pouvez opter pour la poubelle ;

les photos ratées : pas de question à se poser, on les jette. Néanmoins, ce sont probablement les plus intéressantes… Avant de les effacer sans état d’âme, il est important de les analyser et de déterminer précisément pourquoi elles sont ratées. Est-ce parce que la mise au point a été mal faite ? Parce que l’idée n’était pas bonne ? Parce qu’on a opté pour une mauvaise composition ? Parce qu’on a déclenché trop tard ? Trop tôt ?... Cela permet d’envisager ce qu’on aurait pu faire pour réussir l’image, c’est ainsi que l’on progresse.

Le développement des fichiers RAW

Le développement est l’étape qui consiste à traiter le fichier brut issu de l’appareil à l’aide d’un logiciel approprié afin d’ajuster certains paramètres de prise de vue et d’obtenir une image.

Rappel sur les formats d’enregistrement

Le format JPEG

Plusieurs formats d’enregistrement sont disponibles sur les boîtiers. Le plus répandu et universellement reconnu est le JPEG (.jpg). Il est très intéressant, puisque tous les ordinateurs, tablettes ou smartphones peuvent le lire immédiatement. En revanche, c’est un format compressé d’une image qui ne donne accès qu’à une petite partie des informations photographiées. Par ailleurs, si vous optez pour un enregistrement au format JPEG dès la prise de vue, votre appareil interprétera lui-même l’image et fixera arbitrairement certains paramètres (balance des blancs, exposition…). Ce format offre donc peu de possibilités de corrections et, à chacune, votre image se dégradera ; vous perdrez en qualité et en finesse de détail.

Le format RAW

En optant pour un enregistrement au format RAW (brut de prise de vue), vous aurez plus de latitude de corrections, mais il vous faudra « développer » le fichier au préalable. C’est pour cette raison que l’on compare fréquemment le format RAW à un « négatif » (numérique), car c’est une image en devenir. Ces réglages sont en effet comparables (dans une certaine mesure) à ce que l’on faisait à l’époque de l’argentique dans la chambre noire. Le seul inconvénient du procédé réside dans la capacité de stockage nécessaire : il vous faudra disposer d’un disque dur de grande capacité, car les fichiers RAW sont plus lourds que les JPEG.

Pour développer les fichiers RAW, on utilise un logiciel appelé « dérawtiseur » dont la fonction principale est de convertir les RAW en images, JPEG ou TIFF notamment (ce dernier format, non compressé, permet de conserver beaucoup plus de données, mais pour un poids de fichier plus important que le JPEG). Les logiciels sont soit spécifiques à la marque du boîtier, soit plus universels (Lightroom, DxO Photolab, Capture One…). Certains sont gratuits, d’autres peuvent être très coûteux. Passons en revue les réglages les plus importants à effectuer pour développer vos fichiers.

Balance des blancs : permet de régler les tons de couleur dominants. Pour ajuster cette variable au post-traitement, il faut s’intéresser à la température de couleur, qui se mesure en kelvins. Si l’on règle ce paramètre dans des valeurs extrêmes, on obtient soit uniquement des tons chauds (dominante jaune-orange) soit des tons froids (dominante bleue). Généralement, on essaie de garder ou d’accentuer légèrement les caractéristiques qui étaient celles observées au moment de la prise de vue. Pour information, la valeur de température de couleur d’une lumière tungstène est d’environ 3 000 K ; par une journée ensoleillée sans nuages, elle est de 6 500 K ; par une journée très nuageuse, elle oscille autour de 9 000 K.

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Voici l’exemple d’un cliché pour lequel j’ai fait varier la température de couleur. Pour l’un, il s’agit de couleurs dites « froides » tandis que l’autre est dans les tons dits « chauds ».

23 mm (équ. 35 mm), f/8, 1/90 s, 200 ISO, Fuji X100F

Exposition : permet d’éclaircir ou d’assombrir l’image si cela s’avère nécessaire.

Contraste : caractérise la répartition lumineuse d’une image.

Saturation : permet de saturer une ou plusieurs couleur(s). Attention de ne pas trop abuser de ce genre d’outil, car le résultat peut parfois être un peu « criard ».

Paramètres de dynamique : dans la mesure des possibilités de votre capteur numérique, ils permettent de récupérer du détail dans les hautes ou les basses lumières. Cela peut être très utile pour déboucher les ombres dans le cas d’un contre-jour peu prononcé, par exemple.

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Lorsque j’ai photographié ma fille, les conditions de lumière ont généré un contre-jour très prononcé. Lors du post-traitement, j’ai pu cependant récupérer des informations dans les ombres et les hautes lumières pour obtenir un cliché moins contrasté.

60 mm, f/4, 1/2 000 s, 100 ISO, Nikon D750

Atténuation du bruit numérique : vous connaissez certainement tous ce phénomène qui produit un grain parfois disgracieux lorsque la sensibilité est trop élevée. Aujourd’hui, les performances des logiciels de post-traitement sont très satisfaisantes et permettent de réduire considérablement le bruit numérique sans grande perte de qualité.

La phase de retouche

Il me semble qu’il existe une confusion à propos de ce que désigne ce mot. On a en effet souvent tendance à confondre retouche et développement d’image : nous avons vu que le développement permet d’influer sur certains paramètres, la retouche, elle, a pour but de modifier la forme et/ou l’aspect des objets qui sont représentés. Cette étape n’est pas indispensable en photographie. Pour certaines images, je n’ai pas du tout recours à la retouche. C’est toujours une bonne nouvelle, car cela me fait économiser du temps.

Certains logiciels de développement permettent d’effectuer des petites retouches, et en premier lieu les corrections liées aux défauts de l’objectif. Les optiques ont, en effet, toutes des défauts plus ou moins prononcés qui définissent leur qualité et justifient bien souvent leur prix. Les logiciels de développement incluent généralement une base de données permettant de corriger certains d’entre eux, comme la distorsion (déformation de l’image), l’aberration chromatique (flous et franges de couleurs autour des objets contrastés et/ou dans les angles d’une image) ou encore le vignetage (exposition plus sombre sur les bords de l’image).

Une autre fonction fréquemment utilisée est la correction des perspectives. Il arrive parfois, notamment lorsqu’on fait de la photographie d’architecture, que la correction de base de l’objectif ne suffise pas pour rectifier les perspectives. Certains logiciels proposent donc de le faire manuellement. Il s’agit, à ce stade, de tâtonner un peu en déplaçant les différents curseurs pour obtenir le résultat souhaité.

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Outil de correction des perspectives tel qu’il apparaît dans Lightroom.

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Cette photo n’a pas un grand intérêt, mais elle permet de montrer ce que peut donner la déformation due à la perspective. Ce cas est un peu extrême, car j’ai pris ce cliché au pied de cette ruine romaine avec une focale de 24 mm. Grâce à une fonction de Lightroom, la perspective est corrigée.

24 mm, f/5, 1/320 s, 100 ISO, Nikon Z 6II

Le type de retouche le plus connu est sans doute celui qui est lié à la mode et au portrait, qui permet d’effacer ou d’atténuer les défauts de la peau (rides, boutons…) ou d’amincir un peu un modèle. Les retouches peuvent être encore plus profondes. Par exemple, si sur un cliché un ciel ne vous plaît pas, vous pouvez tout simplement le changer. Vous pouvez également ajouter un objet qui n’était pas sur la vue originale, etc.

Comme je l’ai déjà mentionné, j’utilise le moins possible les logiciels de retouche spécialisés (les plus connus étant Photoshop, Affinity Photo ou Gimp). Néanmoins, je les emploie par exemple lorsqu’un élément gêne ma composition et est en trop ; je choisis alors l’outil approprié pour le faire disparaître et simplifier l’image.

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Voici le type de retouche légère que je peux réaliser assez régulièrement. À l’arrière-plan, un nageur, des structures et des bâtiments attiraient un peu trop le regard. J’ai donc choisi de les effacer. Ce genre d’opération peut se faire en seulement quelques secondes.

50 mm, f/2,2, 1/3 200 s, 200 ISO, Nikon D700

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Ici, la retouche est plus prononcée. J’ai effacé tous les personnages secondaires du cliché afin d’obtenir une composition plus minimaliste.

300 mm, f/7,1, 1/640 s, 400 ISO, Nikon D300

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Je n’ai rien effacé sur ce cliché. Mon idée initiale était de composer une image basée sur la répétition des bateaux. Je trouvais que le résultat était un peu fade, j’ai donc demandé à une intelligence artificielle d’ajouter des barques de couleurs vives. La photo est loin d’être un chef-d’œuvre, mais cet ajout l’a améliorée considérablement. Libre à vous de vous amuser avec cette technologie.

8 mm (Equ. 28 mm), f/2 ; 8, 1/5 s, 100 ISO, DJI Air 2s

L’INTELLIGENCE ARTIFICIELLE

Désormais, l’intelligence artificielle fait partie intégrante du processus photographique. Que vous le vouliez ou non, vous l’utilisez peut-être déjà. En effet, les appareils photo récents sont dotés de modules à intelligence artificielle pour réaliser différentes opérations. Le plus évident est la reconnaissance du sujet par analyse de l’image. Un autre domaine dans lequel cette technologie intervient de plus en plus est la retouche photographique, par exemple pour réduire le bruit numérique de manière très efficace, effacer ou ajouter des motifs, etc. Cela peut paraître nouveau, mais les graphistes savaient déjà faire ce genre de choses depuis bien longtemps. Nous pouvons aussi générer des images photoréalistes sans aucun appareil, à partir d’un simple texte.

En réaction à l’IA, certains reviennent complètement à l’argentique. D’autres développent leurs images sans recourir à une technologie particulière, d’autres encore utilisent tous les outils qu’ils ont à leur disposition. De nombreux débats ont lieu sur le thème : où s’arrête la photographie, où commence la création artificielle ? À chacun de positionner le curseur où il le souhaite. Personne n’a raison ou tort, tout le monde doit se sentir libre de faire ce qu’il souhaite pour créer une œuvre.

Pour ma part, j’utilise l’IA régulièrement pour la réduction de bruit dans Lightroom. De plus, lorsque je trouve qu’une image peut être améliorée en enlevant un motif, j’utilise Photoshop. Je faisais déjà ce genre d’intervention, avant l’arrivée de l’IA, mais aujourd’hui, les outils sont plus simples et performants (bien qu’ils ne soient pas parfaits).

D’autres options de retouche sont disponibles. Néanmoins, l’objet de ce livre n’est certainement pas de traiter tous ces sujets (passionnants au demeurant). Pour détailler exhaustivement les possibilités qu’offrent tous ces outils, il me faudrait probablement écrire un ouvrage supplémentaire…

ÉCRAN ET CALIBRAGE

Un aspect très souvent négligé par les photographes (à tort) est le calibrage des écrans. Si vous possédez plusieurs écrans, vous vous êtes probablement rendu compte que les couleurs de vos photos ne s’affichaient pas toujours de manière identique sur chacun. Parfois, les écarts sont très importants. Il arrive par conséquent que, lorsqu’on imprime les clichés, les couleurs soient très différentes de celles observées à la prise de vue et doivent être ajustées minutieusement lors du post-traitement.

Pour que les images telles que je les observe soient les plus fidèles possible à ce que va donner le tirage papier, j’ai recours à un matériel spécifique. En premier lieu, à des écrans d’une certaine qualité, qui ont la capacité de restituer les couleurs de la manière la plus juste. J’utilise aussi une sonde pour calibrer la dynamique des gris et les couleurs qu’affiche le moniteur : il s’agit d’un capteur que l’on pose sur la dalle de l’écran et qui permet, par l’intermédiaire d’un logiciel, d’obtenir le meilleur des rendus. Ainsi, lorsque vous donnerez votre fichier au laboratoire, vous serez certain que les nuances de votre tirage photo seront fidèles à ce que vous avez observé à l’écran.

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Les sondes des marques Datacolor (ici la Spyder X) et X-Rite (ici la Display Pro HL) sont des références en matière de calibrage d’écran.

Le choix du cadre

Présenter une photo à quelqu’un, c’est un peu comme l’inviter à regarder à travers une fenêtre. Le cadre est un élément imposé par l’art photographique. Il existe différents formats qui doivent être judicieusement employés en fonction de ce que l’on veut montrer.

Format horizontal

Ce type de cadrage est également appelé le format « paysage ». Il est de très loin le plus utilisé, cela tient sans doute au fait qu’il nous semble plus naturel. Il est tellement instinctif que bon nombre de photographes ne font presque jamais appel à un autre format. Il faut d’ailleurs souligner que tous les appareils photo sont conçus pour réaliser des clichés à l’horizontale ; la prise en main est beaucoup moins aisée à la verticale.

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L’orientation du cadre à l’horizontale est bien adaptée au paysage, mais pas seulement. Elle a l’avantage d’être apaisante pour le spectateur.

24 mm, f/4, 1/60 s, 100 ISO, Nikon D700

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Ce format correspond bien à la narration. Ici, la pose longue m’a permis de générer un flou qui donne une impression de vitesse.

40 mm, f/13, 0,62 s, 50 ISO, Nikon Z 6II

Ce sens de lecture correspond à notre champ de vision. Pour caricaturer un peu les choses, on peut dire que, dès que nous ouvrons les yeux, les scènes qui s’offrent à nous se présentent sous la forme d’un vaste rectangle horizontal. Cette disposition sera donc toujours plus reposante pour l’œil, puisqu’il y est habitué et qu’il aura tendance à parcourir l’image très facilement.

Le cadrage horizontal est adapté à la narration. Là encore, c’est parce que cela nous renvoie à ce que nous voyons tous les jours : la majorité des écrans (à l’exception de ceux des smartphones) sont des rectangles horizontaux. Ainsi, on emploie instinctivement ce format lorsqu’on veut saisir une scène qui se déroule dans la largeur. Il peut s’agir d’un paysage, mais on peut aussi l’utiliser pour mettre en avant une action : une voiture qui avance, un piéton qui marche ou juste un regard lancé au loin.

Format vertical

D’une manière générale, le format vertical offre plus de dynamisme. Il a également tendance à souligner la hauteur d’un objet. Il convient par exemple parfaitement à la photographie d’architecture ou aux actions qui se déroulent sur le plan vertical — une personne qui monte un escalier, par exemple. On l’utilise également de manière préférentielle pour marquer la profondeur d’une composition.

Lorsqu’on observe un cliché pris à la verticale, notre regard a tendance à être rapidement bloqué par les bords de l’image et explore plus facilement les différents plans du cliché, jusqu’à l’horizon.

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Parfois, c’est le sujet qui dicte le sens du cadre. Ici, le format souligne la forme et la hauteur de la structure.

24 mm, f/8, 1/30 s, 1 600 ISO, Nikon Z 6II

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Le cadrage vertical permet de bien marquer la profondeur. J’ai exacerbé cette caractéristique ici en utilisant une perspective dans un sens inhabituel.

23 mm (équ. 35 mm), f/13, 0,62 s, 50 ISO, Fuji X100S

Format carré

Ce format a été particulièrement utilisé au XXe siècle, car il correspondait au format natif de beaucoup d’appareils photo (le Rolleiflex par exemple). S’il est devenu un temps plus confidentiel, il est désormais très utilisé en photographie contemporaine avec notamment le succès des réseaux sociaux dédiés à la photo (Instagram). Pour certains, ce format est considéré comme monotone, car les quatre bords ont des longueurs identiques (par définition). A contrario, il est particulièrement bien adapté au format minimaliste. Certains photographes adeptes de ce style, comme Michael Kenna, utilisent presque exclusivement le format carré.

Selon le type de matériel dont vous disposez, travailler au format carré sera plus ou moins instinctif. Car bien que beaucoup d’appareils ne permettent pas de cadrer carré de manière native (le reflex par exemple), certains boîtiers récents (hybrides, compacts) offrent cette option. Pour ceux qui n’ont pas la chance de disposer de cette potentialité, il s’agira de « croper » (couper) la photo sur l’ordinateur lors du post-traitement. Dans la majorité des cas, le format carré final n’est donc pas celui qui a été voulu à la prise de vue, mais celui qui est choisi dans un second temps, lorsqu’on se rend compte qu’il sera le plus adapté.

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Le carré convient très bien au style minimaliste. Ce type de proportion connaît aujourd’hui un grand succès, et je vous invite à essayer souvent ce format. Il est particulièrement adapté aux compositions symétriques ou centrées.

28 mm, f/16, 1/2 s, 50 ISO, Nikon D800

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150 mm, f/4, 1/500 s, 100 ISO, Nikon D750

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Regards sur le minimalisme

La perception du minimaliste dans son acception générale ne pose pas de problème particulier, mais dans le détail, les limites de ce style sont sans aucun doute variables et dépendent de chaque photographe. Ainsi, les clichés que vous avez pu voir dans ce livre ne sont représentatifs que de ma sensibilité, de la vision que j’ai du monde qui m’entoure. Je vous propose donc, pour clore cet ouvrage, de découvrir d’autres photographes dont j’aime le travail, afin que vous puissiez également apprécier l’œuvre d’artistes talentueux et aiguiser encore un peu plus votre regard. J’ai demandé à chacun d’expliquer ce que représentait pour eux la photo minimaliste, et également de présenter une ou deux images emblématiques de leur travail dans ce domaine. Vous constaterez que, même au sein du style minimaliste, il y a presque autant de manières de percevoir les choses que d’auteurs qui les capturent.

Christophe Audebert

Christophe Audebert, photographe indépendant, vit et travaille sur le bassin d’Arcachon. Après avoir été responsable marketing et communication pendant vingt ans, il décide en 2004 de se consacrer à 100 % à sa passion pour la photo et se forme pendant un an à l’école Spéos puis développe (jusqu’en 2022) une activité de photographe corporate. Pour ses projets personnels, il conçoit une série (primée en 2014 en France et à Venise), « Ici et là », qui met en scène des couples d’amoureux dans des lieux incongrus. Plus récemment, il s’intéresse aux notions de temps et de mouvement en photographie. Il est l’auteur des Secrets de la pose longue et des Secrets du mouvement en photographie aux éditions Eyrolles.

Site : www.christopheaudebert.com / Instagram : christopheaudebertphoto

Pour moi, une composition épurée mettant en jeu le plus souvent un seul sujet principal aboutit à une photo minimaliste. Si elle peut s’inscrire dans de nombreux contextes (photo de rue, animalier, abstraction…), ce sont les grands espaces qui m’inspirent tout particulièrement ; quand je peux y incorporer un personnage, l’impact est plus percutant et permet souvent à l’observateur de se projeter dans une histoire.

J’attache un soin important à la composition, à la lumière et au format pour que le sujet trouve son sens dans son environnement. Je fais en sorte que le cadrage soit suffisamment large pour que la taille du sujet soit minime – à cet égard, je privilégie le grand-angle. J’essaie d’attirer l’attention sur le personnage, s’il est le sujet, par différents moyens : contre-jour pour détacher la silhouette, vitesse lente qui exprime le mouvement, couleur de sa tenue… Dans l’image finale, harmonie et esthétique doivent transparaître.

La première photo, « Pêcheur à la plage de la Lagune », a été faite près de chez moi. Ma séance de l’après-midi terminée, je jetais un dernier coup d’œil à l’océan quand j’ai vu un pêcheur qui pliait son matériel. J’ai vite redescendu les petites dunes et repéré un emplacement potentiel : une grande flaque d’eau de mer située sur le chemin du retour du pêcheur. Je n’ai eu qu’à faire le réglage principal (f/8 pour une grande profondeur de champ), m’abaisser pour inclure les rides de sable en premier plan et déclencher au bon moment. Par chance, le pêcheur marchait près du bord de la flaque, son ombre a ainsi pu se refléter dans l’eau. Sans lui, cette photo aurait été quelconque. Qui est-il ? Que fait-il ? Il n’occupe qu’une infime partie de la composition, mais il permet d’imaginer une histoire.

La seconde photo a été réalisée en Normandie, à Veule-les-Roses, en hiver. J’étais sur une falaise quand j’ai vu un couple marcher sur la plage parallèlement au rivage. Quand ils se sont rapprochés de l’eau sans se séparer, leurs pas ont laissé de jolies traces dans le sable, là où le sol s’apparente à de la vase. Ils se sont immobilisés à quelques mètres de l’eau. Je tenais ma photo. Le cadrage vertical s’est imposé pour inclure le ciel magnifique. On distingue ainsi quatre couches horizontales : la plage, la mer, le ciel clair et les nuages gris. La vue en plongée, une belle lumière d’hiver, la petitesse des personnes face à l’immensité de la mer, ces trois éléments se sont associés pour former une image simple qui n’aurait pas été aussi forte sans cette présence humaine.

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Suggérer plutôt que décrire par un gros plan, voilà ici la force du minimalisme © Christophe Audebert

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Une photo minimaliste © Christophe Audebert

Andy Feltham

Andy Feltham est un photographe anglais originaire de Northampton. Il décrit lui-même son travail comme du « paysage urbain surréaliste ». Quelques mois seulement après avoir commencé la photographie, en 2010, son talent est repéré par des webzines comme Yet Magazine, C41 Magazine ou Format Magazine. L’avenir s’annonce pour lui très prometteur.

Site : www.andyfelthamphotography.com

La photographie minimaliste est ma façon de donner du sens au monde qui m’entoure et de créer un ordre à partir du chaos. La pureté de la scène apporte de l’impact et de la clarté dans la communication avec le spectateur.

Mon approche dans la conception de ce type d’images est multiple. D’un point de vue artistique, le choix du sujet est fondamental au premier chef. Mais aussi le nombre d’éléments qui composent l’image : s’il y en a trop peu, l’image sera plate ou même manquée, s’il y en a trop, elle sera moins percutante. L’angle, ensuite, revêt une importance capitale pour l’harmonie de l’ensemble : un décalage même minime dans le cadre peut faire toute la différence. Quand je repère un sujet intéressant, je fais donc souvent plusieurs prises de vues, avec de légères variations de position, pour m’assurer de pouvoir choisir au final la meilleure des photos possibles.

Dans ma pratique, je me sers régulièrement du sujet pour masquer des éléments étrangers à la scène. Cela m’oblige parfois à utiliser une focale plus courte pour obtenir le cadrage désiré. Stephen Shore n’a-t-il pas déclaré à juste titre que l’appareil photo pouvait à la fois dire la vérité et mentir ?

Les deux photos que j’ai choisi de présenter ici illustrent bien, à mon sens, la démarche que je viens de décrire. « Great Yarmouth 3 », tout d’abord, témoigne de l’importance du nombre d’éléments dans le cadre. Hasard de situation qui arrive souvent, je travaillais à mon cadrage sur la lande quand un bateau de pêche est apparu à l’horizon. J’ai d’abord été contrarié, pensant que je devais attendre qu’il traverse et disparaisse, puis j’ai subitement réalisé ce qu’il pouvait apporter à ma composition. Sans cet élément, l’image aurait probablement été réussie, mais finalement facilement oubliée ; grâce à la présence du bateau, elle est devenue une de mes photos préférées. Un moment d’un heureux hasard minimaliste.

La deuxième photo, « Billy Bob’s 2 », a été prise alors que je sortais dîner avec ma famille et mes amis. En arrivant sur le parking, j’ai aperçu un grand hangar (je crois qu’il s’agit bien de cela !) complètement enveloppé de film plastique. Il fallait que je capture cette scène surréaliste. Le cadre était encombré de machines agricoles sur les côtés et de balles de foin derrière l’édifice, je me suis donc approché du hangar et me suis accroupi pour faire disparaître ces éléments perturbateurs et clarifier la composition. J’ai ensuite attendu – un bon moment, au milieu d’une flaque de boue – que quelques rayons de soleil sortent de derrière les nuages. J’ai fini par obtenir la photo minimaliste que je voulais, mais je suis allé dîner les pieds mouillés !

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Great Yarmouth 3 © 2016 Andy Feltham

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Billy Bob’s 2 © Andy Feltham

Éric Forey

Éric Forey est un photographe urbain à l’univers graphique et coloré. Régulièrement exposé dans toute la France, son travail original a été maintes fois repéré dans la presse spécialisée, en France comme à l’étranger, et récompensé de prix prestigieux, notamment la Photographie de l’année et le Prix Ilford pour le noir et blanc. Il partage ses travaux dans ses livres (dont Serial Photographer, Les secrets du city trip photo et Les secrets de la photo d’architecture créative, aux éditions Eyrolles), sur son site et à travers des conférences et des stages dédiés à la photo urbaine, à la photo d’architecture et aux séries photo.

Sites : ericforey.com – formations-photo.fr

Une photo minimaliste est pour moi une photo qui ne se sent pas obligée d’employer des moyens spectaculaires pour faire passer un message, une ambiance ou une émotion – à l’opposé donc des rires et applaudissements ajoutés sur une série télévisée, par exemple. Le minimalisme, c’est l’épure, c’est arriver à mettre un maximum de choses dans un résultat utilisant un minimum de moyens. Ne pas appuyer ni exagérer ni amplifier, mais au contraire simplifier, réduire tout en gardant la même puissance.

Arrêter de compter sur l’artifice et seulement se préoccuper du discours oblige à avoir un discours photographique fort.

La photo minimaliste doit également laisser coexister le regard du spectateur. Le message doit être marqué mais ne doit pas enfermer celui qui en est destinataire, lequel doit avoir la possibilité de se créer un autre discours. Le minimalisme offre toujours une grande liberté, de la place à l’imagination de chacun.

En photographie d’architecture, j’aime être suffisamment simple pour rendre hommage à tous ceux qui sont intervenus sur une construction et à tous ceux qui la connaissent car elle fait partie de leur vie. Cette recherche d’une certaine universalité m’oblige à un rendu minimaliste pour intégrer tous mes paramètres.

Sur la première photo ci-contre, en noir et blanc, la succession d’arches dans un passage le long d’un immeuble me permet de rappeler que l’architecture n’existe a priori que pour être au service des hommes : ce passage abrité n’est là que pour eux. Il a été imaginé, conçu, réalisé par des hommes, et pourtant nulle trace humaine, juste quelques courbes un peu plus foncées qui viennent en parler au milieu de ce blanc.

Sur la seconde photo, un simple mur de parking avec un joint métallique, une lumière d’orage et quelques ombres permettent de créer un monde imaginaire, sans limites, en totale déconnexion de la réalité de ce qui a servi de support à la construction de l’image.

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Attraction lactée © Éric Forey

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Éclair au chocolat © Éric Forey

Michel Lecocq

Michel Lecocq est un artiste photographe et écrivain né à Saint-Dizier (Haute-Marne). Il a commencé à réaliser des photographies en 1998 et a eu la chance de pouvoir exposer à maintes reprises depuis 2010 en France et en Europe. Il se consacre aujourd’hui davantage à l’écriture avec la sortie prochaine de son nouveau roman, mais il continue de présenter son travail photographique.

Site : michel-lecocq.com

La photographie minimaliste s’est imposée à moi au fil du temps, d’abord comme un besoin et une évolution naturelle – je trouvais mon style bien trop brouillon –, ensuite comme une évidence : l’envie de montrer peu pour offrir beaucoup. La photographie minimaliste représente donc pour moi une façon de continuer une histoire qui ne se résumait jusque-là qu’à un prologue.

Ce style artistique permet toutes les audaces lorsqu’en cherchant dans son imagination, on poursuit des voies différentes vers un aboutissement personnel, un rêve. Le spectateur semble s’approprier l’image bien plus facilement que dans toute autre démarche. Le concept devient aussi synonyme de pureté, de calme, de dépouillement et d’équilibre, dans un certain sens. Quant à l’agitation extérieure et au besoin d’enrichissement permanent, l’artiste répond par quelques lignes géométriques et quelques sobres fuites du regard vers l’inconnu.

La photographie couleur ci-contre en haut, prise sur la presqu’île de Giens, à Hyères-les-Palmiers, symbolise parfaitement ce que définit le minimalisme. Elle n’offre rien au regard si ce n’est une descente en béton vers le bord de mer. Pourtant, nous pouvons avec un peu d’imagination poursuivre cette histoire. J’attache à l’ambiance et à la technique (la pose longue) une valeur essentielle, d’autant que l’image est en couleurs. Elles deviennent un complément indispensable, une plus-value indissociable au message contenu dans l’image. Elles symbolisent l’esprit même de l’évasion onirique dans laquelle le visiteur peut se plonger.

La photographie en noir et blanc est différente. Ce paysage serait classique si la notion de voyage ne venait s’ajouter à la simplicité du spectacle, en transportant l’observateur au-delà de la sécurité que semblent offrir l’espace immédiat et l’instant présent. Elle a été prise dans la petite rade de Toulon, dans le Var.

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Requin-béton © Michel Lecocq

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Petite rade, grande rade © Michel Lecocq

Vincent Munier

Vincent Munier est un photographe et cinéaste français né en 1976. Il est originaire des Vosges, territoire dans lequel il a puisé ses premières inspirations. Depuis le début des années 2000, il a réalisé de nombreuses expéditions, en solitaire et en autonomie, dans sa quête de montrer la beauté du monde sauvage et de mettre en lumière des espèces animales menacées : Arctique, Antarctique, Tibet… pour toujours revenir à son camp de base. De plus en plus tourné vers l’image animée, il a coréalisé le film La Panthère des neiges avec Marie Amiguet, César du meilleur documentaire en 2022.

Sites : https://vincentmunier.com – www.kobalann.com

Je suis un contemplatif, qui passe finalement plus de temps les yeux dans les jumelles que dans le viseur de l’appareil photo. Je suis sensible depuis longtemps au minimalisme des images, notamment en ce qu’il rapproche (parfois) la photographie de l’estampe.

Le blanc me fascine, et la neige est un élément parfait pour travailler dans ce sens. Le blanc n’est pas une couleur, mais la somme de toutes les couleurs. Ce n’est pas un voile sur le monde, mais un monde en soi. Avec des touches de vie sauvage là où l’on ne s’y attend pas. Finalement, lorsqu’une tempête de neige passe, elle agit comme une gomme : elle efface le superflu pour ne garder que l’essentiel.

Je crois encore au pouvoir de ce genre d’images pour révéler la beauté de la nature et participer à une prise de conscience des dangers qui la menacent.

Cette photo de harfang des neiges ci-contre, prise au Québec en 2006, peut être qualifiée de minimaliste : le blanc y est omniprésent (dans le ciel, dans la neige au sol, et même dans le plumage de l’oiseau qui est ainsi camouflé). Le rapace est posé, tel un vase ou un objet précieux, et centré dans l’image ; il est entouré de quelques brindilles qui sont les seuls échos à sa silhouette. Le pointillé horizontal du plumage de cette femelle contraste assez subtilement avec leurs traits verticaux, si l’on y fait attention. Par ailleurs, on ne s’en rend pas vraiment compte, mais l’oiseau est en fait posé de dos, la tête tournée vers l’objectif à 180°.

Devant cette photo, il me semble que l’on respire, que sa simplicité (un sujet posé, une quasi-absence de décor) invite à la rêverie. On touche presque au zen.

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Harfang des neiges © Vincent Munier

Serge Najjar

Serge Najjar est un photographe libanais originaire de Beyrouth. Ce passionné de photographie n’exerce pas cet art à plein temps, mais seulement le week-end. Docteur en droit, son métier est en effet avocat à la Cour. C’est après avoir commencé à poster ses images sur Instagram qu’il est contacté par plusieurs galeries d’art à travers le monde (la galerie Tanit, à Munich et à Beyrouth ainsi que la galerie Bessières à Paris). Ses photos sont depuis exposées dans des expositions individuelles ou des foires internationales, comme Paris Photo ou Miami Basel.

Instagram : serjios

Une photo minimaliste est pour moi une photo qui transmet un message à travers une composition simple et épurée. À titre personnel, j’ai toujours aimé allier l’architecture et l’homme de façon à créer une tension qui va de l’abstrait au réel, et vice versa. J’essaie également de combiner plusieurs facteurs dans chaque cliché, comme la géométrie, la lumière, les ombres, les contrastes de couleurs ou de textures, et aussi d’y glisser quelques petits clins d’œil qui m’amusent personnellement. Je suis les principes de la street photography (photographie de rue) puisque je ne connais jamais les personnes qui figurent dans mes photos et que le choix du lieu est toujours spontané.

Jeune, je me suis beaucoup intéressé à l’art moderne, à l’avant-garde russe et au constructivisme. Lorsque j’ai commencé à prendre des photos, il y a douze ans, mon œil a intuitivement composé en fonction de mes goûts artistiques, d’où la forte influence de l’art optique et de l’abstraction géométrique dans mon travail.

La photo intitulée « Red Swipe » montre un homme qui sort d’une fenêtre pour « nettoyer » une façade ; je trouve ce cliché aussi absurde que drôle. Il a été pris à Beyrouth, la ville où je vis et je travaille. Lorsque j’ai vu cet homme, je me suis d’abord demandé ce qu’il faisait. J’avais du mal à en croire mes yeux. J’ai capturé cet instant sans me rendre vraiment compte de tous les détails qui se cachaient dans la scène : l’effet de la lumière matinale sur le mur rouge, la position de l’homme, habillé de blanc, qui donne à l’image un effet 3D et qui contraste avec le rouge intense sur lequel il se détache, et, enfin, le fait que l’homme émerge d’une chambre technique — ce que je présume puisque l’on aperçoit derrière lui des interrupteurs et des boutons lumineux —, ce qui rend la situation encore plus étrange. Une grande complexité peut se cacher derrière des images qui semblent simples au premier abord. Tous ces petits détails augmentent l’impact d’une photo, à condition que rien ne vienne faire obstacle à la simplicité de l’ensemble et au message qui est transmis.

La seconde photo représente un passant saisi au moment où il traverse un passage éclairé par une lumière zénithale. Ce qui marque, dans cette composition, c’est le fort contraste entre le blanc et le noir, ainsi que le côté extrêmement graphique des faisceaux lumineux et de la perspective qui s’en dégage. Tous ces éléments jouent, chacun à sa façon, un rôle déterminant dans cette image. Cela rappelle un peu les dessins architecturaux que les architectes faisaient, dans le temps, à la main. Cette photo fait partie d’une série qui s’intitule « The Architecture of Light », dans laquelle les faisceaux lumineux « dessinent » une architecture faite d’ombres et de lumière.

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Red Swipe © Serge Najjar

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The Architecture of Light 2014 © Serge Najjar

Bernard Plossu

Bernard Plossu est photographe depuis plus de cinquante ans. Il aime se définir comme un « photographe voyageur-migrateur ». Ce célèbre artiste, qui a publié d’innombrables livres, acquiert très tôt une vision singulière. Pour lui, la photographie « c’est une disponibilité au hasard ». Il emploie exclusivement un Nikkormat et une focale de 50 mm. Il se démarque de ses contemporains et de l’idéologie de Cartier-Bresson en revendiquant les « instants non décisifs ». Il aime en effet les « moments apparemment sans importance qui ont, en fait, tant d’importance ! »

Il est vrai que le petit format de ces tirages de déserts, qui sont des miniatures, est minimaliste… Ces photographies ont été prises sous un climat sec, après de longues marches, avec un 50 mm ultra-classique – quoi de plus moderne que le classique ! Paul Strand est à ce sens résolument moderne.

Comment rendre l’excès de lumière de midi, ou de juste après midi ? Éviter la grandiloquence surtout, quelle horreur que les photos dramatiques avec des ciels noirs pour en rajouter une couche… Mais arriver à en dire beaucoup avec peu, avec sobriété, n’est pas si simple.

Les dessins de Toscane de Zoran Music après la guerre sont minimalistes, les bouteilles de Morandi, juste posées, sans effet, le sont aussi. Minimalistes dans la forme et finalement aussi dans le contenu. Le minimalisme serait-il alors l’art de la discrétion ?

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Cabo de Gata 1997 © Bernard Plossu/Signatures

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White Sands New Mexico 1980 © Bernard Plossu/Signature

Bastien Riu

Bastien Riu est un photographe isérois né en 1991, passionné d’art et amoureux de la nature, laquelle est pour lui source d’émerveillement et d’inspiration. Il a décidé de fusionner ses deux centres d’intérêt grâce à l’outil photographique. Il travaille souvent avec des espèces sauvages qui nous sont familières pour la plupart ; cette nature de proximité le fascine et il tente d’en proposer une vision personnelle, féerique et poétique.

Site : www.bastienriu.com / Facebook : Bastien Riu-Photographer

Pour moi, la photo minimaliste est une approche subtile et poétique de la photographie qui va à l’essentiel et qui n’enferme pas l’observateur dans un cadre, qui lui laisse la possibilité d’interpréter l’image selon ses sensations du moment. En photo de nature, il sera plus facile de travailler avec certaines lumières et à certaines saisons : un ciel blanc voilé ou encore une prairie drapée d’un manteau de neige seront des conditions idéales pour s’essayer à ce style de photographie. Ci-dessous, j’ai souhaité magnifier à ma façon cette mésange bleue en lui proposant comme seul perchoir une brindille sur l’eau. Je trouve que cette photo représente le style minimaliste, car elle va à l’essentiel et tente de raconter une histoire. Elle m’interpelle et me questionne (comment est-ce possible, dans quelles conditions), je la trouve à la fois intrigante et reposante.

L’image ci-contre est un duo d’azurés se réchauffant les ailes sur des graminées un matin d’été. L’idée était de donner l’illusion de voir un duo de fleurs au premier regard, pour ensuite y découvrir les insectes.

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Mésange bleue © Bastien Riu

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Fleurs d’azur © Bastien Riu

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