Résumé

« L’enfance est un monde où l’émotion n’est jamais bien loin. Le talent du photographe est de savoir déclencher au bon moment pour capter l’instant juste, fidèle à la réalité qu’il veut raconter. »

Premiers sourires, premiers pas, jeux, fous rires, siestes improvisées… Quel parent n’a pas cherché à saisir les petits détails de la vie quotidienne de son enfant ? Mais il n’est pas si facile d’obtenir des images à la hauteur de ses espérances… malgré un matériel de plus en plus performant.

Aussi sophistiqué que soit votre appareil, il ne pourra pas faire de belles photos à votre place : il n’est qu’un outil, votre œil doit le guider ! Cet ouvrage, richement illustré, va vous accompagner pas à pas dans la compréhension du processus photographique, afin de vous permettre de faire les bons choix au bon moment, en fonction du lieu, de la lumière, de l’heure de la journée et bien sûr de l’âge de votre enfant.

AU SOMMAIRE

Comprendre et maîtriser son appareil. Boîtier et objectifs • Triangle d’exposition • Modes de mesure de la lumière • Modes d’exposition • Mise au point • Balance des blancs Spécificités de la photo de portrait. Bien exposer les tons de peau • L’œil comme élément principal • Autofocus et mouvement • Objectif et focale Composition et choix créatifs. Principes de base • Règle des tiers et alternatives • Espace négatif • Le cadre à l’intérieur du cadre • Utiliser la couleur Apprivoiser la lumière. La lumière extérieure • Les meilleures heures • L’ombre ouverte • Le contre-jour • La lumière intérieure • Sources lumineuses • Orientation • Pistes créatives À chaque âge ses spécificités. Le nouveau-né (0-1 mois) • Le bébé de moins de 6 mois • Le bébé de 6 mois à 1 an • Le bébé de 1 à 2 ans • L’enfant de 2 à 4 ans • Frères et sœurs Fiches d’inspiration et images expliquées. Au bain • Sur le lit • Le doudou • Les amis à quatre pattes • Construire une série d’images • Les bulles • Voir en noir et blanc • Le projet 365 • L’enfant en mouvement…

L’auteur

Professionnelle reconnue de la photo de bébés et de jeunes enfants, s’attachant à documenter la spontanéité et le naturel de l’enfance et à capturer les émotions sur le vif, Lisa Tichané s’est spécialisée dans la photographie publicitaire (www.lisatichane.com).

www.editions-eyrolles.com

LISA TICHANÉ

Les secrets de

LA PHOTO
D’ENFANTS

TECHNIQUE • COMPOSITION INSPIRATION

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F. Landragin, Les secrets de la série photo, 2015

P. Bricart, Les secrets de la photo de nu, 2014

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Cet ouvrage, initialement paru en 2015 avec l’ISBN 978-2-212-14258-7, bénéficie à l’occasion de son nouveau tirage d’une nouvelle couverture. Il compte également quelques changements d’images et modifications mineures de textes.

Conception graphique et mise en pages : Nord Compo

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En application de la loi du 11 mars 1957, il est interdit de reproduire intégralement ou partiellement le présent ouvrage, sur quelque support que ce soit, sans autorisation de l’éditeur ou du Centre français d’exploitation du droit de copie, 20, rue des Grands-Augustins, 75006 Paris.

© Groupe Eyrolles, 2015, ISBN : 978-2-212-14258-7

© Éditions Eyrolles, 2024 pour la nouvelle présentation, ISBN : 978-2-416-01555-7

Introduction

Quel parent n’a pas cherché à photographier les petits détails de la vie quotidienne de son enfant, les bouilles de son bébé, les premiers sourires, les premiers pas ? Mais vos images ne sont pas toujours à la hauteur de vos espérances… Floues, mal cadrées, sombres ou trop claires, elles sont parfois loin de votre vision initiale. Ou peut-être avez-vous déjà fait une partie du chemin, et souhaitez-vous trouver ce petit plus qui transforme une jolie photo en image inoubliable ?

Ce livre est là pour vous aider !

Soyez bien conscient qu’aussi sophistiqué que soit votre appareil, il ne pourra pas faire de belles photos à votre place. La photographie est avant tout une question de regard et de choix, aussi bien technique qu’artistique. Votre appareil n’est qu’un outil, votre œil doit le guider. Cet ouvrage va donc vous accompagner pas à pas dans la compréhension de ce processus photographique, afin de vous permettre de faire les bons choix au bon moment, en fonction du lieu, de la lumière, de l’heure de la journée ou de l’âge de votre enfant.

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De nombreux éléments contribuent à l’impact de cette image : l’émotion, capturée au moment même où elle jaillit ; la composition, qui laisse une large place à l’espace négatif pour permettre au regard de suivre le mouvement de tête de Romane ; la lumière du petit matin, qui crée un doux contre-jour ; le choix d’une focale longue et d’une faible profondeur de champ, pour isoler Romane de l’environnement.

Mais ce livre ne se limite pas à des considérations techniques : il tente aussi d’aiguiser votre regard et votre créativité. Demandez à cinq personnes équipées du même appareil de photographier un même sujet, et vous obtiendrez cinq images radicalement différentes. Ce n’est pas l’appareil qui fait la photo, c’est vous ! C’est pour cette raison que j’ai pris le parti d’inviter sept autres photographes à participer à cet ouvrage, afin de l’illustrer avec des regards, des sensibilités différentes et d’ouvrir ainsi les possibilités créatives. Ces photographes ont été choisies pour leur talent, mais aussi parce qu’elles mènent un travail personnel de documentation de leur propre quotidien : raconter leur famille en images, au jour le jour. C’est cette expérience-là qu’elles ont accepté de partager avec nous, en photos mais aussi en nous livrant leurs petits secrets. Elles savent toutes à quel point photographier ses propres enfants est l’exercice le plus difficile qui soit. Elles m’ont donc aidée à alimenter ce livre d’une mine de trucs et astuces qui vous permettront, à chaque période et à chaque âge de la vie de votre enfant, de lui donner envie de participer, de susciter des expressions authentiques, de capturer sa vraie personnalité, sans sourire forcé ni cheese crispé.

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L’enfance est un monde où l’émotion n’est jamais bien loin, prête à surgir à la moindre occasion. Le talent du photographe est souvent de savoir déclencher au bon moment pour capter l’instant juste, fidèle à la réalité qu’il veut raconter. Cette rapidité d’action demande une bonne dose d’expérience et de pratique… Ce livre est là pour vous accompagner sur ce chemin !

Avant de rentrer dans le vif du sujet, je voudrais préciser deux éléments importants.

•Cet ouvrage s’adresse en premier lieu aux possesseurs d’un reflex ou d’un hybride, c’est pourquoi les chapitres 1 et 2 contiennent des éléments techniques spécifiques à ces appareils. Mais si vous n’en n’avez pas encore et que vous faites des photos avec un compact ou même votre téléphone portable, vous trouverez dans cet ouvrage d’innombrables informations qui vous concernent aussi : comment trouver la bonne lumière, quels cadrages, quelles idées créatives… Ainsi que des conseils âge par âge qui s’adressent à tous les photographes, quel que soit leur équipement.

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Quand j’ai demandé à Milo comment il voulait que je le photographie, il n’a pas hésité. Ce portrait lui ressemble à 200 % : plein de malice, d’humour et d’énergie débordante. Si je l’avais fait asseoir sur une chaise pour faire de lui un portrait plus classique, le résultat aurait sans nul doute été fade et sans âme.

•Je considère que pour photographier des enfants dans toute leur spontanéité, il vaut mieux s’encombrer au minimum, être concentré sur le moment et non sur le matériel. Toutes les images que vous verrez dans ce livre peuvent être réalisées avec comme seul équipement un appareil numérique et comme unique éclairage la lumière du jour. Il ne sera donc pas question de lumière artificielle, de flash, de trépied ou de tout autre accessoire encombrant et difficile à utiliser quand on tente de capturer des photos sur le vif. Pour la même raison, je ne vous expliquerai pas comment transformer votre salon en studio photo, mais plutôt comment utiliser au mieux votre intérieur tel qu’il est.

Enfin, j’ai essayé dans ce livre de transmettre ma vision de la photo d’enfants.

Tout ce qui touche au monde de l’enfance peut avoir une désagréable tendance à se teinter de niaiserie. Comme si l’enfance était nécessairement rose et sucrée, pleine de stéréotypes romantiques rimant tous avec douceur ou tendresse. C’est une partie de la réalité, mais est-ce la seule ? Je me suis surprise pendant l’écriture de ce livre à relire mes propres pages et à me sentir glisser sur cette pente, qui pourtant m’exaspère au plus haut point. S’il en reste encore quelques traces, veuillez m’en excuser, et garder en tête ce que j’aurais voulu faire passer comme message essentiel : oubliez les stéréotypes. Racontez votre enfant tel qu’il est, sans tenter de le faire rentrer dans les cases de l’image attendue. Imaginez qu’il regardera ces photos quand il sera adulte, et qu’il sera reconnaissant d’y voir un reflet fidèle de son enfance, et non une image d’Épinal ou une photo de magazine.

Maintenant, à vous de jouer, dans tous les sens du terme. Il y a beaucoup d’informations dans ce livre, peut-être ne pourrez-vous pas tout digérer d’un coup. N’hésitez pas à le poser, le reprendre, le grignoter par petits bouts, à expérimenter les conseils d’un chapitre avant de passer au suivant. Et surtout, autorisez-vous à faire des erreurs ! La photographie s’apprend en pratiquant et en se trompant, souvent. La réussite en est d’autant plus savoureuse.

Je vous souhaite une bonne lecture et des milliers de belles images.

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Les plus belles photos viennent souvent de moments très simples, issus du quotidien. Inutile de se focaliser sur les grandes occasions ou les décors exceptionnels, votre future photo préférée se cache sans doute dans la banalité des gestes de tous les jours.

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Comprendre et maîtriser son appareil

C’est une scène familière à tous les photographes : « Oh… quelle belle photo ! C’est quoi ton appareil ? » Le raccourci est immédiat : je veux le même appareil pour réussir la même photo. Malheureusement pour celui qui aura couru acheter ce merveilleux boîtier magique, le résultat sera à coup sûr la frustration.

Le photographe et son outil

Celui qui pense que posséder tel modèle d’appareil lui assurera l’obtention de superbes images sera passé à côté d’une vérité qui peut sembler triviale, mais qui fait toute la différence : c’est le photographe qui prend la photo, pas l’appareil ! Alors autant le savoir dès le départ : l’achat d’un boîtier numérique ne fera pas de vous un meilleur photographe, cela fera juste de vous l’heureux propriétaire d’un appareil photo onéreux et complexe. Pour en tirer des résultats satisfaisants, il faut apprendre à le comprendre et le faire fonctionner. Aussi sophistiqué soit-il, il ne peut pas faire les choix à votre place, c’est pourquoi prendre le contrôle de votre appareil est la meilleure initiative que vous puissiez prendre et la seule garantie de parvenir à produire les images dont vous rêvez. Ce chapitre devrait vous y aider.

COMMENCER PAR LE COMMENCEMENT

Le premier outil indispensable à la découverte des finesses de votre appareil photo est tout simplement son manuel d’utilisation. Ces notices sont relativement complètes et accompagnées de nombreux schémas légendés ; il serait donc dommage de vous priver de leurs explications qui vous feront gagner beaucoup de temps dans la quête de l’image idéale. Si vous ne l’avez pas encore fait, piochez-y sans retenue et autant de fois que nécessaire !

Nous ne pouvons décrire ici le fonctionnement technique de tous les appareils du marché, donc vous aurez certainement à vous référer à ce manuel pour comprendre comment effectuer certaines des opérations qui seront décrites dans ce chapitre : réglage du mode de mise au point ou de balance des blancs, choix du format de votre image, etc. Si vous avez égaré le document original, sachez que la plupart des marques en proposent une version téléchargeable sur Internet.

Il existe par ailleurs des magazines, des livres et des forums d’utilisateurs qui constituent de solides ressources et vous donneront des informations concrètes sur les fonctionnalités de votre appareil ; n’hésitez pas à les consulter.

Le boîtier

Disposer d’un reflex ou d’un hybride n’est certes pas indispensable pour faire de jolies photos, mais ce type d’appareil vous offrira une grande liberté en matière de prise de vue et de mise en valeur de vos sujets, là où compact et smartphone se trouveront limités. Si vous ne possédez pas de boîtier numérique, voici quelques mots pour vous aider à vous équiper.

Les grandes marques (Canon, Nikon, Sony…) proposent des reflex et des hybrides d’entrée de gamme de bonne qualité. Toutes les images que vous verrez dans ce livre auraient pu être prises avec ces appareils, il n’y a donc aucune nécessité à investir dans des boîtiers experts ou professionnels (dont les prix sont très élevés) pour photographier vos enfants au quotidien.

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Nikon D3500

Les seuls arguments qui pourraient plaider en faveur d’un boîtier plus technique que les entrées de gamme seraient les suivants.

•Plus de possibilités en basse lumière. Les boîtiers experts offrent des sensibilités ISO très élevées, ce qui peut se révéler utile quand la lumière disponible vient à manquer. En photo d’enfants, il est souvent nécessaire de monter en vitesse (1/800 s pour un enfant qui saute sur un lit, par exemple) ce qui en lumière naturelle, dans une pièce qui n’aurait pas nécessairement de grandes fenêtres, imposera de monter très haut en ISO. Personnellement, j’avoue que la première motivation qui m’a poussée à me tourner vers un boîtier plus coûteux – et ce, avant même de devenir professionnelle – était la possibilité de pousser les ISO sans gâcher mon image.

•Une meilleure ergonomie en mode Manuel. Quand vous devez rapidement ajuster vos réglages d’ouverture/vitesse, les appareils d’entrée de gamme peuvent se révéler peu pratiques. Il faut appuyer sur plusieurs boutons pour obtenir ce que l’on souhaite, là où un boîtier expert permet de le faire d’un simple mouvement du pouce ou de l’index.

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Canon EOS R50

En dehors de ces éléments, il y a bien peu de raisons de se lancer dans un investissement aussi important (plusieurs milliers d’euros).

Sachez en outre que la taille des images, qui est souvent invoquée par les fabricants pour montrer la « puissance » de leur appareil, est un feu de paille. Le nombre de mégapixels atteint aujourd’hui par les boîtiers d’entrée de gamme sur le marché est plus que suffisant pour toutes les utilisations personnelles que vous souhaitez en faire. À moins que vous teniez absolument à imprimer vos images sur trois mètres de long, les fichiers de votre appareil d’entrée de gamme seront d’une taille largement suffisante.

N’oubliez pas que ces fameux mégapixels peuvent occuper une place considérable sur votre disque dur, il y a donc un intérêt réel à ne pas se faire prendre dans cette course à l’image géante.

Les objectifs

Le choix des objectifs a un impact notable sur la qualité et le type d’images produites.

Les reflex ou hybrides numériques sont généralement vendus avec un objectif dit « de kit », qui est un modèle d’entrée de gamme à optique en plastique. Si vous en avez la possibilité, rangez-le dans un placard et investissez dans une véritable optique en verre, vous ne le regretterez pas ! Les objectifs d’entrée de gamme manquent généralement de « piqué » (on désigne ainsi la qualité de précision de l’image, c’est-à-dire l’impression de netteté quand on la regarde).

Les objectifs sont définis en premier lieu par leur distance focale (exprimée en millimètres) qui détermine l’angle que va pouvoir capter votre appareil photo. Plus cette distance est grande, plus le champ de vision est restreint. Une focale longue (par exemple, 200 mm) correspond ainsi à un angle de champ serré, tandis qu’une focale courte (par exemple, 24 mm) correspond à un grand angle de champ. Imaginons la situation suivante : si je me situe à deux mètres d’une personne et que je la photographie avec un objectif 24 mm, je pourrai inclure la totalité de son corps dans l’image. Si je change d’objectif pour prendre un 200 mm, sans modifier la distance qui me sépare de mon sujet, je ne verrai plus qu’une partie de son visage en gros plan dans mon viseur.

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Le 28 mm est un grand-angle ; il permet donc d’inclure le contexte de la scène en élargissant le champ de vision.

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Le 50 mm est fréquemment utilisé en portrait. C’est la focale qui se rapproche le plus de l’œil humain.

Les spécialistes du portrait utilisent souvent des objectifs à focale fixe (35 mm, 50 mm, 85 mm…).

Les objectifs 35 et 50 mm sont les « rois » du portrait (le 50 mm étant ce qui se rapproche le plus de ce que voit l’œil humain). Un 50 mm nécessite néanmoins un certain recul pour prendre une personne « en pied », ce qui n’est pas toujours possible dans un espace restreint (particulièrement à l’intérieur). Il est donc recommandé d’avoir la possibilité d’utiliser un objectif à plus grand angle.

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Le 85 mm permettant de réaliser des portraits sans être trop proche de son sujet est souvent employé à l’extérieur.

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Le 135 mm est idéal pour de très beaux portraits serrés.

Les principaux avantages des focales fixes sont une très grande qualité d’image et une ouverture maximale souvent plus grande que celle des zooms, permettant ainsi de capter plus de lumière.

Leur inconvénient majeur est justement d’être fixe : la focale fixe est statique par essence, c’est le photographe qui doit se déplacer pour zoomer ou dézoomer sur son sujet. En photographie d’enfants, l’utilisation d’une focale fixe peut se révéler très sportive, car dès qu’ils se déplacent, il faut pouvoir suivre leurs mouvements souvent rapides. Quand un petit marcheur se met soudainement à courir vers l’objectif, on risque fortement d’avoir une partie de son corps hors du cadre.

LE COEFFICIENT DE CAPTEUR

•Attention, en choisissant votre objectif, vous devez tenir compte de la taille du capteur de votre boîtier. En effet, ceux d’entrée de gamme ont un petit capteur, contrairement aux boîtiers experts qui sont équipés, le plus souvent, d’un capteur plein format (24 × 36).

•Par convention, la focale d’un objectif (50 mm, par exemple) désigne sa focale réelle lorsqu’il est monté sur un capteur plein format. Si ce même objectif est utilisé sur un capteur petit format, il faudra appliquer un coefficient (1,5 ou 1,6 selon les marques) pour obtenir la focale réelle. Ainsi, un objectif 50 mm sera en réalité l’équivalent d’un 75 mm s’il est employé sur un capteur petit format.

Les zooms (objectifs à focale variable) apparaissent donc comme un bon compromis, puisqu’ils permettent de combiner grand-angle et portrait serré dans un même objectif. En plus de leur polyvalence, ils offrent pour la photo d’enfants l’avantage d’éviter d’avoir à « dézoomer avec les pieds » (comme dans l’exemple précédent de l’enfant courant vers l’objectif).

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Il n’y a rien de plus imprévisible qu’une bataille d’oreillers ! L’utilisation d’un zoom 24-70 mm m’a permis de sauver cette image en passant rapidement au grand-angle pour inclure dans le cadre le coussin qui volait vers moi.

Ils ont néanmoins deux inconvénients majeurs. En premier lieu, leur ouverture maximale est plus réduite. Dans des conditions de lumière faible (en intérieur notamment), on ne pourra donc pas compter sur une très grande ouverture pour faire entrer un maximum de lumière. En outre, la plupart des zooms accessibles en matière de prix ont une ouverture variable, ce qui signifie que le seul fait de zoomer peut automatiquement modifier l’ouverture de votre diaphragme, et donc votre exposition, sans que vous ne vous en rendiez compte.

STABILISATEUR D’IMAGE

Un détail qui a son importance : la plupart des objectifs modernes sont équipés d’un stabilisateur d’image. Sachez que pour faire des photos d’enfants, ce n’est vraiment pas du luxe ! Vous allez sans doute beaucoup bouger pour suivre vos petits modèles, et cette stabilisation électronique sauvera un grand nombre de vos clichés.

Écrire avec la lumière

Étymologiquement, photographier signifie écrire avec de la lumière.

De la même manière que le peintre choisit la taille de son pinceau pour déterminer la finesse de son trait, le photographe doit soigneusement doser la lumière qui pénètre à travers son objectif pour façonner son image.

Le premier travail du photographe consiste donc à régler l’exposition de son image, c’est-à-dire la façon dont la lumière va pénétrer l’objectif (porte d’entrée de la lumière dans votre appareil photo) pour venir impressionner la surface sensible qu’est votre capteur numérique (ou votre pellicule, si vous utilisez un reflex argentique).

REMARQUE

La grande majorité des photographes possédant aujourd’hui un appareil numérique, c’est au capteur que nous ferons référence dans cet ouvrage.

Il existe trois outils permettant de contrôler la lumière en photographie, qui se combinent les uns aux autres pour aboutir à l’exposition d’une photo. Examinons-les l’un après l’autre.

La sensibilité ISO

La valeur ISO (International Standard Organization) mesure le niveau de sensibilité d’une surface à la lumière. En photo numérique, c’est une valeur qui permet à votre capteur de plus ou moins impressionner la lumière amenée par l’objectif.

•Les valeurs ISO les plus basses (100, 200 ISO) correspondent à une faible sensibilité du capteur ; ce sont donc celles que l’on utilise en conditions de forte luminosité (photo à l’extérieur en plein jour, par grand soleil).

•Les valeurs ISO élevées (6 400 ISO maximum pour les appareils récents d’entrée de gamme, mais cela peut monter beaucoup plus haut avec des appareils experts) permettent, elles, de photographier dans des conditions d’éclairage beaucoup plus faibles et donc plus difficiles (photo le soir ou dans une rue sombre, à l’intérieur d’un logement, etc.).

Attention, ces valeurs sont indicatives. Comme nous le verrons par la suite, la sensibilité ISO doit en réalité être adaptée à chaque image en fonction de la luminosité ambiante. Même par grand beau temps, vous pouvez avoir besoin de monter en ISO si vous passez à l’ombre ou si un nuage vient cacher le soleil de façon impromptue.

La contrepartie d’une forte sensibilité à la lumière (valeur ISO élevée) est que l’image risque d’être abîmée par une sorte de grain que l’on appelle le « bruit numérique » et qui sera particulièrement visible dans ses zones sombres. Quand les conditions de lumière le permettent, il est donc fortement conseillé d’utiliser la plus faible valeur ISO possible, afin de préserver la qualité de l’image et d’éviter le « bruit ». Sur les boîtiers numériques d’entrée de gamme, le bruit numérique est généralement visible à partir de 400 ISO.

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Les conditions de forte luminosité ont permis de prendre cette photo avec une sensibilité de 100 ISO. La qualité de l’image est optimale.

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Sur cette image prise à 6 400 ISO, on constate la présence de bruit numérique visible notamment dans les zones sombres comme les cheveux d’Arnaud. Néanmoins, dans les très faibles conditions de lumière de la scène (intérieur, jour de pluie, sans flash), cette forte sensibilité ISO était la condition nécessaire à une image réussie. Sans cela, il aurait fallu utiliser une vitesse très faible, et le risque de flou aurait été très important (voir plus loin « La vitesse d’obturation »), ce qui n’aurait pas permis de figer le mouvement qui est ici le sujet principal de la scène.

L’ouverture du diaphragme

Le diaphragme gère l’entrée de la lumière dans votre objectif à la manière d’un robinet : plus il est ouvert, plus la quantité de lumière qui atteint votre capteur est grande. Pour mieux comprendre le fonctionnement du diaphragme, on peut le comparer à la pupille de l’œil. Quand la lumière est intense, la pupille se rétracte pour limiter l’entrée de lumière dans l’œil. En revanche, la nuit, la pupille se dilate pour laisser passer le plus de lumière possible. Le diaphragme fonctionne exactement de cette manière.

L’ouverture du diaphragme s’exprime avec un nombre précédé d’un f (abréviation de « focale »), par exemple : f/5,6. Cette écriture est souvent source de confusion, car elle semble fonctionner à l’envers : plus le nombre est grand (f/22, par exemple), plus l’ouverture du diaphragme est petite. À l’inverse, un nombre tout petit (f/1,8, par exemple) désignera une très grande ouverture du diaphragme, qui laisse entrer beaucoup de lumière.

L’explication de ce paradoxe est qu’il s’agit en réalité d’une fraction : on divise la distance focale de l’objectif (50 mm, par exemple) par la valeur d’ouverture pour obtenir le diamètre du diaphragme ouvert. Si vous prenez une photo avec un objectif 50 mm en utilisant une ouverture de f/2, l’ouverture du diaphragme sera de 50/2 = 25 mm.

On comprend mieux pourquoi la quantité de lumière entrant par l’objectif est inversement proportionnelle au nombre qui indique l’ouverture : si vous prenez une photo avec ce même objectif mais une ouverture de f/22, le diaphragme aura un diamètre de 50/22 = 2,27 mm, soit une toute petite ouverture !

Les appareils modernes permettent de régler l’ouverture par tiers de diaphragme. Quand vous effectuez les réglages sur votre appareil pour passer de f/2,8 à f/4, cela correspond en réalité à trois étapes : f/3,2, f/3,5, puis f/4. Il faut donc trois « clics » pour passer d’une valeur de diaphragme à une autre. C’est une notion importante sur laquelle nous reviendrons un peu plus loin quand nous jouerons sur l’ensemble du triangle d’exposition.

L’ouverture du diaphragme conditionne aussi ce que l’on appelle la « profondeur de champ ». Celle-ci désigne la plage de votre image qui sera complètement nette du point le plus proche au point le plus éloigné.

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Les valeurs indiquées sur le schéma sont des diaphragmes complets. Chaque fois que vous passez d’un diaphragme au diaphragme supérieur (par exemple, en passant de f/2,8 à f/4), la quantité de lumière atteignant votre cellule est divisée par deux.

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Cette image a été prise avec une petite ouverture de diaphragme (f/13). La profondeur de champ est suffisamment grande pour que les trois frères soient nets malgré la distance qui les sépare, de même que les buissons secs du premier plan ou l’arbre et les nuages à l’arrière-plan.

Une image de paysage où tout semble net jusqu’à l’horizon est un exemple de très grande profondeur de champ. On peut réaliser de telles images en utilisant une ouverture de diaphragme très petite (f/22, par exemple).

À l’inverse, une photo où seul l’élément principal est net et se découpe sur un arrière-plan complètement flou (comme un visage qui se détache sur un fond flou) est un exemple de très faible profondeur de champ (la plage de netteté est très fine). Ces images se réalisent grâce à une ouverture très grande (f/1,8, par exemple).

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Cette photo illustre le fonctionnement d’une faible profondeur de champ (réalisée grâce à une très grande ouverture, de f/1,6). La mise au point a été faite sur les orteils de l’enfant. C’est le seul détail net de l’image ! Tous les éléments situés en arrière du pied (le genou droit, les mains, le visage) sont complètement flous, de même que le drap situé au premier plan.

Attention aux très grandes ouvertures qui peuvent être difficiles à maîtriser. En effet, la plage de netteté est tellement faible qu’au moindre mouvement (de votre sujet ou de vous-même), vous risquez de perdre votre point de netteté.

Certains photographes aiment faire des portraits à pleine ouverture car la très faible profondeur de champ crée de magnifiques flous d’arrière-plan, ce qui peut renforcer l’impact du portrait. Avec des enfants en mouvement néanmoins, le risque de flou est tellement important que le taux de réussite de ces portraits à pleine ouverture est souvent bien plus frustrant que gratifiant.

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Sur cette image, l’ouverture est de f/2,2, créant une plage de netteté très faible. On voit que les yeux (sur lesquels la mise au point a été faite) sont parfaitement nets ; en revanche, le bobo sur le nez qui se situe en avant du point de netteté est déjà flou, de même que les oreilles qui se trouvent, elles, en arrière de ce point.

EN RÉSUMÉ : NET OU FLOU ?

•Petit nombre f = grande ouverture de l’objectif = faible profondeur de champ beaucoup de flou !

•Grand nombre f = petite ouverture de l’objectif = grande profondeur de champ grande plage de netteté !

Cette notion de profondeur de champ a un impact très important en photo de portrait, nous y reviendrons donc plus en détail dans les chapitres suivants afin de comprendre comment l’exploiter de façon créative !

La vitesse d’obturation

La vitesse d’obturation est la durée d’ouverture du diaphragme ; c’est donc la durée pendant laquelle la lumière vient impressionner le capteur. Pour reprendre l’analogie de l’œil utilisée précédemment, la vitesse d’obturation pourrait être comparée à l’intervalle entre deux battements de cils. Elle s’exprime en fractions de seconde (ou en secondes pour les vitesses très lentes). Les vitesses les plus communément employées en portrait se situent entre 1/60 s et 1/1 000 s.

Si cette vitesse est très haute ou rapide (1/1 000 s, par exemple), la lumière n’aura que peu de temps pour impressionner le capteur et entrera peu dans l’objectif. L’intérêt d’une telle vitesse est de pouvoir figer le mouvement : votre capteur ne recevra ce qui se passe que pendant un très bref instant, c’est donc cela qu’il figera sur votre image : une fraction de seconde d’un mouvement.

En revanche, avec une vitesse longue ou lente (de quelques secondes, par exemple), votre capteur recevra une grande quantité de lumière – ce qui est très intéressant en conditions de faible luminosité (le soir, ou en intérieur par exemple) –, mais pourra « voir » ce qui se passe dans votre image pendant un temps assez long. Si vous photographiez un sujet en mouvement, il sera donc flou, car l’image gardera la trace de toutes les différentes positions de son corps pendant ces quelques secondes (on appelle cela le flou « de mouvement »).

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Une vitesse relativement élevée (1/800 s) m’a permis de figer l’action et de garder une image nette malgré le mouvement rapide des enfants.

COMMENT ÉVITER LE FLOU DE BOUGÉ

Attention, lorsque l’on photographie en vitesse basse, le simple fait d’appuyer sur le déclencheur de l’appareil peut créer une vibration suffisante pour que votre image soit floue (on appelle cela le flou « de bougé » – c’est celui qui est généré par le photographe lui-même, et non par le mouvement de son sujet).

Pour éviter le flou de bougé, plusieurs solutions sont possibles :

•garder une vitesse suffisante. On conseille de sélectionner une vitesse au moins supérieure à l’inverse de la focale utilisée (par exemple, 1/100 s ou plus si vous photographiez avec un objectif 100 mm) ;

•stabiliser votre corps et vos bras au moment du déclenchement et bloquer votre respiration ;

•stabiliser votre appareil quand vous devez utiliser une vitesse lente. Fixez-le sur un trépied ou bien posez-le sur une surface stable (muret, table ou autre…) avant de déclencher ;

•employer le retardateur de votre appareil ou une télécommande, afin de ne pas avoir à toucher l’appareil au moment du déclenchement.

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Ici, la photographe a opté pour une vitesse plus lente (1/40 s) afin de garder la trace du mouvement des peluches et des mains d’Anna. Le flou de mouvement est parfois un ennemi en photo (quand il n’est pas intentionnel), mais il peut aussi être exploité de manière créative pour suggérer le mouvement, comme sur cette image.

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Les vitesses exprimées sur le schéma correspondent à des valeurs de diaphragme. Autrement dit, lorsque l’on passe de l’une à l’autre, on multiplie ou divise la quantité de lumière entrant dans l’objectif par deux (photographier à 1/500 s laissera entrer deux fois moins de lumière qu’à 1/250 s).

Comme pour l’ouverture, les appareils modernes permettent de régler la vitesse par tiers de diaphragme. Il faudra donc trois « clics » pour passer de 1/60 s à 1/125 s (1/80, 1/100, puis 1/125) et ainsi diviser par deux la lumière pénétrant jusqu’au capteur.

EN RÉSUMÉ : FLOU DE MOUVEMENT OU SUJET FIGÉ ?

•Vitesse lente = plus de lumière entrant par l’objectif plus de flou de mouvement !

•Vitesse rapide = moins de lumière entrant par l’objectif mouvement figé !

Le triangle d’exposition

Maintenant que vous savez comment fonctionne chacun de ces trois paramètres (ISO, ouverture, vitesse), comment les combiner pour aboutir à une exposition correcte ? Rien de plus facile en théorie, puisque votre appareil dispose d’un outil interne pour vous indiquer quand la bonne quantité de lumière pénètre jusqu’au capteur : la cellule (ou posemètre).

Quand vous regardez dans le viseur de votre appareil, vous y voyez une petite échelle qui va de –2 à +2 et dont le 0 est au centre : c’est l’indication de ce que voit votre cellule. Il s’agit de l’Indice de lumination (IL), ou Exposure Value (EV).

Lorsque vous appuyez sur le déclencheur à mi-course, la cellule calcule la lumière réfléchie par la scène que vous voyez dans le viseur :

•quand celle-ci est sur zéro, la cellule vous indique que la quantité de lumière qui atteint le capteur est présumée correcte pour une bonne exposition ;

•quand elle vous indique une valeur décalée à droite (+1 ou +2 IL, par exemple), cela signifie que la photo sera surexposée : la quantité de lumière est trop importante et votre image sera trop claire, voire complètement délavée ;

•à l’inverse, une valeur décalée à gauche (-1 ou -2 IL, par exemple) indique une image sous-exposée : la lumière est insuffisante et votre image sera trop sombre.

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L’image de gauche est sous-exposée d’un diaphragme. Sans être dramatiquement ratée, elle est néanmoins trop sombre par rapport à la carnation naturelle de ce bébé. L’image de droite a été surexposée d’un diaphragme. L’image est trop claire et délavée par endroits ; on perd des détails du visage (et de l’arrière-plan). L’image du milieu présente la bonne exposition : une peau claire, mais qui garde tous ses détails.

En cas de surexposition ou de sous-exposition, il vous faut ajuster vos réglages pour ramener la cellule à zéro. Pour ce faire, vous avez le choix entre les trois paramètres de votre triangle d’exposition. Prenons un exemple concret.

Vos paramètres actuels sont de 200 ISO, ouverture à f/5,6 et vitesse à 1/400 s. Vous appuyez sur le déclencheur à mi-course, et un coup d’œil à la cellule vous indique que votre image va être sous-exposée de –1 (ce qui signifie : sous-exposée d’un diaphragme), il faut donc augmenter la quantité de lumière pénétrant jusqu’au capteur.

Trois solutions s’offrent à vous :

•augmenter la sensibilité ISO d’un diaphragme (trois clics aboutissent à 400 ISO) ;

•augmenter l’ouverture (donc réduire la valeur f) de trois clics pour obtenir un diaphragme complet (soit une valeur finale de f/4) ;

•diminuer la vitesse d’un diaphragme (soit, là encore, trois clics), en l’amenant à 1/200 s.

Une autre possibilité serait d’ajuster les trois paramètres d’un tiers de diaphragme chacun, on obtiendrait alors :

•ISO : 250 ;

•ouverture : f/5 ;

•vitesse : 1/320 s.

À VOUS DE JOUER !

Photographier en mode Manuel est donc finalement assez simple. À ce stade, vous pouvez tester le principe du triangle d’exposition vous-même.

Prenez votre appareil et réglez-le sur le mode Manuel. Choisissez la valeur ISO correspondant aux conditions de luminosité dans lesquelles vous vous trouvez (100 si vous êtes à l’extérieur un jour ensoleillé, 400 si vous êtes en intérieur près d’une fenêtre, par exemple), choisissez l’ouverture (prenons f/4 pour commencer), appuyez sur le déclencheur à mi-course et regardez dans le viseur ce qu’indique la cellule. Ajustez la vitesse jusqu’à ce que la cellule soit sur 0. Déclenchez.

Vous venez de prendre votre première photo correctement exposée en mode Manuel !

Maintenant, nous allons pouvoir rentrer un peu plus dans le détail, pour comprendre les finesses qui vous permettront d’adapter ces réglages aux images que vous souhaitez produire.

Exposition et choix créatifs

Ce qui fait la magie de la photographie (mais aussi sa complexité), c’est qu’il existe de nombreuses façons d’obtenir une exposition correcte. Pourtant, toutes ne se valent pas. Les choix d’ouverture, de vitesse et de sensibilité ISO ont des conséquences sur ce que votre image va montrer et raconter. C’est l’une des raisons majeures pour lesquelles la photographie en mode Automatique peut devenir extrêmement frustrante. L’ordinateur que contient votre appareil photo est suffisamment sophistiqué pour calculer une bonne exposition. Sauf conditions extrêmes de lumière, vos photos seront le plus souvent « bien exposées » en théorie.

Mais comparons ces trois photos « bien exposées ». Toutes trois ont un point commun : la cellule est à zéro. Néanmoins, elles ne produisent pas le même effet visuel :

•la première (a) a été prise avec une très grande ouverture (f/2), qui produit donc une faible profondeur de champ. La zone de netteté est très fine, isolant complètement Milo (et ses muscles !) de l’arrière-plan ;

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135 mm – 125 ISO – ƒ/2 – 1/320 s

•la deuxième (b) a été prise avec une ouverture plus petite (f/8), qui permet une plus grande plage de netteté. On distingue le détail du feuillage à l’arrière-plan, mais pour cela il a fallu augmenter fortement la sensibilité ISO (1 600) et l’image a perdu en qualité ;

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135 mm – 1 600 ISO – ƒ/8 – 1/250 s

•sur la troisième (c), on a conservé l’ouverture à f/8, mais pour éviter le bruit numérique et donc redescendre en ISO, on a sélectionné une vitesse beaucoup plus lente (1/50 s). Comme Milo était en mouvement, l’image est floue.

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135 mm – 320 ISO – ƒ/8 – 1/50 s

Votre appareil, aussi sophistiqué soit-il, ne peut pas faire les choix à votre place. Il ne peut pas savoir que le sujet va bouger, ni que l’ambiance de cette photo se prête particulièrement bien à une très grande ouverture.

Seul votre œil et votre sens esthétique vous indiquent tout cela. Il vous faut donc prendre le contrôle sur votre appareil !

UN PROBLÈME ? DES SOLUTIONS !

Vous avez maintenant les connaissances nécessaires pour résoudre certains problèmes courants rencontrés en photographie. Voyons quels sont les plus fréquents.

•La photo est trop sombre (sous-exposée). Il faut donc faire entrer plus de lumière. Trois solutions s’offrent à vous : choisir une plus grande ouverture (plus petit nombre f), opter pour une vitesse plus lente ou augmenter la sensibilité ISO.

•La photo est trop claire (surexposée). Il faut diminuer la lumière reçue par le capteur. À nouveau, trois solutions existent : réduire l’ouverture (plus grand nombre f), choisir une vitesse plus élevée ou diminuer la sensibilité ISO.

•La photo est floue. Soit il s’agit d’un flou de bougé (qui provient du photographe) et il faut stabiliser votre corps et votre appareil pour éviter que ce dernier ne tremble au moment du déclenchement, soit c’est le mouvement de votre sujet qui produit ce flou. Dans ce cas, il faut augmenter la vitesse pour figer son mouvement (vous devrez sans doute ajuster l’ouverture et la sensibilité ISO en conséquence pour compenser le manque de lumière).

Comprendre la cellule

Nous avons vu plus haut que la « bonne » exposition théorique s’obtenait en réglant le triangle ouverture/vitesse/ISO de façon à ce que la cellule soit sur 0. En pratique, c’est à la fois vrai et faux.

La cellule a un fonctionnement théorique qui ne convient pas toujours aux conditions du réel. Elle est programmée pour considérer que l’exposition parfaite est une tonalité qui correspond à un gris moyen (ou gris à 18 %). Elle mesure donc la lumière disponible dans l’image et la ramène à une valeur équivalant à un gris moyen.

Quand la lumière de la scène est uniforme avec des tons moyens, le résultat est impeccable. Malheureusement pour le photographe, le monde n’est pas uniquement composé de gris moyen. La réalité peut donc venir considérablement perturber le calcul.

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Pour réaliser cette image, il a fallu surexposer en raison de la prédominance des tons très clairs.

Si vous photographiez votre enfant dans la neige, par exemple, l’image comportera en majorité des tons très clairs – c’est en tout cas ce que vous penserez obtenir. Or, votre cellule cherchera à ramener ces valeurs à l’équivalent d’un gris moyen et assombrira l’image. Par conséquent, si vous l’exposez à 0, vous obtiendrez une photo sous-exposée et une neige toute grise. Contrairement à ce que l’on pourrait penser spontanément, il faut donc volontairement surexposer une scène dont les tons sont très clairs si on veut la restituer le plus fidèlement possible.

À l’inverse, dans un environnement très sombre, la cellule cherchera à éclaircir l’image pour la ramener à une valeur de gris moyen ; il faudra donc sous-exposer pour compenser et éviter que le sujet se trouve surexposé.

Cette notion de sur ou sous-exposition volontaire a une importance fondamentale en portrait ; nous la développerons au chapitre 2.

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Le sable noir de cette plage donnant une majorité de tons foncés à l’image, la cellule aurait éclairci cette dernière pour la ramener à une valeur de gris moyen. Il a donc fallu volontairement sous-exposer la scène pour que le sujet ne soit pas surexposé.

Modes de mesure de lumière (ou mesure d’exposition)

Afin de s’adapter à des conditions de luminosité variées, votre appareil propose plusieurs modes d’exposition correspondant à différents modes de calcul de l’exposition par la cellule.

La mesure Matricielle (ou Évaluative, ou Multizone)

Dans ce mode de mesure de la lumière appelé « Matricielle », « Évaluative » ou « Multizone » selon la marque de votre appareil, la cellule prend en compte la totalité de l’image qui apparaît dans le viseur pour faire son calcul d’exposition. Cette mesure est donc idéale quand la lumière est relativement uniforme et que les tonalités de l’image ne sont pas trop contrastées.

Elle va néanmoins tenter de s’adapter à toutes les conditions de luminosité. Le capteur découpe l’image en zones sur lesquelles il calcule l’intensité lumineuse, et compare ces valeurs à une base de données d’images types, afin de trouver l’exposition parfaite pour votre scène. La mesure Matricielle peut donner de bons résultats, mais aussi performant que soit l’ordinateur derrière ce calcul, il ne peut pas remplacer l’œil humain.

La mesure à Prépondérance centrale

Dans ce deuxième mode de mesure, la cellule considérera l’ensemble de votre image, mais toutes les zones n’auront pas le même poids dans son calcul. L’appellation de cette mesure ne laisse guère de place à la surprise : la lumière de la partie centrale de votre image sera le principal élément pris en compte dans le calcul de l’exposition, et les zones périphériques n’influenceront l’analyse effectuée que dans une moindre mesure.

La mesure Spot (ou Ponctuelle)

Dans ce dernier système, la cellule considérera cette fois un point très précis de l’image : quelques millimètres autour du point central du viseur.

Cette mesure a une importance particulière en portrait, où l’élément le plus important est généralement le visage du sujet, qui est donc la partie de l’image que l’on souhaite exposer correctement, en priorité par rapport au reste. Nous y reviendrons donc en détail dans le deuxième chapitre de ce livre.

Les deux illustrations précédentes sont de bons exemples d’images où la mesure Spot s’avère très utile : elle permet de calculer l’exposition en prenant en compte la peau du sujet, et non l’environnement très sombre ou très clair qui occupe une bonne portion de la scène.

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Zones de calcul des différents modes de mesure de lumière. De gauche à droite : mesures Matricielle, à Prépondérance centrale et Spot.

Les modes d’exposition

Jusqu’ici, nous avons traité uniquement le mode Manuel, qui vous permet d’avoir un contrôle complet sur votre prise de vue. Il existe néanmoins d’autres modes dont on peut dire quelques mots ici.

Le mode Automatique

C’est celui par lequel commencent tous les photographes amateurs qui ne se sont pas encore penchés sur le fonctionnement de l’appareil photo. Selon les modèles d’appareil, il est le plus souvent symbolisé par un carré vert ou la lettre A (pour « automatique »).

En sélectionnant ce mode, vous laissez l’appareil effectuer l’ensemble des réglages à votre place, ce qui aboutit à des résultats assez aléatoires. C’est la principale cause de frustration des utilisateurs qui avaient acheté un boîtier numérique pour faire des photos de qualité et qui obtiennent un très grand nombre de photos floues ou mal exposées. Encore une fois, l’appareil ne peut pas faire les choix à votre place.

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Cette scène a été capturée en Manuel avec les réglages suivants : 2 000 ISO, ouverture de f/2,8, vitesse de 1/1 000 s. Sélectionner une vitesse élevée était intentionnel, pour suspendre en vol mon Superman en herbe. En mode Automatique, mon appareil aurait peut-être choisi 200 ISO pour 1/100 s. Quant à l’exposition, le résultat aurait été identique, mais la vitesse n’aurait pas été suffisante pour figer le mouvement, et mon super-héros n’aurait laissé qu’une trace floue au milieu de l’image.

En conditions de lumière relativement uniforme, le mode Automatique pourra produire des images satisfaisantes, mais dans la plupart des cas, il ne saura pas déterminer ce qui a de l’importance dans votre image d’où l’intérêt de privilégier les modes semi-automatiques décrits ci-après, ou encore mieux : le mode Manuel.

UN EXEMPLE

Vous photographiez votre enfant courant dans la rue et votre appareil choisit arbitrairement une ouverture de f/8 pour une vitesse de 1/80 s. Techniquement, l’image sera « bien exposée », mais concrètement, la vitesse n’est pas suffisante pour figer le mouvement et votre enfant sera flou.

Si vous faisiez les choix vous-même, vous choisiriez naturellement une vitesse plus élevée pour figer la course du petit et sélectionneriez une ouverture plus grande pour compenser l’augmentation de la vitesse.

Le mode Priorité à l’ouverture

Ce mode, également appelé « Priorité ouverture » ou bien encore « Priorité diaphragme », est un mode semi-automatique. Vous choisissez l’ouverture souhaitée qui restera fixe, et l’appareil adaptera la vitesse en fonction des conditions de lumière de manière à bien exposer l’image (bien entendu, vous conservez aussi la main sur le réglage de la sensibilité ISO).

Les modes semi-automatiques sont intéressants dans des conditions où il faut réagir vite et où la lumière est changeante, ce qui peut rendre le mode Manuel un peu fastidieux (puisqu’il faudrait changer les réglages à chaque cliché ou presque).

LA PRIORITÉ À L’OUVERTURE EN PRATIQUE

Imaginons que vous preniez des photos de votre enfant au parc en plein jour, mais que le soleil joue à cache-cache avec les nuages, ce qui rend la mesure de lumière compliquée, car très variable. Il y a un grand nombre d’enfants dans le parc, donc vous souhaitez employer une grande ouverture pour limiter la zone de netteté à votre petit sujet à vous et flouter au maximum le reste de l’environnement afin d’isoler votre bambin de la foule.

Le mode Priorité à l’ouverture serait ici parfait : une ouverture fixe pour une faible profondeur de champ et une vitesse qui s’adapte aux caprices du soleil.

Néanmoins, lorsque l’on photographie des enfants, le mode Priorité à l’ouverture peut être risqué : si la lumière baisse, c’est la vitesse qui va être automatiquement diminuée, et le risque de flou de mouvement sera important. Dans ce mode, il faut donc vérifier très souvent les choix opérés par l’appareil afin de pouvoir adapter la sensibilité ISO ou l’ouverture si la vitesse devient trop basse.

Le mode Priorité à la vitesse

C’est l’autre mode semi-automatique, également appelé « Priorité vitesse », il fonctionne à l’inverse du précédent. Vous choisissez la vitesse (on parle aussi de « temps de pose ») qui restera fixe, et l’appareil réglera automatiquement l’ouverture adaptée à la lumière disponible.

Ce mode peut être très adapté à la photographie d’enfants en mouvement, car la vitesse est un facteur primordial pour éviter le flou de mouvement. Néanmoins, il est important de vérifier en permanence que les choix de l’appareil ne produiront pas d’effets indésirables (par exemple, une profondeur de champ très importante qui laisse trop de place à un arrière-plan déplaisant ou, au contraire, une ouverture trop grande qui rendrait flous des éléments essentiels de l’image).

CONSEIL

Si le mode Manuel vous intimide, ces deux modes semi-automatiques constituent un bon compromis pour prendre progressivement le contrôle de votre appareil. Ils vous rendront plus conscient des choix à effectuer et de leurs effets sur l’image. Utilisez-les comme les petites roues d’un apprenti cycliste, qui sécurisent l’apprentissage jusqu’au moment où on peut enfin s’en passer !

L’histogramme

L’histogramme est un graphique qui représente la répartition de la lumière dans votre image. C’est aussi un outil très pertinent pour évaluer si votre image est correctement exposée et éviter la perte de détails qui accompagne une sur ou sous-exposition.

Votre appareil vous permet de voir deux versions de l’histogramme de vos photos : une en noir et blanc, qui représente l’image dans son intégralité, et une en couleur (rouge, bleu et vert), qui délivre des informations spécifiques sur chacune de ces couleurs.

Limitons-nous à l’histogramme global, en noir et blanc.

Sur cet histogramme, les valeurs claires sont du côté droit (le blanc pur étant le point le plus à droite de l’histogramme) et les valeurs foncées à gauche (le noir pur étant le point le plus à gauche).

Comment lire un histogramme et que doit-on en déduire ?

•Si les lignes de votre histogramme sont complètement collées à droite, cela signifie que vous perdez des détails dans les zones claires de l’image (on dit qu’elles sont « cramées » ou « brûlées »).

•À l’inverse, si elles sont ramassées à gauche, vous perdez des détails dans les zones sombres, qui seront dites « bouchées ».

•Un histogramme qui serait ramassé au milieu du graphique, mais qui ne toucherait ni à droite, ni à gauche manquerait de contraste : l’image serait terne et grisâtre.

L’histogramme peut donc donner des informations importantes au moment de la prise de vue : mon image est-elle sur ou sous-exposée ? Suis-je en train de perdre des informations dans les zones claires ou sombres de l’image ? Ma photo manque-t-elle de contraste ?

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La prédominance des tonalités claires dans cette image est flagrante sur l’histogramme, les quelques rares valeurs foncées (à gauche du graphique) étant constituées par les yeux et les cheveux d’Anna. En revanche, on peut voir que la partie droite du graphique ne « grimpe » pas le long de la paroi. Le blanc des draps ou du mur n’est pas cramé, on peut encore en voir les détails.

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Cette image présente une bien plus grande variété de tonalités : tons moyens du ciel bleu et de la peau, tons sombres des cheveux, tons très clairs des nuages. On retrouve chacune de ces tonalités bien réparties sur l’histogramme. Les sujets sont volontairement sous-exposés, pour préserver l’intensité du ciel et donner à l’image cet impact coloré. La partie droite du graphique « grimpe », ce qui montre que certaines parties du ciel sont tout de même cramées (là où le soleil brille). On a perdu tout détail dans ces parties claires, qui sont devenues un aplat de blanc pur. Comme sur cette image, il n’est pas toujours souhaitable d’éviter les zones brûlées sur une photo. Lorsque l’on photographie un enfant en contre-jour par exemple, le ciel sera souvent brûlé par endroit, ce qui est en fait nécessaire pour obtenir une bonne exposition du visage de notre modèle.

Mise au point, balance des blancs, format d’image

Nous voilà presque au bout de cette découverte technique de notre outil photographique ! Il nous reste néanmoins quelques détails à aborder, qui ont tous leur importance dans la réussite d’une image.

La mise au point

Jusqu’ici, nous avons appris comment gérer la lumière pour obtenir la meilleure exposition possible. Mais si la lumière est l’élément essentiel d’une photo, elle n’est pas le seul paramètre à prendre en compte. La mise au point, en particulier, joue un rôle primordial dans la réussite d’une photo.

En effet, en faisant la mise au point, vous choisissez l’élément de la photo qui sera parfaitement net et qui, par conséquent, attirera l’œil en premier. C’est autour de ce point que se définira la fameuse profondeur de champ dont nous parlions un peu plus haut. Le choix du point de netteté est donc fondamental, puisqu’il va guider le regard là où vous voulez l’amener.

Quand vous regardez dans votre viseur, vous voyez un rond central et un certain nombre de rectangles positionnés autour. Ce sont ce que l’on appelle les « collimateurs » de votre appareil, autrement dit les zones qui vont prendre en charge la mise au point.

Quand vous appuyez sur le déclencheur à mi-course, les collimateurs actifs s’affichent dans le viseur, vous indiquant à quel endroit de votre image va se faire la mise au point.

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Ici, le collimateur actif a été placé sur l’œil du bébé, pour que son regard soit parfaitement net.

Les boîtiers numériques proposent plusieurs modes de mise au point automatique. Ces systèmes font le point soit via :

•le sujet le plus proche. L’appareil analyse l’ensemble de ses collimateurs et fait la mise au point sur celui qui est placé sur l’objet (ou le sujet) le plus proche. C’est un mode qui donne des résultats très aléatoires et qui est à éviter en portrait ;

•un groupe de collimateurs. C’est une solution qui permet de suivre un sujet en mouvement ;

•un collimateur unique. Le collimateur central (par défaut), ou bien un autre des collimateurs sélectionnés par le photographe, sera l’unique point actif et déterminera la mise au point. C’est le seul mode vraiment fiable en portrait, nous y reviendrons plus en détail dans le chapitre 2.

AUTOFOCUS ET CONTRASTE

L’autofocus fonctionne en accrochant un point de contraste. Sans point de contraste, il « patine » (il n’arrive pas à sélectionner la zone de mise au point). C’est pour cela que vous aurez toutes les peines du monde à faire votre mise au point sur une surface unie. Quand votre autofocus patine, cherchez un point dans l’image qui présente suffisamment de contraste pour vous en servir comme support de mise au point.

En outre, vous avez la possibilité de sélectionner le mode d’autofocus adapté à votre prise de vue, selon que votre sujet est statique ou en mouvement.

L’appellation de ces modes autofocus change d’une marque à l’autre, mais ce qu’il faut retenir, c’est que chacun a ses avantages et ses inconvénients. Le mode statique (One shot chez Canon ou AF-S chez Nikon) sera moins fiable sur un sujet en mouvement, mais c’est de loin le mode le plus performant en conditions de basse lumière. Le mode dynamique (Ai Servo chez Canon ou AF-C chez Nikon) permettra de suivre facilement un sujet en mouvement (autofocus qui s’adapte rapidement), mais sera moins fiable dans la pénombre. Les différentes marques proposent généralement un mode autofocus intermédiaire (Ai chez Canon, AF-A chez Nikon) qui tente de concilier rapidité d’adaptation et fiabilité même en conditions de faible contraste. J’avoue ne jamais utiliser ce dernier système, je privilégie toujours le mode Ai Servo pour photographier les enfants sans cesse en mouvement !

La balance des blancs

Toutes les lumières ne sont pas identiques en matière de couleur. La lumière naturelle en milieu de journée est neutre, tandis que l’ombre est un peu plus froide (elle a une teinte légèrement bleu-vert). La lumière au coucher du soleil est très chaude (sa teinte est jaune-orangé), de même que la plupart des lampes artificielles éclairant nos intérieurs (rappelez-vous la ravissante teinte orangée des photos prises dans votre salle de bains). On parle de « température de couleur ».

L’œil humain s’adapte à ces différentes températures jusqu’à ne plus les remarquer, c’est pourquoi le tee-shirt blanc de votre enfant vous paraît blanc quelle que soit l’heure de la journée, à l’intérieur comme à l’extérieur. Mais votre appareil, lui, va rendre fidèlement la réalité, qui ne sera pas forcément une couleur très flatteuse. Une fonction de l’appareil photo permet de corriger la température de couleur perçue par l’appareil de manière à obtenir un rendu plus fidèle à ce que votre œil voit ; il s’agit de la « balance des blancs ».

Le mode Balance des blancs automatique des appareils récents donne le plus souvent des résultats honorables ; il est généralement accessible en pressant un bouton « WB » situé sur l’appareil. En cas de doute sur la bonne restitution des couleurs, n’hésitez pas à l’utiliser.

En dehors de cette balance automatique, votre boîtier vous propose aussi des modes préréglés correspondant à des situations types : Ensoleillé, Ombragé, Nuageux, Fluorescent… (les termes pouvant varier d’une marque à l’autre, je vous invite à consulter le mode d’emploi de votre appareil). Il vous faut évaluer quelle situation est la plus proche de celle où vous vous trouvez et sélectionner ainsi la balance des blancs qui s’adaptera le plus fidèlement à la température de couleur ambiante.

L’idéal est évidemment de faire une balance des blancs personnalisée (qui va donc s’adapter aux conditions exactes de votre image). C’est intéressant, mais difficile à utiliser en pratique quand on fait des photos sur le vif : le temps de faire la balance des blancs et votre petit marcheur est parti dans l’autre pièce, ou le sourire de votre bébé a déjà fait place aux larmes.

Mais si vous passez un long moment dans un même endroit et que vous souhaitez y faire beaucoup de photos, il n’est pas inutile de consacrer quelques secondes à bien régler cette fonction.

COMMENT FAIRE UNE BALANCE DES BLANCS PERSONNALISÉE ?

1.Passez en mise au point manuelle.

2.Prenez une feuille de papier blanc (ou une charte de gris si vous en avez une) et photographiez-la sous l’éclairage ambiant en prenant soin qu’elle remplisse votre cadre.

3.Choisissez le mode Balance des blancs manuelle de votre appareil et sélectionnez l’image que vous venez de prendre comme référence de votre balance des blancs (consultez le manuel de votre appareil pour les instructions spécifiques permettant de sélectionner la balance des blancs manuelle).

Veillez à bien remettre l’autofocus ensuite, et à revenir en mode Balance des blancs automatique si vous changez de lieu ou de température de couleur !

Le format d’enregistrement : RAW ou JPEG ?

La plupart des appareils photo reflex ou hybrides actuels proposent deux formats d’image : RAW et JPEG.

Le JPEG a été pendant très longtemps le format standard de l’image numérique, et c’est encore de très loin le plus répandu. Son poids relativement faible en fait un format facile à stocker ; il est en outre reconnu et utilisé par tous les logiciels de retouche d’images, et il est facile à transférer sur le Web ou par e-mail. Il est donc idéal à bien des égards.

Néanmoins, le format RAW (ce terme anglais signifie « brut ») offre lui aussi des avantages non négligeables, et notamment celui de vous donner plus de contrôle sur votre image. Il contient beaucoup plus de données que le JPEG. Il sera donc possible dans ce format, et à l’aide d’un logiciel de retouche, de « sauver » certaines images qui seraient désespérément fichues en JPEG. On peut aussi, en un simple clic de souris, modifier une balance des blancs.

Mais le format RAW a des inconvénients : l’image contenant beaucoup plus de données, elle est aussi nettement plus lourde et prend donc une place importante en stockage. Si vous ne faites que quelques photos chaque mois, ce ne sera peut-être pas un problème. En revanche, si vous avez tendance à mitrailler vos enfants au jour le jour, vous risquez de devoir faire face à un investissement conséquent en disques durs de stockage.

L’autre inconvénient est que le RAW nécessite d’être retraité par un logiciel de retouche d’images. Sans cela, il vous sera impossible d’exploiter vos photos. Alors soyons clair, si vous ne possédez pas un logiciel de type Photoshop, Lightroom ou Gimp, et si vous n’avez aucune intention de vous former à leur manipulation, le RAW ne vous sera d’aucune utilité, bien au contraire.

VOILÀ ! LE PLUS DUR EST FAIT !

Vous avez désormais toutes les connaissances essentielles pour prendre en main votre appareil et le faire fonctionner comme VOUS le voulez.

Prenez le temps de mettre toutes ces nouvelles compétences en pratique afin d’être complètement à l’aise avec le fonctionnement de base de votre appareil. Nous allons maintenant aborder certains aspects particulièrement importants pour la photo de portrait.

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Spécificités de la photo de portrait

Maintenant que les bases du fonctionnement de votre appareil n’ont plus de secret pour vous, nous allons approfondir certains éléments qui ont une importance particulière quand on s’intéresse au portrait. Photographier un être humain, cela peut être très différent d’une photographie de paysage ou d’objet, car certains éléments sont primordiaux : la prépondérance du visage et de la peau dans les choix d’exposition de votre image, l’importance de la netteté du visage et en particulier des yeux, la prise en compte du mouvement possible (et parfois imprévisible) de votre sujet, et le choix de l’objectif et de la focale en fonction du type de portrait que vous allez réaliser.

Bien exposer les tons de peau

Le premier chapitre de ce livre nous a déjà permis d’esquisser cette idée : en photographie de portrait, le sujet principal de votre image est l’être humain. Les éléments qui l’entourent, même s’ils participent à la composition de l’image, ont généralement une importance moindre que le corps de votre sujet, ou son visage si vous faites un portrait serré.

Vos choix d’exposition doivent donc se concentrer sur l’enfant afin qu’il soit naturellement l’élément attractif de votre image.

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Selon ce que l’on juge important dans cette image, les choix d’exposition seront radicalement différents. Faut-il conserver la couleur et les détails du ciel (et perdre ainsi les détails du visage d’Anna) ou bien privilégier l’enfant au risque de surexposer certaines parties de la photo ? Dans une situation de lumière aussi contrastée, votre appareil ne saura pas faire les choix à votre place ; à vous de le guider !

Fiabilité de la mesure Spot

Nous avons abordé les différents modes de mesure dans le chapitre précédent. Pour réaliser un portrait, seuls deux modes vous permettront d’atteindre de bons résultats : la mesure Matricielle (ou Évaluative) et la mesure Spot. Vous pouvez complètement oublier le reste.

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Sur cette image, l’ombre diffuse une lumière douce et régulière ; la scène est, par ailleurs, en grande majorité composée de tons moyens, sans trop d’éléments contrastés. Dans ces conditions, une mesure Matricielle donnera de bons résultats.

La mesure Matricielle ne fonctionnera néanmoins que dans des conditions particulières : si votre lumière est relativement uniforme et si les tonalités de votre image ne sont pas trop contrastées. En dehors de cela, le système risque d’être mis en défaut.

C’est pourquoi, dans la plupart des cas, il sera préférable d’opter pour la mesure Spot. En effet, en faisant votre mesure de lumière sur une très petite portion de l’image, vous avez la possibilité de cibler la peau de votre sujet. Ainsi, vous aurez la certitude que, quelle que soit la luminosité ambiante ou les tons qui entourent votre enfant, son visage soit parfaitement exposé.

Attention, comme nous l’avons vu dans le chapitre 1, exposer la peau ne veut pas dire obtenir une exposition à zéro. Il va falloir adapter vos réglages aux tons de peau spécifiques de votre enfant.

La peau très pâle d’un bébé sera bien plus claire que le fameux « gris moyen » qui est le repère de votre cellule. Si vous faites votre mesure Spot sur la peau d’un bébé très blanc, vous obtiendrez une image sous-exposée : votre cellule va considérer que la lumière est trop forte, et compenser pour ramener sa carnation de porcelaine à une teinte grisâtre. Il faudra donc surexposer d’environ 2/3, voire un diaphragme (soit deux ou trois « clics »). À l’inverse, il faudra sous-exposer l’image d’un bébé à peau noire pour éviter que votre cellule ne le rende gris.

Chaque carnation a son exposition idéale ; à vous de la trouver en faisant quelques essais. La bonne nouvelle, c’est qu’une fois que vous l’aurez trouvée, elle sera stable, quelle que soit la situation. Que vous photographiiez votre enfant dans sa chambre ou en plein air, il vous suffira de faire une mesure Spot sur sa peau pour savoir immédiatement quelle est l’exposition qu’il vous faut pour réussir votre image !

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Pour m’assurer que la peau de Lucas serait parfaitement exposée, j’ai effectué une mesure Spot sur son visage. Ici, ce système est le plus approprié car les tons majoritairement sombres de l’image (porte noire, sol bleu foncé) auraient faussé tout autre mode de mesure et abouti à un sujet surexposé : la cellule, en tentant de ramener les valeurs de l’image à du gris neutre, les aurait en effet éclaircies pour compenser la majorité de tons sombres de cette photo.

Néanmoins, si votre enfant a tendance à bronzer en été, il faudra sans doute revoir cette exposition idéale et la diminuer d’un ou deux « clics » pour vous adapter à son teint hâlé.

Sacrifier certaines parties de l’image

Gardez bien en tête que le fait de régler votre exposition en fonction des tons de peau peut vous amener à brûler certaines parties de votre image, ou à boucher les zones sombres.

Le soleil, en particulier, sera toujours brûlé. L’intensité lumineuse est telle que l’œil humain ne peut pas distinguer les détails du soleil. Aussi si celui-ci apparaît quelque part dans votre image (ou une portion du ciel très proche des rayons du soleil), cette partie de votre photo sera nécessairement cramée, ce n’est donc pas un défaut. Vous obtiendrez par conséquent un histogramme qui « grimpe » à droite (voir chapitre 1).

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Le contre-jour est l’exemple parfait de l’image qui aura des zones cramées si vous choisissez d’exposer correctement la peau. Ici, on perd des détails dans le ciel et sur le bitume en raison du très fort soleil. Ce qui pourrait apparaître comme un défaut fait en réalité partie de l’ambiance de l’image et de l’énergie très forte qui s’en dégage.

Sur la plupart des reflex et hybrides récents, vous pouvez activer une option qui vous permet de visualiser à l’écran quelles sont les zones cramées en les faisant apparaître en surbrillance. Ainsi vous pouvez éventuellement corriger votre exposition pour les photos suivantes si vous perdez des zones importantes de votre image.

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Les zones rouges qui apparaissent en surbrillance sur le haut de la photo désignent les parties de l’image où les valeurs sont cramées (elles seront donc sans aucun détail). Il s’agit ici de portions de ciel trop fortement éclairées par le soleil, qui ne sont pas essentielles à l’histoire que raconte cette photo. Le choix a donc été fait de les sacrifier pour obtenir une exposition idéale des jumelles Manon et Romane.

Mode d’emploi de la mesure Spot

Maintenant que vous avez compris tout l’intérêt de la mesure Spot, vous êtes prêt à la mettre en pratique.

1.Choisissez le point de votre image où faire votre mesure : on recommande le plus souvent d’utiliser le front (s’il n’est pas recouvert par une frange ou un chapeau) ou l’une des parties périphériques de la joue. L’important est d’éviter les parties du visage un peu trop teintées (les pommettes par exemple, qui ont facilement tendance à rougir, surtout chez les bébés).

Si une partie du visage est dans l’ombre et l’autre dans la lumière, c’est la partie la plus éclairée du visage qu’il faudra viser. En effet, si vous choisissez de bien exposer une partie sombre du visage, la partie claire risque d’être cramée.

2.Placez votre collimateur central sur la zone choisie (ou n’importe quel collimateur actif si vous avez un appareil Nikon) et enfoncez votre déclencheur à mi-course pour faire votre mesure de lumière.

3.Relâchez le déclencheur et faites vos réglages pour aboutir à l’exposition voulue (exemple : +1 pour un bébé à peau très claire).

4.Déclenchez et vérifiez sur votre écran que ce réglage d’exposition ne vous amène pas à sacrifier une trop grande partie de l’image. Si c’est le cas, il faudra peut-être reconsidérer vos choix : soit accepter d’avoir une peau sous-exposée, soit changer les conditions de lumière (par exemple, en vous plaçant à l’ombre pour obtenir une lumière plus douce et uniforme).

UNE SEULE MESURE POUR CHAQUE SCÈNE

Heureusement, il n’est pas nécessaire de faire votre mesure à chaque image. Tant que vous restez dans un même endroit avec des conditions de lumière similaires, vous pouvez garder les mêmes réglages pour toute une série de photos.

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Cette série d’images a été réalisée après une mesure Spot sur la joue d’Anna. Les réglages sont ensuite restés identiques pour toutes les autres vues.

L’œil comme élément principal

Nous l’avons évoqué au chapitre 1 : quand une image inclut un visage, le regard du spectateur est immédiatement attiré par les yeux du sujet. À moins que vous ayez une intention créative particulière qui vous pousse à choisir un autre élément de votre image comme point principal d’attention (voir la page 47 « Brisez les règles »), vous devez donc faire en sorte que votre mise au point tombe sur l’œil.

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Dans une telle scène, si vous laissez votre appareil choisir le point de netteté, c’est la porte située au premier plan qui serait nette, et non le moment de tendresse qui se déroule derrière. Pour le saisir, il fallait faire le point sur le bébé.

Mise au point sur l’œil

Lorsque vous souhaitez faire la mise au point sur l’œil de votre enfant, plusieurs éléments sont à prendre en considération.

Rappelons que vous avez la possibilité de choisir votre collimateur actif, et qu’il est fortement recommandé de le faire pour obtenir de bons résultats. Comme nous l’avons vu au chapitre 1, le collimateur désigne le point à l’intérieur de votre cadre où la mise au point automatique (autofocus) va se faire. Selon les fabricants et le modèle de votre appareil, le nombre de ses collimateurs est variable. Vous pouvez les visualiser à travers votre viseur, et surtout, lorsque vous faites votre mise au point, le collimateur qui est actif va s’allumer, pour vous montrer à quel endroit la netteté va se faire. Vous avez la possibilité de changer manuellement ce collimateur actif, pour choisir celui qui convient le mieux à votre image.

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Le point rouge sur l’œil de Nina indique l’endroit où le collimateur actif était positionné et donc la zone sur laquelle la mise au point a été faite.

Lorsque vous sélectionnez votre collimateur (autrement dit, l’endroit où vous souhaitez faire votre mise au point), certains éléments doivent guider votre choix.

D’abord, pour fonctionner avec exactitude, votre autofocus a besoin d’accrocher un point de contraste. Visez le coin interne de l’œil (au niveau du canal lacrymal) pour obtenir le meilleur résultat possible.

Quand vous photographiez en plongée (vue de haut), ou si les yeux sont fermés, les cils vous offrent aussi un point d’ancrage parfait en raison du fort contraste qu’ils forment avec la peau.

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Ici, il n’est plus nécessaire de viser le coin interne de l’œil. N’importe quelle partie des cils offre suffisamment de contraste pour assurer une netteté parfaite.

Ensuite, quand vous choisissez l’endroit sur lequel faire votre mise au point, il est intéressant de savoir que la plage de netteté sera plus importante à l’arrière de ce point qu’à l’avant (la proportion varie en fonction de plusieurs facteurs, mais vous pouvez retenir qu’en règle générale, un tiers de votre profondeur de champ sera à l’avant, deux tiers seront à l’arrière). Lorsque votre sujet fait face à l’appareil et que ses deux yeux sont situés dans le même plan comme sur la photo de Nina, le choix de l’œil sur lequel vous allez faire votre mise au point a peu d’importance. En revanche, si son visage fait un angle avec l’objectif (par exemple, en position de trois quarts), mieux vaudra viser l’œil le plus proche de l’appareil.

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Sur cette image, le visage de Mia est légèrement tourné, mais en choisissant une ouverture moyenne (f/6,3) et en visant l’œil le plus proche de l’objectif, on réussit à obtenir un regard bien net.

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Quand la profondeur de champ est trop faible (comme sur cette image prise avec une ouverture de f/2,8), il est parfois impossible d’avoir les deux yeux nets. Dans ce cas, le fait de privilégier l’œil le plus proche de l’objectif (qui est celui sur lequel le regard vient se poser naturellement) permet de donner une illusion de netteté sur l’ensemble de l’image.

Cette règle s’applique aussi lorsque vous photographiez deux sujets dans la même image, et qu’ils ne sont pas alignés : faites le point sur le sujet le plus proche de vous. Cela donnera de meilleurs résultats, puisque la plus grande plage de netteté se situe à l’arrière de votre mise au point.

L’IMPORTANCE DE CHOISIR SON COLLIMATEUR

Nous l’avons déjà évoqué dans le chapitre 1, mais c’est un élément essentiel qui mérite d’être répété ici : pour une netteté parfaite de l’œil, en particulier lorsque vous utilisez de grandes ouvertures, il vous faudra choisir le collimateur que vous pouvez placer directement sur l’œil afin de déclencher sans avoir à recadrer.

En effet, si vous choisissiez de garder votre autofocus sur le point central (en faisant votre mise au point sur l’œil, puis en recadrant l’image avant de déclencher), vous auriez un risque important d’obtenir un œil flou, car votre plage de netteté se déplace en même temps que votre cadre.

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Pour que cette image soit réussie, il faut que le visage d’Arnaud soit bien net, afin de capter son expression de joie pure. Si vous aviez choisi de faire le point dessus avec le collimateur central, puis de recadrer la photo pour que la tête prenne sa place en haut du cadre, la plage de netteté se serait déplacée en même temps que votre appareil, et son visage aurait finalement été flou.

L’AVANTAGE D’UN HYBRIDE

La plupart des hybrides récents, quelle que soit leur marque, proposent une fonction Suivi AF qui permet de suivre l’œil ou le visage d’un sujet humain, qui est automatiquement reconnu par l’appareil. Quand vous activez cette fonction, vous voyez le collimateur se déplacer tout seul en suivant le mouvement de votre sujet sans que vous ayez à le faire vous-même manuellement, ce qui est particulièrement utile quand on photographie un enfant en perpétuel mouvement. Au fil du temps, cette fonction est devenue remarquablement fiable. Pour tous les photographes qui l’ont testée, il devient ensuite difficile de s’en passer ! C’est l’une des nombreuses raisons pour lesquelles les portraitistes désertent petit à petit le marché des reflex pour s’équiper d’hybrides.

Brisez les règles

Vous pouvez aussi décider délibérément de ne pas choisir l’œil comme point de netteté. Ce choix créatif vous permettra d’attirer le regard sur une autre partie de l’image que le visage et changera ainsi le point de vue sur ce qui est en train de se passer.

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En faisant la mise au point sur la main de Milo et non sur son visage, je raconte ce qu’il veut montrer : la grosse bulle qu’il est tout fier d’avoir capturée. Ici, l’angle de vue choisi permet quand même d’inclure son visage, flou à l’arrière-plan, sans qu’il soit caché par sa main. Cet effet créatif est rendu possible par la très faible profondeur de champ obtenue : l’ouverture du diaphragme est de f/2,8.

Encore une fois, c’est bien votre intention de photographe – que voulez-vous montrer, raconter ? – qui doit guider vos choix et qui donnera de la personnalité à vos images, d’où l’intérêt de prendre la main sur les réglages de votre appareil !

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Pour mettre l’accent sur la concentration de Cooper, il était bien plus intéressant de faire le point sur sa main appliquée à réussir son exercice, plutôt que sur sa tête qui, ici, n’apporte pas grand-chose à l’image.

Autofocus et mouvement

Quand votre sujet est en mouvement, le mode Autofocus dynamique (Ai Servo chez Canon ou AF-C chez Nikon) est votre meilleur ami, puisqu’il suit les variations de distance de celui-ci. Pour que la mise en point se fasse en continu pendant que votre sujet se déplace, il faut que vous mainteniez votre doigt appuyé à mi-course sur le déclencheur, ou bien sur le bouton arrière si vous l’utilisez (voir ci-après). C’est donc le mode que vous allez privilégier si votre enfant marche ou rampe, et c’est le seul mode adapté lorsque vous voulez capter des actions très rapides, comme un enfant qui saute ou qui fait de la balançoire.

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Lorsque Jeanne se balance entre les mains de ses parents, la distance qui la sépare de l’objectif change continuellement. Le mode Ai Servo est donc le plus efficace pour que l’autofocus puisse adapter la mise au point aussi vite que possible, en suivant le mouvement. 135 mm – 500 ISO – ƒ/2,8 – 1/1 000 s.

Par ailleurs, la plupart des appareils photo reflex et hybrides modernes possèdent une fonction avancée qui présente un intérêt pour fiabiliser la mise au point : l’utilisation d’un bouton arrière.

Par défaut, la mise au point de votre appareil se fait par le déclencheur : vous enfoncez le bouton à mi-course, et l’autofocus se met en route. L’inconvénient de cette méthode est que la mise au point et le déclenchement dépendent donc du même bouton, ce qui assure moins de fiabilité qu’un bouton totalement dédié à la mise au point.

Imaginons un enfant qui court dans votre direction. Vous utilisez un mode Autofocus dynamique, comme mentionné ci-dessus. Lorsque vous appuyez à mi-course pour faire le point, puis que vous déclenchez, il y a nécessairement une fraction de seconde qui sépare ces deux gestes. Cette fraction de seconde peut être suffisante pour que votre sujet sorte de la plage de netteté (surtout si votre ouverture est grande, et donc votre profondeur de champ très fine) et qu’il soit donc flou. En revanche, si votre autofocus est dirigé par le bouton arrière, vous pouvez maintenir votre doigt constamment appuyé sur ce bouton afin que la mise au point se mette à jour en continu et déclencher simultanément. Il n’y aura donc aucun délai entre le moment où vous faites la mise au point avec votre pouce et celui où vous déclenchez avec votre index.

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Lou-Ann vole vers l’appareil pour son plus grand plaisir. La mise au point est très délicate dans une image comme celle-ci, car la distance entre le sujet et l’objectif change à chaque instant. Combiner un mode Autofocus dynamique et le bouton arrière pour la mise au point m’a permis de déjouer cette difficulté et de capturer sa bouille ravie !

Ce réglage s’effectue dans le menu de votre appareil et dépend de la marque que vous utilisez (reportez-vous à votre manuel pour le paramétrage). Les touches couramment utilisées pour la mise au point par bouton arrière sont : *, ou AF-ON, ou AF-L.

S’ENTRAÎNER POUR ACQUÉRIR LA TECHNIQUE

Dans certaines situations, l’utilisation du bouton arrière ne fera aucune différence. Mais dans d’autres, il vous permettra d’obtenir un pourcentage bien plus élevé d’images parfaitement nettes. Il est donc intéressant de tester cette fonction et de vous entraîner quelques jours pour bien la maîtriser (il faut un temps d’adaptation pour acquérir de nouveaux réflexes, mais les résultats en valent largement la peine).

Choix de l’objectif et de la focale

Nous parlions au chapitre 1 de la réaction du novice qui, épaté par la magnifique photo que vous venez de lui montrer, s’enquiert immédiatement de la marque de votre appareil. À ce stade de votre lecture, vous avez compris depuis longtemps que ce n’est pas l’appareil qui fait la photo, mais bien celui qui prend les décisions techniques et artistiques qui conduiront ou non à une image réussie.

Néanmoins, notre novice en quête de conseils pour ses achats futurs aurait pu poser une question qui aurait eu son importance. Non pas : « C’est quoi ton appareil ? » mais plutôt : « C’est quoi ton objectif ? ». En effet, le choix de l’objectif et de la focale peuvent avoir un impact déterminant sur le rendu de votre image ; voyons ensemble pourquoi.

Impact sur la profondeur de champ

Au chapitre 1, nous avons vu que l’ouverture du diaphragme a un impact sur la profondeur de champ, c’est-à-dire sur la partie de votre image qui sera nette. En réalité, deux autres facteurs viennent influer sur la profondeur de champ : la focale utilisée et la distance à laquelle vous vous situez par rapport à votre sujet.

Prenons un exemple : vous photographiez votre enfant avec un boîtier d’entrée de gamme, à une distance d’environ un mètre, avec une ouverture de f/4. Attention, chacune de ces informations est importante !

•Si vous utilisez un objectif 24 mm, votre profondeur de champ (et donc, votre plage de netteté) sera d’environ 35 cm.

•Si vous utilisez un objectif 100 mm, la plage de netteté sera d’à peine 1,8 cm !

Dans le premier cas, si vous faites le point sur l’œil de votre sujet, la plage de netteté englobera la totalité de sa tête (et de son corps s’il est debout). Dans le second cas, seul son œil sera net : le bout de son nez (s’il est face à vous) sera déjà flou.

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Cette image a été réalisée avec un téléobjectif (135 mm) et une large ouverture (f/2,8), à une distance d’environ 1 m de Jeanne. La profondeur de champ est donc tellement faible que seul son œil est net. Ses cheveux (qui se situent à l’arrière et à l’avant du point de netteté) sont flous.

Le choix de votre focale aura donc un impact très important sur votre profondeur de champ, mais la distance à laquelle vous vous situez par rapport à votre sujet joue, elle aussi, un rôle.

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Roxane a été photographiée avec le même téléobjectif que Jeanne mais, cette fois, la distance entre l’appareil et le sujet était d’environ 4 m. Grâce au recul qui a été pris, tout le corps de Roxane est bien net. Vous comprenez donc bien combien votre distance au sujet peut être décisive par rapport à l’image que vous voulez obtenir.

Si on reprend l’exemple précédent (objectif 100 mm à f/4) mais qu’au lieu de vous situer à un mètre de l’enfant, vous reculez à 4 m de distance, votre profondeur de champ sera de 32 cm environ au lieu du 1,8 cm initial !

EN QUELQUES MOTS

•Plus vous êtes loin de votre sujet et plus la profondeur de champ est large. Vous pouvez donc utiliser une plus grande ouverture tout en gardant vos sujets nets.

•Plus la focale est longue et plus la profondeur de champ est réduite. Si vous utilisez un téléobjectif et que vous voulez augmenter la plage de netteté, il vous faudra donc reculer.

•Si vous utilisez un zoom et que vous dézoomez sans changer votre distance par rapport à votre sujet, la profondeur de champ va augmenter.

Enfin, sachez que le choix de votre objectif va aussi jouer sur ce que l’on appelle le « bokeh », c’est-à-dire le flou d’arrière-plan de votre image sur lequel votre sujet va se détacher. La qualité esthétique de cette zone de flou dépend de la performance de votre objectif. Plus il est haut de gamme (c’est, en particulier, le nombre de lamelles dont est constitué votre diaphragme qui influence la forme du bokeh) et plus le flou d’arrière-plan sera agréable. Les objectifs très lumineux (permettant une grande ouverture) et les téléobjectifs sont connus pour rendre des bokeh très harmonieux. C’est pourquoi les focales fixes ont généralement des bokeh plus prisés que les zooms, car elles permettent de photographier à plus grande ouverture.

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Le gros avantage d’un zoom (ici, le Canon 24-70 mm 2,8L II) est qu’il permet d’ajuster le cadrage rapidement en cas de mouvement imprévu. Le bokeh sur cette image est certes moins doux et magique que sur les photos précédentes prises au 135 mm, mais l’image reste néanmoins de grande qualité, et la possibilité de passer en grand-angle pour suivre la course de Camille a permis de ne rien rater de ce moment ludique et dynamique.

Focale et distorsion

Le choix de la focale n’a pas pour seul impact celui de la profondeur de champ, il affecte aussi l’aspect de votre image.

Les objectifs grands-angles (par exemple, 24 mm ou moins) produisent une distorsion qui allonge les éléments proches des bords de l’image. Lorsque l’on photographie un visage de très près, par exemple, l’effet peut créer des images amusantes (comme dans le portrait d’Hugo, ci-après), mais attention, cette déformation est aussi très disgracieuse quand le sujet est positionné trop près du bord du cadre.

Aussi lorsque vous photographiez avec un grand-angle, pensez à toujours placer vos sujets dans les deux tiers centraux de votre image (comme sur le portrait d’Hugo) et non à la périphérie, afin d’éviter qu’ils soient déformés.

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Les traits du visage d’Hugo sont exagérés par le grand-angle. Déformer ainsi le visage d’un adulte serait sans doute peu apprécié par votre modèle, mais dans le cas d’un enfant aux traits fins et doux, la déformation n’est pas gênante, et renforce la présence de son sourire et de ses grands yeux dans l’image. 24 mm – 160 ISO – ƒ/3,2 – 1/250 s.

À l’inverse, les focales longues (par exemple, le 135 mm que nous avons vu plusieurs fois précédemment) ont tendance à aplatir, ce qui est souvent considéré comme flatteur en portrait (le nez apparaît ainsi plus court). C’est pour cette raison que les focales de 85-100 mm sont très appréciées en portrait.

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Ces trois images d’un même visage montrent bien le phénomène de distorsion. En haut à gauche, un portrait au 24 mm : les traits de Milo sont déformés. En haut à droite, une focale de 70 mm : les proportions de son visage sont réalistes. En bas, un portrait au 135 mm : le visage est adouci, les traits semblent plus fins, les pommettes et le nez sont moins saillants.

Une focale « normale » de 50 mm donne un rendu très proche de ce que voit l’œil humain. Le résultat n’est ni déformé, ni particulièrement flatteur… Juste réaliste. C’est pour cette raison que de nombreux photographes considèrent le 50 mm comme l’objectif « roi » du portrait.

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Ici, l’angle de vue est similaire à celui de la photo d’Hugo en page précédente, mais l’usage d’un 50 mm permet de garder une proportion réaliste dans les traits du visage d’Annie.

Focale et choix narratifs

Enfin, le choix de votre focale a un impact direct sur l’histoire que vous allez raconter. Le grand-angle permet d’intégrer le contexte de l’image, tandis que le téléobjectif, en nous rapprochant du sujet, donne une impression de plus grande intimité et se focalise sur l’émotion et/ou les détails.

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L’utilisation du grand-angle (24 mm) donne une dimension exagérée au livre, ce qui permet au spectateur de se placer dans la peau des deux enfants, pour qui ce très grand livre a des proportions de géant.

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En zoomant un peu (58 mm) et en resserrant le cadre, on montre un aspect différent de ce même moment : la proximité et la complicité des deux frères, ainsi que leur concentration extrême sur cette activité commune.

Ce dernier exemple montre à quel point, au-delà des aspects techniques, tous les choix que vous faites lorsque vous prenez une photo (l’ouverture choisie, la zone de mise au point, le type d’exposition, ou même la focale de votre objectif) sont au service de votre vision, et à quel point chacun de ces choix influence l’histoire que vous racontez au travers de votre image.

Le chapitre suivant va vous permettre d’aller plus loin dans l’expression de cette vision, en développant votre potentiel créatif !

3

Composition et choix créatifs

Lorsque l’on commence à prendre le contrôle de son appareil, il est fréquent que la préoccupation pour les choix techniques et les différents réglages se mette à prendre toute la place, jusqu’à en oublier de vraiment regarder ce que l’on est en train de photographier. Ce troisième chapitre vous propose de mettre de côté la technique pour exprimer votre créativité. Nous allons, au fil des pages qui suivent, tenter d’aiguiser votre œil. Ainsi, vous porterez sur vos images un regard nouveau et donnerez une dimension inédite à vos photos.

Ces conseils vous seront utiles, quel que soit le matériel que vous utilisez : même lorsque l’on prend une photo avec son téléphone portable, on peut en faire une image mémorable en appliquant quelques choix créatifs.

Composez vos images

La façon dont vous composez vos images est tout aussi importante que leurs qualités techniques. Une image parfaitement exposée, mais mal composée sera au mieux sans intérêt, et au pire désagréable à regarder. Il est donc particulièrement important d’apprendre à placer votre enfant (et les différents éléments constituant votre image) à l’intérieur du cadre.

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Voici un exemple parfait de l’utilisation de la règle des tiers dont nous parlerons un peu plus loin. Ce n’est pas la seule règle de composition employée avec succès dans cette image : les rideaux créent un cadre à l’intérieur du cadre, et les lignes verticales de la fenêtre (ainsi que les diagonales de soleil sur le sol et le cadre horizontal créé par le mur) guident inexorablement le regard vers Becket et son ami à fourrure.

Quelques principes de base

La chose la plus importante que vous puissiez faire pour améliorer vos images est tout simplement de ralentir. Lorsque vous composez une image, votre pire ennemie est la précipitation. En vous ruant sur votre appareil pour attraper le moment qui se présente, vous risquez d’oublier de réellement observer ce qui se passe à travers votre objectif. Prenez le temps de regarder la scène, déplacez-vous pour choisir le meilleur angle de vue et constatez l’impact qu’un mouvement de quelques centimètres peut avoir sur la composition de votre image.

Deuxième règle essentielle : demandez-vous quel est le sujet de votre image. La réponse évidente semble être « mon enfant », mais en réalité elle n’est pas toujours aussi simple. Même lorsque vous photographiez un enfant, votre sujet peut être en réalité le moment que vous souhaitez capturer (ses premiers pas, par exemple), ou bien une atmosphère (la douceur du câlin du soir), ou encore une émotion (la mine renfrognée de votre terreur de deux ans)… Selon ce que vous souhaitez saisir, vous ne composerez pas votre image de la même manière ni n’utiliserez le même point de vue. Avoir conscience de son sujet en amont est donc extrêmement important.

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Cette image n’est pas juste un portrait de Stella. En créant un cadre très large pour englober le contexte de la photo, Sarah nous donne à voir l’essence même de cet âge charnière qu’est celui où l’enfant commence à marcher : Stella est encore une toute petite puce qui semble un peu perdue dans cet environnement trop grand pour elle, mais aussi déjà une enfant indépendante, qui ne craint plus de s’éloigner de sa mère restée en arrière.

Les deux principes énoncés précédemment doivent vous permettre de choisir à bon escient l’orientation de votre image. En effet, passer d’une composition horizontale à une composition verticale peut changer radicalement l’histoire que raconte votre image.

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La composition horizontale permet d’ouvrir l’espace devant Luna, mettant ainsi l’accent sur le mouvement et l’énergie du moment.

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La composition verticale, en revanche, raconte ici une histoire plus intime, centrée sur l’attitude et l’émotion.

Une fois l’orientation choisie, viendra la question de votre distance par rapport à la scène. Voulez-vous remplir le cadre avec votre sujet ou bien, au contraire, laisser parler le contexte de l’image en l’incluant dans votre cadre ?

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Un cadrage serré sur Anna et son papa aurait mis l’accent sur leur complicité, mais le fait d’inclure l’environnement ajoute une nouvelle dimension à l’image : le cadre serein, leur solitude, la beauté du paysage racontent l’ambiance particulière de ce moment.

Enfin, pensez à varier vos angles de vue. Le réflexe naturel de tout photographe est de cadrer à hauteur de son regard. Ce n’est pas forcément un mauvais choix, mais les images qui en résultent peuvent être assez répétitives. N’hésitez pas à bouger pour changer de point de vue sur la scène : mettez-vous sur la pointe des pieds, allongez-vous par terre, montez sur une chaise, rapprochez-vous… Soyez mobile !

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Ces trois images documentent le même moment, en utilisant des points de vue radicalement différents, qui se complètent pour donner une vision multiple de la scène. Sarah a choisi de ne jamais photographier Stella à hauteur de regard, pour que le sujet de l’image ne soit pas son visage comme dans un portrait classique, mais bien le langage de son corps et sa concentration d’exploratrice en herbe.

La règle des tiers et ses alternatives

La règle des tiers est probablement la règle de composition la plus couramment appliquée en photographie. Elle consiste à diviser l’image en trois tiers horizontaux et trois tiers verticaux, créant ainsi neuf zones de taille égale. Cette règle recommande de placer les éléments les plus importants de la photo aux points d’intersection de ces lignes. La composition ainsi obtenue est beaucoup plus dynamique et visuellement plus intéressante qu’une composition centrée (nous verrons plus loin qu’il y a néanmoins des exceptions à cette règle).

En portrait, c’est généralement l’œil que l’on va tenter de placer sur l’un de ces points d’intersection, ou au moins le visage s’il s’agit d’un portrait en pied ou si l’œil n’est pas visible dans l’image.

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Dans un portrait serré, on place généralement l’un des deux yeux sur l’un ou l’autre des points d’intersection supérieurs.

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Quand la ligne d’horizon est présente dans la scène, il est recommandé de la positionner aussi proche que possible de l’une des lignes de tiers horizontales pour équilibrer la composition de l’image.

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Pour un portrait en pied, on positionne le corps sur l’une des lignes verticales, le visage étant idéalement placé au point d’intersection.

Néanmoins (et heureusement !), la règle des tiers est loin d’être la seule possibilité pour composer vos images. Si vous vous intéressez à l’architecture, vous aurez sans doute entendu parler du nombre d’or, utilisé pour calculer des proportions harmonieuses. Ce même nombre d’or a aussi été employé en photographie comme variante de la règle des tiers, qui découpe l’image en zones légèrement différentes.

Ensuite, plutôt que de s’intéresser aux lignes horizontales et verticales de l’image, on peut aussi choisir de la structurer en fonction des diagonales, comme sur les images ci-dessous.

Ces diagonales peuvent être matérialisées dans l’image (par une ligne physique ou une partie du corps, comme ci-dessous), ou complètement implicites, constituées par le seul regard comme sur le portrait d’Anna.

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Les proportions du nombre d’or rapportées au portrait donnent une composition équilibrée, où l’œil est plus proche du centre que dans la règle des tiers, mais tout en gardant un certain dynamisme visuel.

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On trouve ici une belle diagonale qui suit l’angle de la main et du bras du papa et qui vient rencontrer la ligne des orteils de son nouveau-né de quelques jours à peine.

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Voici un exemple de diagonale implicite créée par le regard rêveur d’Anna, et soutenue par l’angle oblique de ses yeux.

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On peut créer une diagonale en jouant sur le positionnement des sujets dans l’image. Ici, même si elle n’est pas parfaitement superposée avec la diagonale du cadre, il existe une ligne dynamique qui suit les visages de Lou-Ann et de son papa et qui nous guide droit vers celui de Michelle. Elle est renforcée par la ligne implicite de leurs regards.

Écueils à éviter

Voici une liste d’erreurs fréquemment commises par les photographes débutants et qui peuvent facilement être évitées dès lors que l’on prend conscience de l’effet produit.

•Laissez les extrémités intactes ! Un doigt oublié ou un orteil coupé attirent le regard, qui cherche l’élément manquant hors du cadre. Si la main de votre enfant fait partie du cadre, alors tous les doigts doivent être visibles dans leur intégralité. Si ses jambes sont sur la photo, ses pieds doivent l’être aussi.

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Le sourire d’Alma reste l’élément principal de cette image, néanmoins, les doigts manquants de sa main gauche attirent inexorablement le regard vers le bas. Lorsque les extrémités sont partiellement coupées à la prise de vue, mieux vaut opter pour un recadrage franc et net qui permette de se concentrer à nouveau sur l’expression de l’enfant, comme ici dans le deuxième exemple.

•Évitez autant que possible de couper le sommet du crâne. Il vaut mieux soit laisser la tête intacte jusqu’au bout des cheveux, soit au contraire placer franchement le bord de votre image au milieu du front : on verra ainsi que le cadrage est intentionnel.

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Quand vous n’avez pas le recul nécessaire pour inclure la totalité du crâne, il vaut mieux opter pour un portrait plus serré et une coupe plus franche de votre modèle qui mette en valeur son regard.

•Regardez attentivement la ligne d’horizon, ou toutes les lignes horizontales ou verticales susceptibles de servir de repère dans votre image, et redressez-les. Les apprentis photographes ont tendance à penser qu’une photo penchée est plus « artistique ». En réalité, elle ne le sera que si l’angle choisi a réellement une intention créative. La plupart du temps, la photo penchée donne juste une impression de déséquilibre inconfortable.

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Sur la première image, l’horizon penché donne l’impression que les personnages sont en train de tomber. Le fait de redresser l’horizon permet d’obtenir une image beaucoup plus équilibrée.

•Méfiez-vous des éléments perturbateurs. Autant que possible, évitez que la ligne d’horizon (ou toute autre ligne horizontale ou verticale) ne traverse la tête de votre sujet.

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Ici, l’envie de capturer le moment a pris le pas sur l’attention portée à la composition. Il aurait suffi d’un léger changement d’angle pour que la ligne d’horizon soit au-dessus de la tête d’Arnaud et crée un cadre intéressant dans l’image, au lieu de la traverser et de perturber ainsi le regard.

•Enfin, ne coupez jamais les articulations. C’est une règle essentielle en portrait : si le bord de votre cadre vient sectionner une articulation (genou, coude, cheville, cou…), le résultat sera inconfortable à regarder. Lorsque vous faites un portrait serré ou de trois quarts et que vous devez donc exclure une partie du corps de votre cadre, faites attention à couper entre les articulations (par exemple, à mi-cuisse, au milieu du bras, etc.).

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Ici, le cadre vient couper les jambes de Milo au niveau des genoux, donnant une impression d’inconfort au spectateur. En déplaçant le cadre de quelques centimètres vers le haut, on aurait obtenu une composition plus agréable.

ATTENTION À VOS ARRIÈRE-PLANS !

Regardez attentivement ce qui se passe derrière votre sujet. Est-ce que ce que l’on y voit a du sens dans votre image ? Cette voiture ou cette poubelle juste derrière votre enfant servent-elles réellement l’image que vous voulez conserver, ou bien vont-elles distraire le regard de votre sujet principal ?

Il suffit souvent de se déplacer de quelques pas ou de changer son angle de vue (prenez de la hauteur ou accroupissez-vous) pour éliminer du cadre les éléments gênants.

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Parfois, il n’est pas possible d’éviter un arrière-plan chargé, soit parce que le temps de déplacer l’enfant ou de se déplacer soi-même risquerait de faire manquer un moment important, soit parce qu’il n’y a tout simplement pas d’autre arrière-plan disponible. Dans ce cas, une faible profondeur de champ sera votre meilleure amie : optez pour une ouverture aussi grande que possible (petit nombre f) afin que l’arrière-plan soit flou.

Quelques pistes créatives

Maintenant, amusez-vous ! Il existe mille façons de réaliser des images créatives et mémorables ; voici quelques pistes à explorer sans modération. N’oubliez pas, c’est par la pratique que l’on acquiert la maîtrise !

L’espace négatif

L’espace négatif est en quelque sorte le vide de votre image : c’est tout l’espace du cadre qui n’est pas occupé par votre sujet principal. En photo, l’utilisation de l’espace négatif peut avoir un impact visuel très fort.

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Il faut traverser tout l’espace du cadre de gauche à droite avant de rencontrer le visage de l’enfant dont la position très excentrée surprend le spectateur. La direction de son regard nous invite à parcourir à nouveau l’image en sens inverse, ce qui crée un parcours visuel dans le cadre particulièrement dynamique.

En règle générale, lorsqu’un sujet est de profil, l’espace négatif est placé devant lui, afin de laisser libre champ à son regard, comme dans l’image précédente. Si votre modèle regarde dans l’autre sens (vers le bord immédiat du cadre), son regard est arrêté (il bute sur le cadre), ce qui crée un sentiment de tension.

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Ici, l’espace négatif a été laissé à l’arrière du sujet ; le regard bute donc sur le bord du cadre, ce qui renforce l’impression d’attente un peu inquiète que l’on peut lire dans le regard de Beckett.

L’espace négatif peut aussi être employé de manière à suggérer le mouvement, soit pour permettre d’imaginer le trajet du sujet juste avant que la photo ait été prise, ou au contraire pour pouvoir imaginer la continuité du mouvement qui suivra l’instant figé par le photographe.

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Notre bondissante petite troupe est en pleine action, l’image est dynamique. En laissant une bonne dose d’espace ouvert devant leur farandole, on peut imaginer la suite de son mouvement, ce qui renforce l’impression de liberté.

Le cadre à l’intérieur du cadre

Pour diriger le regard du spectateur, exploitez un cadre interne à votre image. Ces cadres existent parfois physiquement autour de votre sujet (fenêtre, encadrement de porte, rideaux), mais vous pouvez aussi jouer sur votre angle de prise de vue pour cadrer votre sujet à travers un objet.

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Les fenêtres créent des cadres particulièrement efficaces, guidant le regard vers la zone de l’image que le photographe souhaite mettre en valeur.

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Sur cette image, c’est la position de la photographe et l’angle qu’elle a choisi qui créent le cadre : le rideau en constituait naturellement un côté, la porte vient le fermer de l’autre côté.

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La nature fournit parfois des cadres intéressants. Ce sont les bords du lac qui viennent ici encadrer les silhouettes de Mahé et Milo. L’angle choisi était déterminant dans cette scène, afin que le bord de la rive la plus éloignée reste bien au-dessus de leurs têtes et que leurs corps entiers se découpent sur l’eau claire.

Les lignes directrices

Un autre élément créatif intéressant lorsque l’on compose une image est d’utiliser des lignes directrices pour guider le regard vers les points essentiels de l’image. Là encore, ces lignes peuvent être physiquement présentes dans l’image ou bien implicites, comme la ligne d’un regard.

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Les lignes du mur de brique, prolongées par les planches horizontales du mur en bois blanc, guident le regard droit vers Stella. En bas de l’image, ce sont les pavés du chemin qui nous amènent vers elle tout aussi efficacement. Le cadre de la fenêtre complète cette composition forte, en retenant l’attention là où la photographe a voulu nous conduire.

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Les lignes au sol convergent implacablement vers Nino et Etan, de même que la ligne horizontale du mur qui les encadre. Quel que soit le point de l’image où notre regard débute son trajet visuel, tout nous ramène vers les deux frères !

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Nos yeux d’Occidentaux sont habitués à lire de gauche à droite, c’est tout aussi vrai pour une image que pour un texte. En plaçant des lignes directrices fortes contre le bord gauche de l’image, on crée un chemin que le regard va suivre naturellement vers la droite. Ici, ce sont les lignes du canapé qui nous amènent inexorablement vers Arnaud profondément endormi.

Le portrait sans tête

Le photographe débutant a tendance à se focaliser sur le visage de son enfant. Pourtant, décider volontairement d’exclure le visage d’une photo peut avoir un impact narratif très fort. Nous l’avons longuement évoqué dans le deuxième chapitre de ce livre : quand des yeux sont présents dans une image, c’est naturellement l’élément le plus attirant pour le regard du spectateur. Ne pas les inclure permet donc de guider le regard vers d’autres éléments qui constituent l’histoire que l’on veut raconter.

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L’absence du visage d’Anna sur cette image est une histoire à part entière : on l’imagine sur la pointe des pieds, petits bras tendus vers son objectif, fière d’être enfin assez grande pour attraper son biberon posé sur la table.

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Les petits pieds révèlent la présence de notre jeune farceur, bien caché (croyait-il) derrière le rideau. Voilà une histoire qui se raconte bien mieux sans visage !

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On peut aussi s’amuser à n’inclure qu’une partie du visage pour créer un effet saisissant : cacher les yeux pour attirer l’attention sur le sourire par exemple, ou bien au contraire cacher le sourire pour mettre l’accent sur un regard rieur, comme dans cette composition pleine d’humour ! On notera l’utilisation très efficace de l’espace négatif qui laisse la place au regard d’Annie, dirigé vers le coin opposé du cadre.

Utiliser la couleur

Les contrastes de couleur peuvent à eux seuls guider le regard. Une touche de couleur vive dans un environnement neutre, un élément très clair contrastant avec un fond sombre attirent et retiennent l’attention de façon très efficace.

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Une touche de turquoise dans un océan de rose crée un contraste saisissant qui attire le regard comme un aimant.

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Les couleurs primaires (bleu, rouge, jaune) ont un pouvoir d’attraction très fort. En les utilisant par petites touches sur un environnement majoritairement clair, on augmente l’impact visuel et on renforce l’aspect ludique de cette image.

Briser les règles

Une fois que vous aurez expérimenté toutes ces règles et trouvé celles qui parlent le plus à votre instinct créatif, amusez-vous à les briser. Aucune règle n’est absolue, et on peut produire des images très puissantes en ne respectant aucune des règles énoncées dans ce chapitre.

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Ici, c’est la symétrie du mouvement qui permet à cette composition centrée de fonctionner.

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Le cadre de la porte est ici un élément visuel très puissant qui permet de guider le regard vers Mlle Paloma, renforcé par les lignes horizontales qui pointent vers elle. Le fort contraste entre l’ombre devant la porte et la lumière vive en arrière-plan achève de mettre en valeur notre petit sujet au bidon souriant.

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Dans un environnement géométrique, les compositions centrées peuvent donner une impression d’ordre et de grand confort visuel.

Un exemple facile concerne la règle des tiers. La théorie veut qu’une image dont le sujet est positionné en plein centre manque de dynamisme. Pourtant, certaines compositions centrées peuvent être saisissantes, notamment lorsqu’une certaine symétrie se dégage de l’image.

Les conseils de Sarah Wilkerson

Sarah Wilkerson est photographe professionnelle aux États-Unis et mère de trois garçons et d’une fille, dont elle photographie le quotidien. Elle dirige aussi la communauté anglophone en ligne « Clickin Moms », dédiée aux photographes de portraits. Elle y anime plusieurs formations, dont l’une s’intéresse particulièrement aux questions de composition et de créativité en photographie.

Site web : www.sarahwilkerson.com

Quand on photographie ses enfants au quotidien, comment réussir à concilier l’envie de créer des images artistiques et celle de respecter le naturel ?

Commencez par identifier la lumière dans laquelle vous souhaitez travailler. C’est de loin l’élément le plus important. En ce qui me concerne, je cherche plutôt des lumières assez contrastées et dramatiques ou bien les contre-jours, mais c’est un choix très personnel, chaque photographe a ses préférences.

Dans la mesure du possible, dégagez un peu le lieu choisi, en enlevant tout ce qui pourrait distraire le regard et qui n’apporte rien à l’ambiance de votre image. Prenez en compte le fait que votre enfant va probablement se déplacer, donc anticipez ses mouvements en préparant un espace aussi grand que possible. S’il y a une zone où la lumière n’est pas bonne, profitez-en pour y empiler tout ce que vous avez enlevé ailleurs. Mettez-vous dans la peau d’un réalisateur : si vous deviez tourner une scène avec vos enfants prenant leur petit déjeuner, laisseriez-vous la vaisselle sale dans l’évier ? Une ribambelle d’appareils branchés sur le comptoir de la cuisine ? Une poubelle qui déborde ? Vous êtes la seule personne qui peut répondre à cette question, tout dépend de l’ambiance que vous voulez donner à la scène. C’est votre vision qui compte.

Cela vous semble peut-être un peu trop préparé… C’est vrai. La vraie vie est faite de visages sales, de vêtements tachés de ketchup, de cheveux emmêlés et de nez qui coulent. Il n’y a rien de mal à prendre cela en photo. Si c’est ce que vous souhaitez garder, surtout faites-le. C’est à vous de définir à quel point vous voulez contrôler ou changer les choses, mais vous devez définir votre vision. Sentez-vous responsable de ce qui est ou non inclus dans votre cadre : si vous voulez que cela y soit, alors ne laissez personne vous dire qu’il faudrait l’enlever ou que cela gâche la photo. C’est votre histoire que vous racontez.

Anticipez l’image finale. Imaginez à quel endroit de votre cadre vous aimeriez voir apparaître votre enfant et attendez qu’il y aille. Quand vous photographiez vos propres enfants, vous avez le gros avantage de savoir comment ils risquent d’agir ou de réagir, ce qui aide considérablement l’art de l’anticipation. Imaginez l’image dans votre tête, préparez-la autant que possible et attendez que le bon moment se présente naturellement.

Néanmoins, même s’il est utile d’avoir une vision en tête, ne vous fermez pas aux autres possibilités. Laissez cette vision évoluer. Il m’arrive souvent, lorsque j’attends le moment parfait, d’attraper au passage quelque chose d’encore meilleur. Autorisez-vous à reconnaître les opportunités inattendues.

Enfin, ne vous crispez pas trop si vous n’obtenez pas les images voulues, ou si votre enfant sort de l’espace que vous aviez préparé. Détendez-vous. Rappelez-vous que vous n’obtiendrez jamais d’images naturelles si vous créez de la tension entre vous et votre sujet. Parfois, rien ne fonctionne, c’est inhérent à la photographie d’enfants. À un certain moment, il faut savoir poser son appareil, oublier tout projet photographique et profiter du plaisir de jouer avec son enfant.

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Apprivoiser la lumière

En photographie, la lumière est votre matière première. Vous avez déjà appris comment votre appareil réagissait à cette lumière, nous allons désormais aller un peu plus loin. En effet, reconnaître la lumière, savoir la trouver et même parfois la modifier, pouvoir enfin l’utiliser au mieux dans toutes les situations sont autant de compétences qui feront l’immense différence entre une photo quelconque (voire ratée) et un cliché inoubliable.

En vous accompagnant dans cet apprentissage de la lumière, ce chapitre vous amènera à voir votre environnement d’un œil totalement nouveau. Plus encore que les précédents, celui-ci va changer radicalement votre façon de prendre des photos.

La lumière extérieure

Prendre des photos de son enfant à l’extérieur est la garantie d’une lumière abondante. C’est aussi lui laisser de l’espace pour bouger et s’amuser, ce qu’il apprécie dès le plus jeune âge. En outre, l’espace extérieur offre une variété infinie de possibilités et de décors : une sortie au parc, une balade en ville, un petit tour sur la plage ou tout simplement un moment ludique dans votre jardin… C’est donc un terrain de jeu idéal pour l’apprenti photographe.

Mais il peut être plus difficile qu’on ne le croit d’apprivoiser la lumière du soleil. Ce chapitre vous guide pas à pas dans cet apprentissage.

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La présence forte du soleil dans cette image contribue à son impact visuel. Malheureusement, inclure les rayons du soleil dans une photo peut se révéler bien plus difficile qu’on ne le croit !

Quelques idées reçues

Au sujet de la lumière en photographie, certaines idées reçues ont la vie dure. La plus courante est sans doute celle-ci : pour faire de belles photos, il faut du soleil. C’est à la fois vrai et faux.

Quand on prend des photos instinctivement sans notion de photographie, on a tendance à penser que les meilleures photos seront celles où la lumière sera la plus forte, c’est-à-dire en plein soleil. Ce qui est pourtant le pire réflexe qui soit ! Même si la lumière est l’élément fondateur de la photographie, ce n’est pas la quantité de lumière qu’il faut rechercher, mais bien sa qualité. En portrait, et particulièrement en photo d’enfants, on privilégie souvent une lumière assez douce, ce que l’on trouvera plus facilement à l’ombre que sous la brûlure du soleil de midi.

Réaliser un portrait en plein soleil au milieu de la journée est l’un des exercices les plus difficiles qui soit. La lumière y est dure et peu flatteuse, les ombres sont massacrantes, les zones directement éclairées par le soleil souvent brûlées… Ces conditions sont loin d’être idéales !

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Milo est assis en plein soleil. Malgré son apparente bonne humeur, ses sourcils sont légèrement froncés parce qu’il est ébloui par l’intensité lumineuse. Le contraste ombre/lumière sur sa peau est très fort. De plus, comme le soleil est haut dans le ciel, ses arcades sourcilières créent une zone d’ombre au-dessus de ses yeux, qui paraissent sombres et ternes.

Nous verrons un peu plus loin comment gérer au mieux ces situations de plein soleil. Ce qui nous amènera à tordre le cou à une autre idée reçue très commune en photographie : il ne faut jamais photographier à contre-jour !

Évidemment, si vous photographiez à contre-jour en mode Automatique, il y a de fortes chances que votre appareil ne sache pas gérer le fort contraste généré par la lumière vous faisant face, et que le résultat soit désastreux. Mais si vous prenez le contrôle de votre appareil et que vous faites vous-même vos réglages, comme nous l’avons vu dans les deux chapitres précédents de ce livre, le contre-jour sera souvent votre meilleur allié.

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Le soleil filtré par les arbres éclaire Jeanne par derrière, comme en témoigne le halo lumineux autour de ses cheveux. Par conséquent, son visage est épargné par les durs rayons du soleil, ce qui crée une lumière douce et flatteuse sur son expression ravie.

Enfin, un dernier mythe qui a la vie dure et nous fait dire : oh zut, il fait tout gris !

Le fait que le ciel soit couvert n’est pourtant pas une mauvaise nouvelle pour le photographe, bien au contraire. Les nuages jouent un rôle de diffuseur géant, donnant une lumière douce et uniforme beaucoup plus flatteuse pour un portrait qu’un soleil de plomb.

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Aucune trace de soleil dans cette scène photographiée peu de temps avant la pluie. La lumière filtrée par les nuages est ici à notre avantage : la photo a été prise en milieu de journée (le soleil aurait été trop dur un jour de ciel bleu). De plus, cette lumière douce permet de faire ressortir les couleurs vives du phare et des rochers.

Apprivoiser le soleil

Dans le long chemin qui mène à la maîtrise de tout le processus photographique, il en est un qui est sans aucun doute plus long que les autres… Celui qui nous apprend à voir la lumière naturelle, et à comprendre celle qui permettra (ou pas) de réaliser de belles photos. En photographie de portrait, le soleil peut être notre allié comme notre pire ennemi, il faut donc patiemment apprendre à le connaître, à jouer avec lui, ou à le contourner quand c’est nécessaire.

Les meilleures heures

L’heure préférée des photographes est généralement celle où la lumière est douce et rasante, soit juste avant le coucher du soleil, soit au petit matin. Ce sont les deux moments de la journée où le soleil est bas dans le ciel. La lumière est joliment colorée, les ombres sont douces et flatteuses.

On peut aussi obtenir des lumières intéressantes en attendant le moment précis où le soleil se couche : les rayons ont disparu du champ de vision, mais il reste encore un peu de lumière et les couleurs chaudes donnent une ambiance très particulière. Attention tout de même à bien adapter vos réglages et notamment le niveau d’ISO, car l’intensité lumineuse baisse très vite dès que le soleil disparaît.

Si les horaires de vos enfants ne vous permettent pas de profiter de cette heure mythique (notamment l’été, lorsque le soleil se couche très tard et se lève très tôt), préférez le début de matinée ou la fin d’après-midi pour aller faire des photos à l’extérieur, afin d’éviter le soleil de plomb du milieu de la journée.

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Plus on s’approche du coucher du soleil, plus la lumière devient chaude et dorée.

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Un câlin baigné de la douce lumière du matin, qui perce tout juste à travers les arbres.

La bonne nouvelle, en revanche, c’est que si le temps est couvert, vous pouvez vous permettre de sortir en plein milieu de journée : vous bénéficierez du filtre des nuages !

L’ombre ouverte

L’ombre ouverte est une zone ombragée qui débouche sur un espace éclairé par le soleil. Il ne s’agit donc pas d’une zone sombre, la lumière étant toute proche, mais plutôt d’un endroit protégé de la brûlure immédiate du soleil.

Cette ombre ouverte est votre meilleure alliée lorsque vous réalisez des portraits à l’extérieur, car elle est praticable à toute heure de la journée, puisqu’elle vous protège des rayons du soleil. On peut y réaliser des photos d’une grande douceur.

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En pleine journée, un mur ou un bâtiment offriront une source d’ombre douce permettant de réaliser des portraits même quand le soleil est trop fort.

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Cette image a été prise en plein été sous un soleil de plomb. Le soleil est déjà haut dans le ciel, comme en témoignent la lumière sur les cheveux d’Arnaud et son ombre très courte. Deux choses permettent cependant de sauver cette photo, réalisée dans des conditions loin d’être idéales pour du portrait : le contre-jour, qui permet de placer les forts rayons du soleil dans le dos d’Arnaud, épargnant ainsi son visage, et le sol très clair du chemin devant lui, qui joue le rôle d’un réflecteur naturel en renvoyant la lumière du soleil vers son visage, l’éclairant en douceur.

L’ombre ouverte est très facile à trouver ; elle peut être constituée par un porche, l’entrée de votre garage, l’ombre d’un bâtiment, un arbre…

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Revoici notre danseur, cinq minutes plus tard, à l’ombre des arbres. Ses cheveux ne sont plus brûlés par le soleil, la lumière est plus douce, moins contrastée. En revanche, on perd l’élément ludique de son ombre, qui a disparu en même temps que le soleil.

Méfiez-vous de l’ombre des arbres qui peut être une fausse alliée. Il est fréquent que le feuillage ne soit pas suffisamment dense pour bloquer complètement la lumière, ce qui produira un éclairage inégal très difficile à gérer.

Idéalement, votre sujet doit être placé le plus proche possible de la lumière, pour qu’elle éclaire son regard. Observez toujours ses yeux afin de voir comment la lumière s’y reflète et trouver le meilleur angle de prise de vue pour y amener le maximum de lumière.

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Dans cette zone complètement ombragée, un grand mur blanc reflétait la lumière. Il a suffi de diriger le regard d’Emma vers ce mur pour faire pétiller ses yeux.

Un moyen très efficace d’illuminer le regard de votre sujet quand vous êtes à l’ombre est d’orienter ses yeux vers le ciel afin qu’il s’y reflète. Pour cela, vous pouvez attirer son attention en vous plaçant au-dessus de lui afin qu’il lève la tête, ou bien tout simplement l’allonger sur le sol.

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Les éclats de lumière qui renforcent la vivacité du regard de Luna proviennent du ciel qui se reflète dans ses yeux levés vers l’objectif.

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Allongée sur le dos, Anna a le ciel bien en face, ce qui amène une très grande quantité de lumière dans ses yeux.

À contre-jour

Nous l’avons évoqué au début de ce chapitre : en portrait, le contre-jour est souvent une solution intéressante pour éviter les visages grimaçants ou baignés par une trop forte lumière. En positionnant votre enfant dos au soleil, vous obtenez une lumière douce et uniforme sur son visage.

C’est un exercice qui présente néanmoins quelques difficultés.

•L’exposition. Nous l’avons vu, en contre-jour, vous ne pouvez pas vous reposer sur les automatismes de votre appareil pour faire les bons choix, car votre cellule ne saura pas gérer le trop fort contraste de la lumière qui vous fait face. Il vous faudra donc réaliser une mesure Spot sur la peau de votre sujet (n’oubliez pas qu’une bonne exposition de la peau est rarement une exposition à 0, reportez-vous au chapitre 2 pour faire les bons choix).

•La mise au point. En contre-jour, votre autofocus peut avoir des difficultés et se mettre à « patiner » (il n’arrive pas à trouver un point de contraste sur lequel se fixer). Dans ce cas, votre meilleur choix est de vous fier au collimateur central, car il est le plus efficace de tous en conditions de lumière difficile. Il vous faudra donc peut-être oublier certaines règles de composition pour privilégier la performance de votre autofocus.

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Sur cette image, on a fait le choix de saisir l’ambiance du moment en captant les rayons du soleil dans le cadre. Le fort contre-jour rendant la mise au point difficile, c’est le collimateur central qui a été utilisé, d’où la position de Mahé au centre de l’image. Le résultat est une lumière chaude, douce et légèrement voilée.

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Le soleil est juste derrière Lana, produisant ce puissant halo lumineux autour d’elle, renforcé par le mouvement de ses longs cheveux. La lumière sur son visage est donc douce et uniforme.

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En vous positionnant de sorte que les rayons du soleil soient bloqués par le corps de votre enfant, vous pouvez obtenir ce joli effet de contour lumineux soulignant sa silhouette.

•La lumière dans les yeux. Puisque la lumière est face à vous et par conséquent dans le dos de votre sujet, il va être difficile d’en amener dans ses yeux, ce qui peut produire des portraits assez ternes. La solution consiste à trouver une surface placée derrière ou à côté de vous qui va réfléchir la lumière vers le visage de l’enfant. Il existe de nombreux réflecteurs naturels qui ne nécessitent pas que vous investissiez dans un quelconque accessoire : mur blanc, sable, béton gris ou bitume clair, neige… Étant donné que vous êtes face à votre sujet, vous avez aussi la possibilité de devenir vous-même votre propre réflecteur en portant un tee-shirt blanc.

•Le voile de lumière. Si vous photographiez face au soleil et que celui-ci est bas dans le ciel, les rayons de lumière vont se refléter à l’intérieur de votre objectif et faire apparaître un voile sur votre image, qui manquera de contraste. C’est ce que l’on appelle le « flare ». Pour l’éviter, vous pouvez protéger votre objectif de la lumière (soit avec un pare-soleil, soit en l’abritant avec votre main, comme une visière). Il est aussi possible de le minimiser en changeant votre angle de prise de vue : si vous dirigez l’objectif vers le bas, vous évitez que la lumière pénètre directement dedans. Vous pouvez aussi décider de ne pas lutter contre ce phénomène et d’incorporer le voile produit dans votre image, afin de lui donner une ambiance un peu magique et éthérée.

Selon l’angle de votre objectif par rapport aux rayons du soleil, le flare peut aussi créer des taches blanches ou de couleur sur votre image (comme on a pu le voir précédemment sur la photo de Mahé en contre-jour). Ces taches peuvent gâcher la photo, ou au contraire lui donner une touche créative intéressante ; cela dépend de l’endroit où elles se situent.

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Cette photo a été prise en plein milieu de journée, comme en témoignent les ombres très courtes. Le soleil est derrière Milo, ce qui évite une lumière trop dure sur son visage, et très haut dans le ciel, donc pas de risque que les rayons pénètrent dans l’objectif. La lumière semble étonnamment uniforme pour une photo prise en milieu de journée. En réalité, le sable clair joue le rôle d’un réflecteur géant : le soleil qui tape sur le sable rebondit vers le visage de Milo, diffusant une lumière indirecte qui l’éclaire de face.

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Le contre-jour génère aussi des effets saisissants lorsqu’on le combine avec de l’eau. Le secret est de se placer de telle sorte que le soleil traverse les gouttes d’eau avant d’atteindre l’objectif. Le contraste entre l’eau éclairée par derrière et le reste de l’environnement crée le fort impact visuel de cette photo !

EN CONTRE-JOUR, ATTENTION À LA COULEUR !

Toute surface de couleur qui réfléchit la lumière vers votre sujet risque de produire des reflets colorés sur sa peau. C’est vrai pour un mur de couleur ou un buisson bien vert qui se situeraient face à votre enfant, mais aussi pour vos propres vêtements ! Quand vous photographiez en contre-jour, privilégiez les vêtements blancs ou de couleur neutre pour éviter ces reflets disgracieux.

Utilisations créatives de la lumière

L’utilisation créative de la lumière offre mille possibilités de sortir du portrait traditionnel pour des images originales et mémorables.

Les silhouettes

La silhouette est une technique qui peut donner des résultats saisissants, tout en étant relativement simple à réaliser. Le principe est en effet très basique : vous devez faire face à une source de lumière assez forte, et votre sujet va s’interposer entre elle et votre objectif, bloquant ainsi la lumière. Si vous choisissez d’exposer correctement votre arrière-plan (le ciel, par exemple), vous obtiendrez un sujet complètement sous-exposé. Le but final est de trouver l’exposition idéale pour qu’il soit complètement noir, et que l’on ne distingue plus que sa silhouette.

Quelques éléments clés à propos des silhouettes :

•l’intérêt visuel d’une silhouette est la forme du sujet. Il faut donc que son contour soit clairement visible sur l’image. Un enfant roulé en boule produirait une silhouette sans intérêt. En revanche, un enfant dont les bras et les jambes sont en mouvement constitue une silhouette très dynamique. En effet, comme la silhouette supprime tous les détails du sujet (expression du visage ou couleur des vêtements), c’est la position du corps qui raconte à elle seule toute l’histoire de l’image ;

•le corps de votre sujet doit se détacher clairement sur la surface lumineuse. Il faut donc choisir soigneusement votre angle pour éliminer tout élément qui pourrait obstruer la silhouette. Si vous faites une silhouette sur le ciel, il sera souvent nécessaire de vous baisser afin que le corps de votre enfant soit entièrement face au ciel ;

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Le coucher du soleil est un moment idéal pour réaliser des silhouettes, en raison du fort contraste entre l’illumination du ciel et les ombres ambiantes, mais aussi des magnifiques couleurs que l’on peut y capturer.

•si le soleil est inclus dans votre cadre, vous pouvez obtenir un joli effet de lumière en étoile. Il suffit de sélectionner une toute petite ouverture (f/22, par exemple). Attention toutefois : lorsque vous regardez le soleil à travers votre objectif, vous pouvez vous brûler gravement la rétine. Aussi, si vous tentez l’expérience, visez et déclenchez très vite : ne regardez pas plus d’une seconde ou deux dans le viseur !

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Rien n’empêche de réaliser une silhouette en plein jour en choisissant la bonne exposition. Le dynamisme vient ici à la fois de la répétition du mouvement des sujets présents sur la photo et de la présence forte du soleil, dont l’effet « en étoile » est dû à la petite ouverture du diaphragme (f/20).

UNE SILHOUETTE PAS À PAS

1.Choisissez un arrière-plan dégagé. Placez-vous en haut d’une colline pour avoir le ciel pur face à vous, ou au bord de la mer… tout endroit où vous pourrez éviter les éléments qui viendraient bloquer la lumière.

2.Placez votre enfant entre vous et la source lumineuse, de façon à ce que son corps en bloque la lumière. C’est ce qui produira l’effet de silhouette : corps noir sur fond correctement exposé.

3.Passez en mode Manuel (on peut aussi le faire en mode Priorité à l’ouverture et utiliser la mémorisation d’exposition, mais c’est vraiment plus confortable en Manuel). Mettez-vous en mode de mesure de lumière Spot.

4.Faites votre mesure de lumière en plaçant votre collimateur central sur le ciel ; choisissez une zone qui ne soit pas trop proche du soleil. Effectuez vos réglages sur ce point (une mesure à 0 est un bon point de départ, vous pouvez ajuster par la suite).

5.Faites une photo test pour vérifier que le ciel est exposé comme vous le souhaitez, et que votre modèle est bien noirci.

6.Gardez ces réglages pour tout le reste de votre prise de vue sans vous soucier des indications de votre cellule. Oubliez-la complètement pour vous concentrer sur le cadrage.

Les reflets

Le reflet est lui aussi un élément créatif intéressant : soit parce que vous inclurez dans l’image à la fois votre sujet et son reflet, produisant ainsi un élément de répétition et de symétrie qui peut renforcer votre propos, soit parce que vous choisirez de n’inclure dans le cadre que le reflet (et non votre sujet), créant alors un effet de suggestion intéressant.

Attention à votre angle de vue et votre position quand vous capturez un reflet ! Il aura d’autant plus d’impact que vous aurez réussi à l’inclure intégralement dans l’image, et que la surface réfléchissante sera aussi pure que possible : la boue dans une flaque d’eau, par exemple, pourrait venir brouiller le reflet que vous souhaitiez mettre en valeur.

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Le sable mouillé en bord de mer est une surface réfléchissante qui offre des possibilités infinies.

Les ombres

Lorsque vous photographiez en plein soleil, observez les ombres projetées par vos sujets, car elles peuvent donner une dimension supplémentaire à votre photo.

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Le mouvement d’Ethan est à lui seul un élément dynamique dans cette photo. La répétition de sa silhouette par l’intermédiaire de son ombre, qui non seulement souligne le mouvement mais aussi l’amplifie, crée un impact visuel intéressant.

Utiliser les ombres comme élément principal de l’image peut permettre de se focaliser sur la forme, l’attitude, le langage du corps de l’enfant, plutôt que sur l’expression de son visage ou la couleur de ses vêtements, qui auraient pu distraire le spectateur de ce que vous souhaitez vraiment souligner. Comme pour les reflets, vous pouvez choisir de capturer l’enfant et son ombre, ou bien l’ombre seule pour un effet plus suggestif.

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On peut choisir d’exclure le visage d’un ou plusieurs sujets de la scène, pour guider le regard vers l’ombre et renforcer son poids dans l’image.

Sachez que l’heure du jour à laquelle vous ferez votre prise de vue aura un impact important sur la taille des ombres. En milieu de journée, le soleil est à la verticale de votre sujet, son ombre est donc très courte. En début ou en fin de journée en revanche, la lumière rasante crée des ombres longues et très spectaculaires.

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Au coucher du soleil, les ombres sont plus longues que votre sujet lui-même. Prenez bien soin, lors du cadrage, de conserver intacte l’intégralité de l’ombre.

La lumière intérieure

À moins que vous n’habitiez dans une maison de rêve où la lumière naturelle coule à flots à travers d’immenses baies vitrées, il est probable que la photographie à l’intérieur de votre domicile soit parfois frustrante. Photos floues, sous-exposées, balance des blancs ratée… sont trop souvent le quotidien des photographes à domicile. Pourtant, l’espace intérieur offre de nombreuses possibilités photographiques, à condition de savoir trouver la bonne lumière – souvent, elle ne se cache pas bien loin.

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La lumière très douce de cette fenêtre orientée au nord produit un contre-jour qui donne à cette image une touche supplémentaire de joie et de gaieté.

Remarques préliminaires

Préférez toujours la lumière naturelle à la lumière artificielle.

Lorsque l’on fait des photos à l’intérieur, on peut avoir le réflexe d’allumer une lampe pour augmenter l’intensité lumineuse. Un conseil tout simple : ne le faites pas !

Les éclairages artificiels ont une température de couleur très différente de celle de la lumière du jour : bleue pour les néons, jaune-orangé pour les ampoules domestiques, par exemple. En mélangeant ainsi les couleurs de lumière, vous vous retrouveriez avec des teintes très peu flatteuses, que vous ne pourriez pas corriger avec la balance des blancs. En effet, celle-ci ne se règle que pour un seul type de température. Si votre image reçoit de la lumière du jour par la gauche, mais aussi de l’éclairage artificiel en provenance du plafond, la balance des blancs devra choisir l’une de ces températures de lumière, tandis que l’autre apparaîtra sur votre image comme une coloration bizarre de vos sujets.

Un autre réflexe à éviter : recourir au flash. Désactivez le flash intégré de votre appareil et entraînez-vous à l’oublier, purement et simplement. Il donne des portraits durs et contrastés qui sont vraiment peu flatteurs pour vos sujets.

Il existe des flashs plus puissants (comme les flashs cobra) qui peuvent donner de très bons résultats à l’intérieur, surtout si vous les dirigez vers une surface réfléchissante (mur ou plafond) et non directement sur votre sujet (ce qui permet d’obtenir une lumière équivalente à celle qui viendrait d’une fenêtre), mais ils sont coûteux et nécessitent un certain temps d’apprentissage pour être maîtrisés. C’est néanmoins une solution à considérer si votre logement est vraiment très sombre et que vous faites davantage de photos en intérieur qu’en extérieur. Dans tous les autres cas, faites comme si votre flash intégré n’existait pas et apprenez à exploiter la lumière disponible ; vous ne le regretterez pas, car la qualité de lumière sera incomparable.

Trouver la lumière

Même dans un intérieur considéré comme sombre, il existe toujours des solutions pour trouver la « bonne » lumière, qui souvent n’est pas cachée bien loin. À l’inverse, une maison baignée de soleil offrira certes une très grande quantité de lumière, mais pas forcément la qualité nécessaire à un portrait tout en douceur. Comme à l’extérieur, il est nécessaire d’apprendre à lire la lumière pour reconnaître les opportunités qui s’offrent à nous.

Sources lumineuses

Pour faire des photos à l’intérieur, cherchez les sources de lumière naturelle, en particulier les fenêtres ou les portes ouvertes.

Le premier point à considérer quand vous cherchez la lumière intérieure pour vos photos, c’est la taille de votre source lumineuse, car elle aura une importance capitale dans la qualité de lumière dont vous disposerez.

Les très grandes ouvertures (larges baies vitrées, par exemple) produisent des scènes baignées de lumière. Vous aurez ainsi la possibilité d’éclairer non seulement votre sujet, mais aussi la scène qui l’entoure, et vous aurez une luminosité assez douce, avec des ombres peu marquées.

Les sources lumineuses plus étroites (telle celle qui est disponible dans une pièce avec une unique fenêtre de petite taille, par exemple) produisent une lumière plus faible, mais aussi plus ciblée dans l’espace. Ce type d’éclairage donne des ombres plus marquées, mais aussi plus de profondeur à l’image (les ombres aident le regard à voir les formes et les dimensions des sujets inclus dans une image, comme un effet 3D). C’est aussi une lumière qui permet d’isoler un sujet de son environnement, en faisant disparaître ce qui l’entoure dans la pénombre.

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Les fenêtres sont souvent la source de lumière la plus évidente et facile d’accès. Mais dans une pièce très sombre, il suffit parfois d’ouvrir la porte pour laisser entrer la clarté du jour.

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Une rangée de fenêtres situées sur la gauche fournit une grande quantité de lumière douce, éclairant le visage de Mahé de façon flatteuse, sans ombres trop contrastées.

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Ici, la lumière vient de côté, comme sur la photo de Mahé vue précédemment. La différence est pourtant frappante : la pièce est sombre, et la lumière du jour provenant d’une petite fenêtre crée des ombres bien plus fortes.

La lumière peut aussi être plus ou moins dure ou douce. Le soleil entrant directement dans une pièce à travers une petite fenêtre produit une lumière dure. À l’inverse, une lumière indirecte ou filtrée par des voilages ou des rideaux donne une clarté beaucoup plus douce et diffuse. Cette lumière est, de loin, la plus flatteuse en portrait. On la trouve assez facilement à l’intérieur d’une maison, dès lors que l’on a une lumière indirecte (toutes les fenêtres orientées au nord, ou bien une fenêtre à l’est pendant l’après-midi, ou une fenêtre à l’ouest le matin).

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Grayden fait face à une baie vitrée orientée au nord. La lumière sur son visage est diffuse et régulière.

L’avantage de se trouver à l’intérieur est qu’il est alors très facile de diffuser la lumière quand elle est dure. Si vous voulez, par exemple, faire des photos le matin dans une pièce orientée à l’est et où le soleil tape directement, des stores ou un rideau blanc vous procureront un éclairage doux et diffus.

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Sur cette image, on voit bien la différence entre les zones où la lumière est filtrée par les rideaux et celles où le soleil tape directement sur le sol. Becket et son chien sont ici placés dans une zone protégée de la lumière directe du soleil, ce qui garantit une lumière douce sans priver des avantages de la forte luminosité des zones environnantes.

L’orientation de la lumière

La direction de la lumière et l’angle selon lequel elle touche votre sujet sont aussi des facteurs fondamentaux à considérer.

Si vous placez votre enfant face à la source lumineuse, son visage est éclairé de la même manière en tous points ; la lumière est donc très douce et régulière. L’avantage de l’éclairage de face est qu’il masque les défauts du visage. Son inconvénient majeur est qu’il donne des portraits assez ennuyeux, qui manquent de caractère. On dit que la lumière est « plate ».

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La lumière de face provenant de la fenêtre de la salle de bains éclaire le visage de façon uniforme sans qu’aucune ombre ne s’y dessine. Le portrait est flatteur, mais manque un peu de relief.

À l’inverse de l’éclairage de face, la lumière à 90° provient du côté de votre sujet et illumine une moitié de son visage seulement, laissant l’autre dans l’ombre. Cette lumière un peu dramatique donne beaucoup de relief aux traits du visage.

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La fenêtre est à gauche d’Arnaud et de son papa, ce qui envoie un flux de lumière perpendiculaire à leurs visages. Les ombres du côté droit de l’image sont donc très marquées et créent un effet de profondeur.

En portrait, on a tendance à privilégier un éclairage intermédiaire à ceux précédemment cités, en cherchant un angle d’environ 45° par rapport au sujet. Les ombres sont plus douces que dans la lumière de côté, mais elles sont suffisamment présentes pour donner un effet tridimensionnel aux traits du visage.

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Sur cette image, on aperçoit le placement de l’enfant par rapport à la fenêtre. L’orientation en biais donne une lumière directionnelle très intéressante qui sculpte le visage du sujet, mais tout en restant relativement douce. Il n’est bien sûr pas nécessaire de respecter un angle précis de 45°. Tout intermédiaire entre la position de face et perpendiculaire vous donnera des résultats intéressants ; à vous de déterminer si vous préférez plus de douceur ou plus de caractère.

Illuminer le regard

Un portrait est toujours plus attractif quand le sujet a des reflets dans les yeux (ce que les Anglo-Saxons appellent catchlights). Cette lumière donne vie à vos images en faisant pétiller le regard de votre modèle.

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Le reflet dans les yeux bleus du bébé nous renseigne sur la position de la rangée de fenêtres qui éclaire son visage ; on comprend que la source lumineuse se trouve à droite de l’enfant.

Elle peut provenir directement de votre source lumineuse ou bien se réfléchir sur un mur blanc ou sur toute autre surface claire. Ces reflets sont d’autant plus intéressants qu’ils sont grands ; ainsi, les larges sources de lumière (baies vitrées ou grandes fenêtres) donnent des résultats très agréables à regarder.

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Ce gros plan sur les yeux d’Isaac montre bien comment la baie vitrée s’y reflète, illuminant son regard. La surface importante du reflet dans son iris vient non seulement de la taille de la source de lumière, mais aussi du fait qu’il en est très proche. S’il avait été plus éloigné de la fenêtre, le reflet dans son œil aurait été plus petit.

En basse lumière

Quand la lumière disponible est vraiment très faible, il existe toujours des possibilités d’images créatives.

La première solution consiste à exploiter l’éclairage artificiel. Dans ce cas, il faut juste qu’il soit votre unique source de lumière pour éviter les conflits de couleur dus aux différences de température entre la lumière du jour et celle de votre source artificielle, comme nous l’avons indiqué au début de ce chapitre.

Si votre source lumineuse est une lampe de chevet, par exemple, prenez soin d’éteindre toutes les autres lumières et d’approcher votre sujet de la lampe. Le reste de la pièce sera enveloppé dans l’ombre, et vous obtiendrez un portrait très intime.

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Cette image a été réalisée de nuit, avec la seule lumière provenant de l’iPad.

Évitez autant que possible d’utiliser l’éclairage provenant du plafond. Il produit des ombres très fortes sur les yeux, car les arcades sourcilières bloquent la lumière… ce qui donne à votre modèle un petit air de panda ou de raton laveur dont on se passerait volontiers !

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La lumière du plafonnier ne peut atteindre les yeux de Milo, qui se retrouvent à l’ombre de ses orbites.

Si vous n’avez pas d’autre choix cependant, deux astuces pourront vous venir en aide : faire en sorte que l’enfant lève la tête en direction du plafond pour amener la lumière dans ses yeux, ou tout simplement changer d’angle pour ne pas inclure son visage.

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En s’allongeant dans la baignoire, Jade fait face aux lumières du plafond ce qui crée un éclairage uniforme, sans ombres disgracieuses.

Enfin, n’hésitez pas à exploiter les possibilités ISO de votre appareil. Une photo avec du bruit numérique mais une belle qualité de lumière vaut souvent mieux qu’une photo sans bruit mais brutalement éclairée par un flash intégré, ou par un éclairage artificiel mal adapté.

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Sarah a tiré parti de toutes les possibilités offertes par son appareil pour capter un maximum de lumière dans cette image : très haut niveau ISO (6 400), ouverture maximale (f/1,4) et vitesse relativement lente pour du portrait (1/60 s). Elle arrive ainsi à prendre une photo à la tombée du jour en comptant uniquement sur la lumière disponible. Si elle avait tenté de rajouter de l’éclairage artificiel – en utilisant un flash ou une lampe, par exemple –, l’ambiance de la photo aurait été complètement gâchée.

Quand vous faites des images à haut ISO et que vous êtes gêné par le bruit numérique, n’hésitez pas à convertir votre image en noir et blanc : le grain est souvent moins visible ou plus intéressant quand on enlève la couleur.

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Dans la luminosité réduite d’une salle de bains sans fenêtre, il était indispensable de monter en ISO pour capturer ce moment de douceur. La conversion en noir et blanc minimise l’impact du bruit numérique qui était très présent dans les zones d’ombres.

Pistes créatives

La lumière intérieure offre beaucoup plus d’opportunités créatives qu’on ne le pense. N’hésitez pas à jouer avec pour réaliser des portraits variés et originaux.

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Le contre-jour de la fenêtre donne une touche d’énergie supplémentaire à l’image, mettant en valeur le mouvement et la joie de Milo.

Le contre-jour

Comme à l’extérieur, le contre-jour peut faire naître des images fortes et mémorables.

Les conseils concernant la lumière extérieure, délivrés au début du chapitre (voir page 89), s’appliquent de la même manière pour le contre-jour à l’intérieur :

•faites une mesure sur la peau de votre sujet et choisissez votre exposition en conséquence ;

•privilégiez le collimateur central si votre autofocus patine ;

•trouvez des réflecteurs naturels pour amener de la lumière dans les yeux de votre sujet ;

•limitez le flare ou, au contraire, exagérez-le selon l’ambiance que vous souhaitez donner à votre image.

Pour plus de détails sur le contre-jour, reportez-vous au début du chapitre.

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Le contre-jour permet de faire briller les gouttelettes d’eau en les éclairant par l’arrière, ce qui met en valeur le mouvement. Ici, une vitesse de 1/500 s a permis de figer l’eau en plein vol.

Vous pouvez aussi réaliser des silhouettes à l’intérieur, en suivant la technique présentée dans la section sur la lumière extérieure (voir pages 92-94).

Il peut être intéressant d’exposer votre sujet un tout petit peu plus que pour une silhouette « parfaite », afin qu’il soit sombre, mais pas complètement noir, ce qui permet de distinguer quelques détails de son corps ou de son visage.

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Plusieurs éléments font l’intérêt visuel de cette image : le choix d’exposition en « presque silhouette » qui produit un contraste fort entre l’ombre et la lumière, mais aussi de nombreux aspects de composition présentés au chapitre 3 – l’utilisation de l’espace négatif, les lignes directrices et le « cadre à l’intérieur du cadre » formé par les pans de rideau autour de l’enfant.

Les reflets

Votre maison possède aussi de nombreuses surfaces réfléchissantes (vitres, miroirs, surfaces brillantes) propices à capturer le reflet de votre enfant.

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En incluant le reflet de l’enfant dans le cadre, on renforce l’impact visuel de l’image en créant un effet de répétition. Le reflet nous permet aussi d’apercevoir des détails de son visage et de son expression, normalement invisibles sans la présence de la vitre.

Contraste entre l’ombre et la lumière

Vous réaliserez un nombre infini d’images créatives en jouant avec le contraste ombre/lumière.

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La pièce est très sombre, mais le soleil du mois de juillet brille fort de l’autre côté de la vitre. Une situation de contraste qui permet de mettre en valeur la forme et l’épaisseur du sujet, grâce au jeu d’ombre et de lumière sur son corps.

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Un rayon de soleil passe à travers la vitre, créant une lumière ciblée sur l’escalier. Le jeu de contraste produit un cadre lumineux éclairant partiellement la scène, comme un coup de projecteur.

Comme vu sur les images précédentes, vous pourrez :

•soit positionner votre sujet dans une tache de lumière directe ;

•soit réaliser la photo dans une pièce relativement sombre, mais en plaçant votre sujet très proche de la source lumineuse pour créer un fort contraste.

Un autre exemple consiste à utiliser des rideaux pour bloquer la majeure partie de la luminosité, mais en les laissant entrouverts pour permettre à une clarté ciblée de s’échapper au milieu d’un environnement sombre.

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Des rideaux occultants masquent la quasi-totalité de la fenêtre, ne laissant qu’une faible quantité de lumière éclairer l’enfant. Toute la douceur et l’impact visuel de cette image naissent de ce clair-obscur.

Les conseils de Megan Cieloha

Megan Cieloha est photographe aux États-Unis et mère de trois enfants dont elle photographie le quotidien. Elle enseigne l’art d’utiliser la lumière intérieure en photographie de portrait. Voici quelques-uns de ses conseils pour prendre ses enfants en photo à la maison.

Site web : www.megancieloha.com

Cherchez les frontières entre ombre et lumière.

Quand on photographie en lumière naturelle, placer son sujet directement au milieu d’une zone baignée de lumière n’est pas forcément le meilleur choix. Les ombres sont intéressantes en photographie, car elles soulignent la forme et la texture des éléments de l’image. De ce fait, si vous positionnez votre sujet à un endroit où il n’y a aucune ombre sur lui, la lumière sera mal exploitée. C’est pourquoi je cherche toujours les bordures des zones lumineuses. Je place mon sujet tout près de cette frontière entre l’ombre et la lumière, car je sais que c’est là que j’ai le plus de chances qu’elles se combinent pour donner de l’épaisseur et de la profondeur à mon image.

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Une photo est par essence une image en deux dimensions. La bonne utilisation de la lumière peut néanmoins nous aider à percevoir l’épaisseur et la profondeur d’un sujet. Ici, le rayon de lumière qui crée une alternance d’ombre et de clarté sur le visage de l’enfant lui redonne son aspect tridimensionnel.

Mettez en place des activités en fonction de la lumière.

Les enfants ont la désagréable habitude de se cacher dans le coin le plus sombre de la maison quand ils décident de se lancer dans une activité qui pourrait donner lieu à des images intéressantes. Pour éviter cela, passez un peu de temps à observer attentivement votre intérieur et identifiez les endroits où la lumière est la meilleure. Notez l’heure de la journée à laquelle chaque pièce dispose d’une belle luminosité. Vous disposerez ainsi d’une palette de possibilités pour mettre en place dans ces endroits, au bon moment, une activité qui intéressera votre enfant et qui vous permettra de saisir de beaux souvenirs dans une lumière idéale.

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Il n’a pas été difficile d’attirer l’enfant tout près de la fenêtre, en exploitant sa curiosité naturelle pour le monde extérieur. Son visage est maintenant baigné de lumière !

Guettez les reflets de lumière dans les yeux.

Quand la lumière se reflète dans les yeux de votre enfant, elle y dessine des zones claires et brillantes. Si vous capturez ces reflets dans un portrait, vous y verrez comme un éclat de vie dans les yeux, qui donne de la profondeur et renforce l’impact de l’image. Pour les obtenir, il suffit que votre sujet ait une source de lumière face à lui : une fenêtre, une lampe, le soleil se réfléchissant sur un mur clair sont autant de possibilités de renvoyer de la lumière vers ses yeux. Quand vous êtes dans une pièce, faites tourner votre enfant sur lui-même et observez ses yeux jusqu’à ce que vous trouviez l’angle où les reflets de lumière sont les plus attractifs.

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Lorsque l’enfant est dans les bras d’un adulte, il est bien plus facile de maîtriser la lumière en demandant à l’adulte de se positionner de manière adéquate.

5

À chaque âge, ses spécificités

Maintenant que vous contrôlez le fonctionnement de votre appareil, que vous connaissez les bases du portrait et de la maîtrise de la lumière, il ne vous reste plus qu’à mettre tout cela en pratique.

Ce chapitre a pour mission de vous accompagner dans vos prises de vue au fil de la croissance de votre enfant. Chaque âge présente ses spécificités, ses défis, ses petits bonheurs à ne pas manquer… Vous retrouverez donc dans les pages qui vont suivre tous les trucs et astuces utiles pour documenter les grandes étapes de la petite enfance.

Quelques conseils valables à tous les âges

À chaque étape du développement de l’enfant, ses particularités ! Avant d’en faire le tour, penchons-nous sur quelques éléments fondamentaux à prendre en compte lorsque vous voulez réussir vos photos, que votre modèle ait quelques mois à peine ou déjà plusieurs années au compteur.

Amusez-vous vraiment !

Une séance photo ne devrait jamais être une séance de torture. Si votre enfant se retrouve continuellement avec un objectif sous le nez et des injonctions du type « souris, regarde-moi, arrête de bouger… », il va rapidement développer une allergie complète à votre appareil, et soyons honnête : nous en ferions autant à sa place.

Une belle photo n’est pas juste le reflet de bons choix techniques ; elle est aussi le résultat d’une alchimie, d’un instant, d’une émotion. Amusez-vous pour de vrai. Si vous voulez que votre enfant rie, riez avec lui. Créez du jeu, de la joie, du bonheur et prenez-y plaisir vous-même !

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Moment de jeu échevelé entre Louise, Camille et leur papa. On croirait entendre leur rire jaillir de la photo !

Si vous sentez l’énervement monter, si cette photo devient une source de conflit entre vous et votre modèle, posez l’appareil. Aucune photo ne mérite de devenir un mauvais souvenir. Et surtout, vous éviterez que votre bambin soit pris du fameux syndrome de « l’enfant du photographe » qui l’amènera systématiquement à courir dans la direction opposée dès que vous sortirez votre appareil !

Pour photographier l’enfance, le plus simple est d’attraper vraiment ce qui se passe, sans tricher : saisir ce quotidien qui survient et que l’on capture au vol comme un papillon dans un filet.

Mais si vous avez une photo en tête, si vous voulez immortaliser tel ou tel moment et que vous vous y préparez, alors changez de manière de penser. Plutôt que d’imaginer la photo parfaite, songez d’abord au moment de plaisir qui permettra à cette photo parfaite d’apparaître. Qu’est-ce qui fera que votre enfant sera heureux de ce moment, y trouvera son compte, et vous aussi ?

Demandez-vous comment faire de cette photo non pas une image fabriquée, mais un souvenir en soi, quelque chose que vous pourrez raconter à vos enfants comme un moment agréable passé ensemble.

Une photo ne dure qu’une fraction de seconde, mais le souvenir de ce moment, s’il est agréable (et encore plus s’il est désagréable !) peut durer bien plus longtemps.

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Bataille de chatouilles sur le canapé pour Tao, Ai-Vân et leur maman. Un moment tout simple et plein d’émotions vraies !

Le moment même comme seule récompense

La tentation peut être grande de promettre une récompense à son enfant en échange de sa coopération pour une séance de photos.

Avant de vous lancer sur cette pente glissante, réfléchissez-y à deux fois. D’une part, vous associez votre appareil à quelque chose qui mérite salaire. Quand vous l’aurez fait une première fois, il est probable que votre enfant ne se laisse plus photographier sans récompense ! De plus, pour la plupart des enfants, il est compliqué de différer une gratification : les mots : « Si tu te tiens tranquille dix minutes, tu auras un bonbon ! » créent une attente forte, celle que la séance photo se termine enfin pour avoir le bonbon désiré, donc un sentiment grandissant de frustration à chaque photo supplémentaire.

Si votre modèle n’est pas très enthousiaste à l’idée d’être photographié, la première option est de le laisser tranquille. Attention à l’overdose de photos ! Une autre option est de faire de ce moment même une récompense. Demandez-vous ce qui ferait plaisir à votre enfant (ou mieux, s’il sait parler : posez-lui la question !) et photographiez-le dans ce contexte agréable. Vous y serez gagnants tous les deux, et à bien des niveaux : lui pour ce bon moment passé ensemble, vous pour la joie de le voir heureux et pour les images souriantes que vous y aurez glanées, et pour le fait qu’il associe votre appareil photo à du plaisir.

Il n’existe pas de recette toute prête pour créer un moment agréable : chaque enfant est unique ! Le bonheur peut naître d’un lieu adoré, d’un accessoire amusant (voir les fiches d’inspiration sur les ballons ou les bulles, à la fin de cet ouvrage) ou d’une règle habituelle que l’on transgresse avec délice (autorisation temporaire de sauter sur le lit ou de vider la bouteille de bain moussant dans le bain !).

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Bonheur suprême pour Lana, enfin libre de sauter sur le lit… à en perdre haleine !

N’oubliez pas non plus que les enfants, comme les adultes, aiment être complimentés. Alors soulignez tout ce que vous avez apprécié dans ce moment partagé et montrez-leur les images que vous avez prises pour qu’ils profitent du résultat de la séance !

LA FIN NE JUSTIFIE PAS TOUJOURS LES MOYENS

Promettre à son enfant un cadeau qu’on ne lui donnera pas, lui raconter des sornettes en vue d’obtenir une expression de joie ou de surprise, le manipuler pour obtenir LA photo rêvée… n’est pas une bonne stratégie. Au-delà de la considération éthique, l’enfant se laissera avoir une fois, pas deux. Une photo mérite-t-elle de perdre la confiance de son enfant ?

Où prendre des photos ?

Le chapitre sur la lumière nous a permis d’envisager un certain nombre de lieux de prises de vue. Quand vient le moment du choix, il peut être intéressant de considérer différents facteurs.

Le lieu privilégié pour photographier votre enfant est évidemment votre domicile. C’est un endroit familier pour vous et pour lui, celui où il sera le plus détendu et naturel, celui où vous aurez le plus d’occasions de capturer des moments authentiques. Avec un tout petit bébé ou lorsque les températures extérieures sont basses, la maison sera sans aucun doute votre lieu principal de prise de vue. Cependant, ce n’est pas toujours un endroit propice à la photographie : la lumière n’y est pas forcément idéale (même si le chapitre précédent sur la lumière intérieure peut vous aider à trouver des solutions !), certaines pièces sont petites et vous y manquerez de recul, le décor est parfois chargé…

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Quand la lumière est suffisante et le cadre relativement sobre, votre domicile est le lieu le plus naturel pour prendre en photo votre enfant dans son environnement quotidien.

Rechercher un lieu extérieur peut donc vous offrir un cadre différent et qui apporte une variété intéressante (et une lumière abondante !). Recensons quelques-unes des possibilités qui s’offrent à vous.

•Le parc est un lieu de choix : de l’espace, un cadre souvent agréable et photogénique, un lieu synonyme de plaisir pour votre enfant… Attention néanmoins à certains pièges : le vert de l’herbe et des arbres peut donner une coloration désagréable à la peau, et la lumière inégale qui filtre à travers les arbres est parfois difficile à gérer.

•Si vous êtes citadin, la ville offre de nombreux endroits très photogéniques : couleurs, textures, ruelles, escaliers, ponts, petites places ou éléments industriels, tags… Attention tout de même à la sécurité (pas de photo au milieu de la route, même si le décor y est particulièrement intéressant), prenez garde aussi aux bouts de verre ou autres éléments dangereux sur le sol.

•La pleine campagne offre un cadre bucolique parfait, surtout au printemps pour profiter des arbres en fleurs, ou à l’automne pour les couleurs chaudes de la nature. Attention tout de même au décor romantique qui peut rapidement tourner au cauchemar (épines, ronces, piqûres d’insectes…).

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Les couleurs et la géométrie de ce cadre urbain en font un décor particulièrement original.

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Rien de tel que de grands espaces et la possibilité de courir librement pour faire plaisir à un petit bonhomme de 3 ans !

Choix vestimentaires : comment éviter les fausses notes

Si vous cherchez à immortaliser votre quotidien dans tout son naturel, la question des vêtements ne se posera pas, vous photographierez ce qui se présentera. En revanche, si vous anticipez un moment où vous comptez prendre des photos et que vous vous demandez comment habiller vos enfants ou quels vêtements choisir pour vous-même, il peut être utile de considérer quelques règles simples.

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Mahé arbore fièrement son tee-shirt préféré… Dommage que Maître Yoda lui vole un peu la vedette !

•Ne pas s’endimancher. La meilleure façon d’obtenir des clichés forcés et décevants est de mettre à vos enfants des vêtements dans lesquels ils ne seront pas à l’aise. C’est aussi valable pour vous. Les vêtements du quotidien sont à préférer aux tenues guindées !

•Évitez les logos, les gros imprimés ou les personnages de dessins animés qui risqueraient de devenir le point d’attention principal de votre image et de détourner le regard du visage de votre enfant.

•Les gros carreaux ou grosses rayures peuvent provoquer le même effet que les logos : préférez la simplicité !

•Pour ce qui est des couleurs, rien n’est vraiment à éviter (on a tendance à considérer que le vert donne mauvaise mine, mais les verts très frais et gais qu’on trouve dans la mode pour enfants peuvent aussi être très photogéniques).

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Des couleurs vives dans un environnement neutre créent un contraste visuel intéressant.

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À l’inverse, dans un environnement bariolé, mieux vaut privilégier les vêtements unis ou les couleurs neutres pour ne pas surcharger l’image visuellement.

En revanche, si vous comptez photographier plusieurs personnes en même temps, demandez-vous si les couleurs qu’elles portent s’harmonisent afin d’éviter une cacophonie visuelle.

•De façon générale, les teintes unies et les tons moyens seront vos meilleurs atouts. Évitez cependant d’habiller tout le monde avec des vêtements identiques ou de même couleur, le résultat serait artificiel et relativement ennuyeux.

•Le blanc et le noir purs peuvent être très graphiques, mais sont souvent difficiles à photographier (on a tendance à perdre les détails des vêtements). Demandez-vous aussi quelle sera la couleur de l’environnement ou du fond qui servira de cadre à votre image : du noir sur un fond sombre, ou du blanc sur un mur blanc risquent de donner une image manquant cruellement de contraste, et où les visages de vos sujets vont sembler « flotter ».

•La texture des vêtements peut être extrêmement photogénique : une grosse maille, du velours… Le jean passe aussi très bien en photo.

•Si vous utilisez des vêtements très colorés ou bariolés (ce qui peut donner des images joyeuses et dynamiques), préférez un environnement assez neutre ou unicolore, pour éviter la saturation visuelle !

•Enfin, la peau d’un bébé ou d’un enfant est particulièrement agréable à regarder… si la température le permet, n’hésitez pas à les laisser nus ou en sous-vêtements, ils en seront d’ailleurs ravis.

DES RÈGLES À SUIVRE… OU PAS !

Tous les conseils qui précèdent sont là pour vous aider lorsque vous manquez d’inspiration, mais aucun d’entre eux n’est une règle d’or. Si votre instinct ou vos envies vous dictent de faire le contraire, autorisez-vous à oublier les règles ! Et si votre enfant meurt d’envie de mettre son slip Mickey préféré avec ses bottes de pluie et sa cape de Superman, dites-vous que c’est probablement la meilleure tenue qui soit.

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Le bonheur du dimanche matin : pas besoin de s’habiller pour aller à l’école !

Toujours prêt !

Gardez votre appareil prêt à l’action, à portée de main.

Un enfant passe vite d’une activité à l’autre. Si vous apercevez une scène que vous avez envie de capturer, et que vous devez pour cela ouvrir un placard, changer la batterie ou remplacer la carte mémoire, il y a de sérieux risques que le bon moment se soit évaporé avant même que votre appareil ne soit prêt à l’action. Conservez-le dans une pièce de vie, prêt à être utilisé, mais hors de portée des petites mains curieuses (et potentiellement destructrices !).

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Un moment de tendresse qui ne dure que quelques secondes à peine… Heureusement que Stacey avait son appareil prêt à immortaliser la scène avant que l’enfant (ou le chat !) ne passe à autre chose.

Le nouveau-né (0-1 mois)

La photo du nouveau-né, de sa naissance à 1 mois environ, est l’objet de toutes les attentions. C’est la période où l’on veut présenter son bébé au monde, c’est aussi celle où l’on peut envisager d’utiliser des images pour la réalisation d’un faire-part de naissance. Et, plus encore, c’est ce moment où l’émerveillement des parents est à son comble, et où l’on aimerait capter l’essence de ces tout premiers jours qui passent à une vitesse ébouriffante.

C’est une période au cours de laquelle vous réaliserez probablement des centaines, voire des milliers de photos. Mieux vaut donc vous y préparer.

Au premier abord, prendre un nouveau-né en photo peut sembler extrêmement simple : il ne bouge pas ou très peu, il est docile et manipulable, et il ne risque pas vraiment de protester à la vue de l’appareil photo. En somme, le modèle idéal. Pourtant, photographier un nouveau-né présente de nombreux défis !

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Viktor était encore dans le ventre de sa maman il y a quelques toutes petites semaines. Les progrès qu’il a réalisés depuis sa naissance sont incroyables : il commence déjà à fixer du regard et à exprimer par ses mimiques l’attention qu’il porte à son interlocuteur.

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Profondément endormie dans les bras de sa maman, Jeanne est un modèle docile et coopératif.

La sécurité : votre maître-mot !

Attention, un nouveau-né est fragile et, quelle que soit l’envie que l’on peut avoir de réaliser un beau cliché, sa sécurité ne peut pas être en jeu.

Internet a popularisé des images de nourrissons dans des positions certes attendrissantes, mais peu naturelles : enveloppés dans un tissu suspendu à une branche, la tête en équilibre posée sur les poings… Ne vous y leurrez pas, ces images sont des montages. Elles sont totalement truquées grâce à des logiciels appropriés, et le résultat final n’a rien à voir avec les conditions réelles de prise de vue (où, fort heureusement, aucun nouveau-né n’a été balancé en équilibre au-dessus du sol).

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Face à face entre Jeanne et son papa. Un moment de vie tout simple, sans poses ni accessoires, qui leur rappellera l’émotion des premiers échanges de regards.

Ne vous amusez donc surtout pas à réaliser ce genre d’images à la maison ! Privilégiez le naturel, les images qui vous rappelleront la réalité de cette période de votre vie, plutôt que des images fabriquées pour l’occasion. Le résultat sera beaucoup plus touchant et moins artificiel.

N’OUBLIEZ JAMAIS LES RÈGLES ÉLÉMENTAIRES DE SÉCURITÉ

•Ne laissez jamais un nouveau-né sans surveillance, même quelques minutes !

•Si vous placez votre enfant en hauteur, ou bien dans un panier ou tout autre contenant dont il pourrait tomber, il faut obligatoirement qu’une autre personne reste constamment à côté de lui afin d’assurer sa sécurité pendant que vous êtes de l’autre côté de l’objectif.

•Manipulez votre enfant avec douceur et ne le placez pas dans des positions qui ne lui seraient pas naturelles.

•Veillez à la température de la pièce.

•N’utilisez jamais le flash qui pourrait agresser les yeux de votre bébé.

Le meilleur moment

C’est en observant votre bébé que vous déterminerez le moment où il est généralement le plus serein, et qui garantira donc une prise de vue agréable pour lui et pour vous. Le matin est souvent un moment propice ; en fin de journée, en revanche, certains bébés sont parfois inconsolables – mais ce n’est pas une règle d’or.

Suivez néanmoins quelques principes simples : un bébé est généralement détendu quand il a le ventre plein et les fesses propres, et quand la température est chaude et confortable. N’hésitez pas à surchauffer la pièce, surtout si vous le déshabillez pour le photographier : un nouveau-né se refroidit très vite ! Dites-vous que même si vous avez trop chaud, il est probable que la température soit idéale pour lui. Rappelez-vous qu’il vient de passer neuf mois dans un environnement à 37°, donc la température ambiante de votre logement s’apparente probablement au pôle Nord pour lui !

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Un body pour garder le corps au chaud, un chauffage d’appoint qui tiédit la pièce, et un ventre bien rempli… Il n’en faut pas plus à Alice pour apprécier la séance photo !

Attention, encore une fois, à sa sécurité : si vous utilisez un chauffage d’appoint pour vous assurer que la température soit suffisante pour lui, ne le mettez pas trop près pour éviter les risques de brûlure.

Certains sons peuvent aussi aider à apaiser votre enfant pour qu’il soit serein : de la musique douce ou bien les fameux « bruits blancs », ou encore les sons reproduisant l’environnement acoustique in utero que l’on trouve dans les boutiques de puériculture ou dans les rayons de disques.

Les positions : confort et sécurité

Pensez au confort du bébé avant tout : les positions « créatives » qui pourraient être désagréables ou dangereuses pour lui sont évidemment à proscrire.

Un nouveau-né passe le plus clair de son temps allongé sur le dos. C’est donc cette position qui sera la plus naturelle, c’est aussi celle qui permet de voir son visage le plus simplement possible. Essayez de vous placer face à ses yeux, ou bien légèrement au-dessus afin d’éviter d’avoir un angle « sous le nez » qui est peu flatteur. Vous pouvez aussi tourner tout autour de lui pour capturer son profil, ou ses interactions avec le monde qui l’entoure.

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Lorsque l’enfant est sur le dos pendant un moment d’éveil, vous pouvez capter son regard en vous plaçant directement au-dessus de lui. Même s’il ne vous distingue pas encore très bien, la tache noire de l’appareil photo est un point de contraste dans son environnement qui va naturellement attirer son attention.

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Confortablement installé sur le dos, le bébé peut plus facilement interagir avec son environnement, réagir au son de la voix de ses parents, ou profiter de l’attention curieuse de ses frères et sœurs.

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Cette image a été réalisée avec une haute sensibilité ISO (2 000) pour respecter la qualité de la lumière naturelle, et pour éviter d’agresser les yeux du bébé avec l’éclair du flash. Le bruit numérique est légèrement visible en raison du choix d’exposition (laisser la peau des sujets assez sombre pour mettre en valeur le contre-jour), mais il ne gâche pas ce moment de complicité entre Élisa et sa maman.

Enfin, une autre position naturelle pour un nouveau-né est tout simplement dans les bras de ses parents. Vous y trouverez une source infinie de positions permettant d’immortaliser sa frimousse, mais aussi l’occasion de capturer l’émotion des premiers échanges parents-bébé.

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Moment de tendresse et d’échange entre Viktor et son papa.

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En se plaçant légèrement au-dessus, on peut saisir l’expression d’abandon d’Alice, profondément endormie contre sa maman.

Certains bébés sont des modèles plus faciles que d’autres. Il est parfois compliqué de photographier un nourrisson qui pleure beaucoup, qui a mal au ventre, ou qui a besoin d’un contact physique constant avec ses parents pour être rassuré. Là encore, c’est le confort du bébé qui doit primer avant tout. Cherchez la position qui lui convient, et dès que vous l’avez trouvée, ne le dérangez plus ! C’est à vous de tourner autour de lui, de varier vos angles et vos points de vue pour créer une diversité d’images sans jamais avoir à le manipuler ni à le sortir de sa bulle de bien-être.

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Moment d’éveil tout en douceur pour Alice, qui profite du contact chaud et tendre de sa maman. En variant mes angles, j’ai pu capturer une variété d’images sans prendre le risque de perturber la sérénité de ce moment.

Les vêtements

Quand on photographie un tout petit bébé, sa peau nue est souvent son meilleur habit. Le nouveau-né a tendance à flotter dans ses vêtements, qui cachent les formes de son corps et créent des plis disgracieux, ce qui n’est pas très photogénique ; n’hésitez donc pas à enlever les pyjamas et autres tenues amples (à condition toutefois de suivre les conseils de température cités précédemment).

Si vous photographiez le bébé sans vêtements, attention à la couche qui n’est pas du plus bel effet en photo, pensez à l’ôter également (ce qui nécessite toutefois de protéger l’environnement des incidents qui ne manqueront pas de se produire) ou bien à la camoufler avec un tissu ou une culotte adaptée.

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Certains bébés pleurent lorsqu’on les déshabille, mais d’autres apprécient la nudité. C’est le cas d’Eden, ravi de profiter de cette liberté inespérée. Un petit short uni cache sa couche, dont le décor bariolé attirait un peu trop l’attention.

Comme vous le remarquerez en parcourant ce chapitre, ma préférence personnelle est de photographier les nouveau-nés en body : le vêtement est suffisamment près du corps pour qu’on devine leurs formes et l’effet est surtout beaucoup plus naturel que de les photographier déshabillés. En effet, à part en période de grande canicule, on ne laisse jamais un nourrisson tout nu au quotidien car il est bien trop sensible aux variations de température.

À chaque nouveau-né, son caractère

Tous les jeunes parents le savent : à quelques jours de vie seulement, le caractère d’un bébé est déjà bien affirmé… sachez le respecter ! Votre enfant déteste être nu ? Qu’à cela ne tienne, rassurez-le en l’emmaillotant dans un tissu tout doux.

D’autres, au contraire, ne supportent pas d’être emmaillotés : veillez à toujours laisser leurs mains et bras libres de leurs mouvements.

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Jade ne semble se sentir bien que lorsqu’elle est libre de ses mouvements. Le tissu qui l’enveloppe lui apporte une sensation de chaleur, mais ses mains et ses pieds sont dégagés pour s’adapter à ses préférences.

Les accessoires

Faites simple ! Photographier votre bébé avec une fleur géante dans les cheveux ou des ailes d’ange dans le dos vous paraît peut-être attendrissant aujourd’hui, mais qu’en sera-t-il dans dix ans ? De plus, cet accessoire n’est-il pas en train de prendre le pas sur le véritable sujet de votre photo, qui est votre enfant ?

Rien ne surpassera jamais la simplicité d’un portrait vrai, sans accessoire.

Enfin, essayez de privilégier un décor aussi neutre que possible. Une couverture ou un tissu doux et uni sera probablement le meilleur choix. Si vous souhaitez mettre de la variété dans vos photos, vous pouvez utiliser des textures toutes simples, comme dans les photos qui suivent.

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Si on avait photographié Jeanne avec un bonnet ou un bandeau sur la tête, l’accessoire lui aurait volé la vedette. En revanche, la présence de la main de sa maman dans l’image ajoute une touche de douceur et de tendresse, tout en soulignant la petitesse de son visage de nourrisson. Une caresse du quotidien qui ne manquera pas d’attendrir Jeanne quand elle feuillettera les albums photo de son enfance.

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Le tissu sombre du canapé crée un contraste saisissant qui tranche avec la douceur habituelle des portraits de nourrissons.

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Cette couverture en tricot ajoute une texture intéressante à cette image, tout en créant de douces lignes directrices qui accompagnent le regard de gauche à droite, dirigeant l’attention sur le bébé.

La peau

La peau d’un nouveau-né est l’un des grands défis du photographe de portrait. Souvent violacée ou tachetée de rouge, parfois très jaune en cas de jaunisse, elle peut se couvrir de petits boutons d’acné.

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Une mesure Spot sur la peau de Viktor et une correction d’exposition de +2/3 ont suffi à s’adapter à sa peau claire pour obtenir la juste exposition de l’image.

La peau « parfaite » du nouveau-né d’un agréable ton crème rosé que vous trouverez sur des photos professionnelles est rarement le reflet de la réalité, mais plutôt le résultat d’une retouche soigneuse et délicate nécessitant des connaissances techniques très avancées, qui ne sont pas l’objet de ce livre et, surtout, qui ne sont pas à la portée d’un photographe amateur. Mais il existe néanmoins quelques trucs et astuces pour minimiser les difficultés liées à la peau :

•une exposition parfaite. Il n’y a pas de secret : sur une image parfaitement exposée (voir chapitre 1, page 18), le sujet aura une peau nettement plus agréable à regarder ;

•une lumière flatteuse. Une lumière à 45° environ sera la plus agréable (voir chapitre 4). Quelle que soit l’orientation de votre source lumineuse, ce qui fera la différence c’est d’avoir une lumière aussi douce que possible, sans trop de contraste (pour ne pas faire ressortir tous les petits défauts de peau du nourrisson). Positionnez le bébé aussi près que possible d’une fenêtre ou d’une baie vitrée, à un moment où le soleil ne rentre pas directement dans la pièce ;

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Une grande porte-fenêtre est située à la gauche de Viktor (à droite de l’image), produisant une lumière douce et abondante, et faisant briller ses yeux.

•le noir et blanc. Quand la couleur est vraiment trop difficile à sauver, le noir et blanc est souvent la meilleure option ! Pour plus de détails sur le noir et blanc, vous pouvez vous référer à la fiche d’inspiration du chapitre 6.

Quelques idées à réaliser

Le quotidien d’un nouveau-né ne manque pas d’opportunités photographiques. Cependant, si vous manquez d’inspiration, voici quelques pistes à suivre pour diversifier l’album photo de son tout premier mois de vie.

Les détails

Si vous disposez d’un objectif macro ou d’un téléobjectif, pensez à photographier les petits détails qui font l’essence de ce stade de développement du nouveau-né : les premiers cheveux, les petits poils qui ornent son dos ou ses oreilles, ses lèvres ourlées, ses orteils ou ses doigts ciselés, sa petite peau qui craquelle… autant de détails qui s’effaceront à toute vitesse, et que vous serez ravi d’avoir immortalisés !

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Le tissu clair enveloppant les petits pieds de Max crée un contraste de couleur qui met en valeur ses orteils potelés, qu’une très faible profondeur de champ isole du reste de l’image (ouverture : f/3,2).

L’allaitement

Qu’il soit fait au sein ou au biberon, le moment de l’allaitement est central dans la vie du nouveau-né, il rythme sa journée et celle de toute la famille… c’est un souvenir essentiel !

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Un moment de douceur dont l’enfant n’aura aucun souvenir si les photos ne sont pas là pour le lui raconter.

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L’allaitement est aussi un temps de câlins que l’on peut partager en famille !

Le bébé dans son environnement

Même si la fascination que l’on peut ressentir pour son bébé tout neuf a tendance à nous pousser à le photographier d’aussi près que possible, il est intéressant de prendre quelques pas de recul pour documenter ce qui fait l’environnement de sa naissance : un câlin sur le canapé, une sieste dans son berceau, le moment du bain…

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La chambre de bébé évoluera au fil du temps et de sa croissance. Le prendre en photo dans le décor de ses premiers jours est un souvenir important.

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Il n’y a pas d’âge pour participer aux tout premiers jeux en famille !

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Parfois, il n’est même pas nécessaire que le bébé soit visible sur la photo pour raconter son quotidien.

Le sourire aux anges

Ce sourire béat qui survient au cours du sommeil profond est la quête de bien des parents. On rêve de l’attraper, sans savoir quand il va surgir…

Contrairement au bébé plus grand, chez qui on peut susciter un sourire en le chatouillant ou en lui faisant une blague irrésistible, le nouveau-né choisit seul le moment d’offrir ce sourire, et rien ne peut l’y contraindre.

Néanmoins, il existe des signes qui peuvent vous aider à le capturer. En observant les moments auxquels il survient, vous aurez plus de chances de prédire le suivant.

Il surgit le plus souvent dans une phase de sommeil profond, mais aussi et surtout dans une phase de rêve. Il sera donc en général précédé de petits tressaillements, de mouvements incontrôlés du visage et du corps, de tous ces petits signes qui vous montrent que votre bébé est en train de rêver.

De plus, ce sourire vient rarement seul. Il en arrive souvent une série de trois ou quatre dans une période de temps assez courte, donc si votre appareil est à portée de main, le premier sourire peut suffire à vous alerter à temps pour capturer les suivants !

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C’est dans les bras de maman ou papa, juste après la tétée ou le biberon, que l’on a le plus de chances de voir apparaître ces sourires craquants.

Le bébé de moins de 6 mois

La période où le bébé n’est plus un nouveau-né, mais encore un nourrisson tout neuf est un âge souvent redouté par les photographes. Le bébé n’est plus aussi malléable que dans ses premiers jours, mais il ne tient pas encore assis, ce qui limite la possibilité de varier les positions.

Pourtant, dès lors que l’on abandonne le regard du photographe pour voir le bébé avec son œil de parent, on se rend compte à quel point c’est un âge important à immortaliser. Plus qu’à toute autre période de sa vie, votre bébé change chaque jour. Il grandit à toute allure, s’éveille, esquisse ses premiers sourires, ses premiers babillages. Il découvre le monde qui l’entoure et est avide d’interactions avec les adultes et les autres enfants de son entourage. Autant de progrès et d’aventures à documenter.

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Pendant ses premières semaines de vie, vous l’avez dorloté quotidiennement… Maintenant qu’il grandit, c’est enfin lui qui peut vous faire des câlins, et il ne s’en prive pas !

Une infinie palette d’expressions

C’est sans aucun doute l’élément le plus marquant de cette période de la vie. Chaque jour semble amener une nouvelle mimique, une expression inconnue, une bouille irrésistible. Parmi ces expressions nouvelles, l’apparition du « vrai » sourire (non pas le sourire réflexe du nouveau-né repu, mais bien le sourire qui vous est adressé yeux dans les yeux) est un régal de photographe. Vous aurez d’autant plus de chances de le susciter si vous souriez vous-même. Évitez donc d’être constamment caché derrière votre appareil, montrez votre visage aussi souvent que possible pour engager une interaction avec votre bébé, et soyez prêt à déclencher lorsque son sourire ne manquera pas d’apparaître.

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Arthur a 5 mois, un âge où le bébé adore interagir avec son entourage, et rire aux éclats à la moindre occasion !

Au-delà du sourire, ce qui caractérise le plus cette période de la vie d’un bébé est la vitesse à laquelle toutes les émotions qui le traversent se traduisent sur son visage. Il vous suffira de jouer quelques secondes avec lui, en lui parlant, lui chantant ses chansons préférées, agitant un objet qui l’intéresse… pour saisir ses mimiques les plus familières.

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Un simple coup d’œil par-dessus l’appareil, une petite grimace suivie d’un grand sourire, le tintement d’un trousseau de clés… ont suffi à susciter toute une palette d’expressions de Siam, en quelques minutes seulement.

Des positions naturelles

Comme pour le nouveau-né, la position sur le dos est naturellement confortable pour le bébé, puisque c’est celle qu’il pratique le plus clair de son temps. Elle vous offre aussi une grande variété d’angles de prise de vue si vous vous déplacez autour de lui :

•au-dessus de votre bébé, à la hauteur de ses yeux ;

•sur le côté, en vous plaçant à son niveau ;

•légèrement au-dessus, en attirant son attention pour qu’il lève la tête vers vous.

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En vous plaçant à la même hauteur que votre enfant, vous obtenez un point de vue nouveau qui change de la position habituelle de l’adulte surplombant son bébé.

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Quand vous photographiez votre enfant du dessus : attention à votre placement ! Si vous vous situez en dessous de la ligne de ses yeux, vous aurez une vue en contre-plongée (vers ses narines) peu flatteuse. Il vaut mieux se situer soit à la hauteur de ses yeux, soit légèrement au-dessus.

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En surplombant légèrement le bébé et en attirant son attention pour qu’il lève la tête en arrière, vers l’objectif, vous obtiendrez un portrait très doux, où les yeux prennent une place prédominante.

Quand le dos du bébé commence à être suffisamment musclé, on peut aussi maintenir son dos pour l’aider à s’asseoir, ce qui permet de se placer face à lui.

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Lucie ne tient pas encore assise seule mais, avec l’aide de ses parents, elle est ravie de se redresser comme une grande !

Au cours de ses premiers mois, votre bébé va devenir suffisamment costaud pour soulever sa tête quand il est sur le ventre, puis pour tenir en appui sur ses bras. Mettez-vous face à lui pour capter son regard si fier de cet exploit ! Sachez néanmoins que certains bébés détestent être sur le ventre, mieux vaut dans ce cas ne pas les y forcer.

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Chaque fois que Marianne lève sa tête pour me regarder, je la félicite avec enthousiasme, pour son plus grand plaisir.

Comme pour la photo de nouveau-nés, les textures, couvertures et autres matières que vous pourrez intégrer dans vos images permettront de varier l’intérêt visuel de vos portraits.

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Ici, la couverture apporte non seulement une texture à l’image, mais aussi un cadre original qui fait ressortir le grand sourire d’Ai-Vân.

Enfin, un bébé de cet âge passe une partie importante de son temps dans les bras d’un adulte. C’est donc une bonne raison pour le prendre en photo ainsi. Mais au-delà du souvenir authentique des câlins et des jeux dans les bras de papa ou maman, c’est aussi la possibilité de le photographier sous des angles différents et plus variés.

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Dans les bras d’un adulte, votre bébé a son dos soutenu et peut garder une position verticale.

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Dès que votre bébé tiendra suffisamment bien sa tête pour être soulevé dans les airs, vous aurez la possibilité de le photographier sous un nouvel angle… et d’obtenir par la même occasion ses premiers éclats de rire !

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Lorsque votre bébé est porté à plat ventre sur le bras d’un adulte, il vous suffit de vous placer au niveau du sol pour capter son regard.

Un bébé avide d’interactions

C’est l’autre caractéristique majeure de cette période de 2 à 6 mois environ : votre bébé vous voit de plus en plus nettement et il est avide d’échanges et d’interactions. Il adore qu’on lui parle, qu’on lui chante des chansons, qu’on le regarde, et commence à répondre avec son visage et sa voix.

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Des échanges de regards qui en disent long entre Michelle, 3 mois, son papa et sa grande sœur, Lou-Ann.

Nous avons vu plus haut comment saisir toute cette palette d’expressions, mais plutôt que de vous focaliser sur le visage de votre bébé, vous pouvez choisir de documenter l’interaction elle-même en photographiant les échanges qu’il aime avoir avec votre conjoint ou les autres personnes de son entourage.

Là encore, pensez à varier vos angles en vous mettant au niveau du bébé ou au-dessus de lui, afin de capter une plus grande diversité de points de vue.

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Moment de tendresse pour Marianne et sa maman.

C’est aussi la période où commence la fascination du bébé pour ses frères et sœurs. Il s’illumine dès que ses aînés passent dans son champ de vision, et leur moindre mouvement suscite son hilarité. Ne manquez pas de photographier ce tout début d’une longue histoire de complicité.

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Ai-Vân a 5 mois et n’a d’yeux que pour son frère Tao, qui sait mieux que personne déclencher son rire. D’ailleurs, c’est à lui qu’elle a offert ses tout premiers éclats de rire !

Les détails à saisir

À tous les âges de la croissance de votre enfant, n’oubliez pas de photographier les petits détails qui marquent les différentes étapes de son développement.

Au fil de ses tout premiers mois de vie, votre nouveau-né longiligne aux jambes curieusement maigrelettes va devenir un poupon grassouillet et rebondi. Ses petits bourrelets, ses plis aux poignets ou aux chevilles, ses orteils dodus sont autant de détails à garder en mémoire.

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Cuisses dodues et pieds potelés… Aucun doute, à 3 mois, Myla n’est vraiment plus un nouveau-né !

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Ce moment où le bébé trouve enfin son pouce et s’endort profondément fait partie de ces détails dont on se souviendra plus tard avec émotion.

La découverte de ses mains (puis de ses pieds) est un autre stade majeur du développement de votre bébé entre 3 et 6 mois. Il va passer des heures entières à contempler avec fascination ses doigts ou ses orteils. Une occasion pour vous de saisir sa toute nouvelle capacité de concentration !

PHOTOGRAPHIEZ LES PETITS MOMENTS DU QUOTIDIEN

Votre bébé ne gardera aucun souvenir conscient de ses premiers mois de vie. Les photos seront donc un support inestimable quand il sera plus grand, pour lui raconter le tout début de son histoire. N’oubliez donc pas d’immortaliser les petits moments simples de sa journée : votre bébé dans son berceau, dans son lit, sur son tapis d’éveil, etc. Autant de détails qui lui raconteront ces moments oubliés de son enfance.

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Ah, la joie de pouvoir enfin maîtriser son geste et jouer avec ses pieds ! Une occupation majeure pour votre bébé à cette période de son développement.

Le bébé de 6 mois à 1 an

Cette période pourrait se résumer en deux mots : assis, enfin ! Votre bébé est face au monde, fièrement vertical, ce qui marque pour lui le début d’une ère riche en progrès et acquisitions. C’est aussi, pour vous qui photographiez son quotidien, le début d’un âge d’or. Le bébé assis mais qui ne se déplace pas encore est un modèle idéal : captif et docile, mais aussi joyeux et ravi d’être au centre de l’attention.

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Cette photo d’Henry raconte à elle seule pourquoi les photographes adorent les bébés de 6 mois et plus. Leur bonne humeur est sans limite, et leur palette d’expressions craquantes semble infinie.

Des progrès fulgurants à documenter

Pas un jour ne se passe sans une nouveauté, une étape franchie, un nouveau progrès. La position assise permet à votre bébé d’aborder le monde les mains en avant, avide de découvertes.

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Assis, votre bébé peut enfin attraper tout ce qui est à sa portée pour l’examiner avec attention, comme Prisco qui découvre les joies de jouer dans l’herbe. Cette activité permanente de ses petites mains est une des caractéristiques majeures de la période des 6-12 mois.

Cette nouvelle motricité fine va lui permettre d’acquérir de nouveaux mouvements dont il est très fier : applaudir, dire au revoir avec la main, faire les petites marionnettes, emboîter des objets…

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Quand bébé applaudit, vous avez deux possibilités : soit utiliser une vitesse élevée pour figer l’action (1/400 s, par exemple), soit choisir une vitesse un peu plus lente (1/80 s, par exemple) pour que le flou de ses mains suggère le mouvement. Cette deuxième option vous demandera sans doute plusieurs tentatives, car en bougeant ses mains, l’enfant peut aussi bouger le reste de son corps, ce qui risque de produire une photo complètement floue.

Votre bébé va aussi découvrir les joies des premiers repas à la cuillère, et ouvrir ainsi les portes d’un monde gustatif jusqu’alors inconnu.

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Grandir ensemble : les joies d’un « vrai » repas pour la petite dernière, la fierté d’être à l’autre bout de la cuillère pour les deux grandes.

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La période de la chaise haute est pleine d’opportunités pour le photographe : l’enfant y est captif et en sécurité, ce qui laisse plus de temps pour composer son image ou choisir la bonne lumière.

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C’est aussi l’âge où l’enfant prend un immense plaisir à manger avec ses doigts : une étape à ne pas manquer !

Chez certains enfants, la période statique laisse rapidement la place au crapahutage : ils rampent, ils marchent à quatre pattes, bref ils explorent… Vous allez devoir vous habituer à suivre votre enfant à la trace et à photographier un bébé en mouvement.

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Dès que votre enfant se déplace, la vitesse d’obturation devient une variable clé (voir encadré « Mouvement et vitesse »).

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À partir du moment où il marche à quatre pattes, votre bébé va prendre un malin plaisir à tenter de vous échapper. Jouer à lui courir après puis à lui barrer la route est un moyen très sûr de capturer des sourires ravis.

Au fil des mois, ses jambes sont de plus en plus musclées et se préparent pour la marche. Même s’il a besoin d’aide pour garder l’équilibre, votre enfant adore se mettre debout ; c’est d’ailleurs l’un des meilleurs moyens de photographier son visage illuminé par la joie !

MOUVEMENT ET VITESSE

Jusqu’à présent, la relative immobilité de votre bébé vous permettait de le photographier à des vitesses assez basses. Dès lors qu’il est en mouvement, votre vitesse d’obturation devient un élément essentiel d’une photo réussie si vous voulez éviter le flou de mouvement. Ne descendez jamais en dessous de 1/200 s, sauf si votre bébé est complètement immobile ou qu’il dort.

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Debout, enfin ! De Lucie ou de ses parents, on se demande qui est le plus fier de ce nouveau grand progrès…

Une personnalité qui s’affirme

Le bébé de 6 à 12 mois est particulièrement joyeux et joueur. Ses sourires auront sans aucun doute une place centrale dans vos images.

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Grands yeux bleus et sourire ravageur… Qui peut résister à Soren ?

C’est aussi le moment de capturer son rire, qui n’a pas besoin de grand-chose pour jaillir. Une fois de plus, sollicitez la complicité d’un membre de la famille pour jouer avec votre enfant, le chatouiller, le faire voler dans les airs… Applaudir chacun de ses exploits est aussi un moyen très sûr d’obtenir un large sourire.

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Le jeu, les chatouilles, le rire peuvent amener des mouvements rapides. Gardez votre vitesse à 1/250 s minimum, voire 1/500 s si vous faites voler votre enfant dans les airs.

Très rapidement, le jeu du coucou/caché va devenir un des plaisirs favoris de votre bébé. Vous pouvez l’utiliser en vous cachant vous-même et en saisissant l’expression de joie de votre enfant quand vous réapparaissez enfin, ou bien utiliser un coussin ou une couverture pour qu’il puisse se cacher lui-même et être acteur du jeu.

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L’expression hilare de Léonie ne laisse aucun doute : faire « coucou » est de très loin son jeu préféré du moment !

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En grandissant, l’enfant deviendra parfois l’initiateur du jeu, pour le plus grand plaisir de son entourage.

L’enfant de 6 à 12 mois est avide d’interactions. Il est particulièrement friand de la présence d’autres enfants plus grands, qu’il peut regarder avec admiration pendant des heures. Les aînés sont généralement ravis de l’attention qu’il leur porte, et ne se font pas prier pour le faire rire aux éclats !

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Pour Soren, il n’y a pas de spectacle plus fascinant que les exploits de ses sœurs !

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L’enfant de plus de 6 mois n’est plus le nourrisson fragile qu’il était il y a peu. Les interactions avec ses frères et sœurs peuvent donc être plus physiques qu’avant, pour le plus grand plaisir des uns et des autres.

C’est souvent à cette période que le bébé choisit son doudou ou son jouet favori, qui tiendra une place centrale dans sa petite enfance. Voilà une autre occasion de photographier la personnalité de votre enfant qui s’exprime un peu plus chaque jour.

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Même pour faire des pitreries, Léo ne lâche jamais sa peluche préférée !

Enfin, le bébé de 6 à 12 mois est généralement très câlin. Il adore se jeter dans vos bras et se lover dans votre cou. Un souvenir à ne pas manquer !

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Le plaisir de se jeter au cou de maman et d’entendre son rire…

Les détails à saisir

Comme aux étapes précédentes de son développement, n’oubliez pas de documenter tous les petits détails qui font l’essence de cette période.

Les bourrelets, les premières dents qui percent, l’inévitable filet de bave qui semble sortir en continu de sa bouche pendant des mois et des mois, sont autant d’étapes à immortaliser.

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Ici, l’angle de prise de vue nous montre que ce n’est pas le visage de Léonie qui est le sujet de l’histoire, mais bien tous ces petits détails propres à son âge : les cuisses rebondies, les pieds potelés, et la sucette qui n’est jamais bien loin.

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En photographiant Candice sur le dos, on s’offre une vue plongeante sur ses toutes premières quenottes !

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Les petits cheveux qui commencent à pousser sont aussi un détail à ne pas manquer de documenter.

Le bébé de 6 à 12 mois commence à avoir son « vrai » visage, celui que l’on reconnaîtra plus tard dans ses traits d’enfant puis d’adulte. Il acquiert aussi une palette d’expressions considérable, par mimétisme avec les personnes qui l’entourent. Ses bouilles incroyables sont un souvenir à ne pas manquer d’immortaliser !

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Tessa n’a que 6 mois mais ses mimiques irrésistibles donnent déjà un aperçu de sa personnalité future.

Et comme à chaque âge de son enfance, n’oubliez pas de prendre un peu de recul pour photographier votre bébé dans son environnement quotidien : son parc, son lit, son tapis d’éveil, la table à langer sont autant de lieux centraux dans le déroulement de sa journée ; ils ont donc toute leur place dans ses souvenirs d’enfance.

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Entre 6 et 12 mois, votre enfant passe un temps considérable dans son lit de bébé, qui bientôt sera trop petit pour lui. N’oubliez pas de garder une trace de cet endroit si important.

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Dès que l’enfant se déplace, les premières bêtises font leur apparition… et les souvenirs impérissables qui vont avec !

ENVIE D’INSPIRATION ?

Les fiches proposées dans le chapitre 6 de ce livre sont là pour vous donner des idées créatives. Certaines sont particulièrement adaptées à ce stade des 6-12 mois : les bulles, le bain, le sommeil, les jeux sur le lit, le doudou.

Le bébé de 1 à 2 ans

C’est un vrai tourbillon. En l’espace d’une année, votre bébé se transforme en jeune enfant qui marche, commence à manger seul, explore le monde avec indépendance et accède à la parole. Une véritable métamorphose qui se déroule sous vos yeux et qui offre des possibilités photographiques infinies.

Mais c’est aussi un âge plein de défis pour l’apprenti photographe : finie la phase du bébé docilement assis, qui ne demande qu’à sourire à la moindre sollicitation ! Votre enfant n’a qu’une seule idée en tête : assouvir sa curiosité et explorer son environnement, si possible en s’éloignant de vous à toute vitesse.

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Premiers pas un peu chancelants mais néanmoins déterminés pour Mlle Kim !

Les premiers pas

Tous les parents attendent ce moment avec un mélange d’impatience et d’appréhension. Cet enfant qui apprend à marcher accède peu à peu à l’autonomie, il faut se préparer à lui courir après, mais aussi à le laisser voler de ses propres ailes.

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Un meuble, une table basse, un rebord de fenêtre… Tout est bon pour pratiquer ses nouveaux talents d’équilibriste.

Votre bébé va déployer une énergie considérable à se préparer à la marche : en se tenant fièrement debout, en lâchant les mains, en vous sollicitant inlassablement pour accompagner ses balades… autant de moments importants de son quotidien à fixer.

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Alma n’est pas encore prête à se lâcher « comme une grande » mais elle s’y prépare avec enthousiasme !

Les tout premiers pas sont un moment de grande émotion pour les parents, mais aussi pour l’enfant. Il existe mille façons de les raconter en images, notamment :

•en vous plaçant face à votre enfant et en le photographiant en pied, de façon à montrer l’action, mais aussi son expression de jubilation face à cet exploit tant attendu ;

•en vous plaçant au ras du sol, afin de capter la maladresse attendrissante du mouvement de ses petits pieds ;

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L’équilibre est encore instable, mais l’indépendance est officiellement en marche !

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Moment d’émotion partagé pour Nina et ses parents, qui pratique ses tout premiers pas protégée de leurs bras rassurants.

•en incluant dans le cadre l’autre parent, les grands-parents, ou tout autre adulte dans les bras duquel votre enfant sera ravi de se jeter.

VITESSE, ENCORE ET ENCORE

C’est une constante de cette période pendant laquelle votre enfant est en mouvement perpétuel : si vous voulez éviter le flou, assurez-vous que votre vitesse d’obturation est suffisante. Pour un petit marcheur, 1/250 s est une base minimale, mais il vous faudra monter plus haut quand il aura pris de l’assurance et commencera à trottiner.

L’âge de toutes les découvertes

Curiosité, découvertes, expériences, émerveillement. C’est l’essence de cette période qui va de 1 à 2 ans. Votre enfant touche à tout, essaye tout, s’intéresse et se passionne.

Le premier tour de manège, les balades en tricycle, le toboggan, la découverte de la plage… chaque jour amène une nouvelle expérience à photographier.

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Le sable est un lieu d’exploration privilégié pour un apprenti marcheur : plein de sensations nouvelles à découvrir, et des chutes bien plus douces que sur le bitume !

C’est aussi l’âge où votre enfant commence à être capable de se concentrer sur une activité qui le passionne : livres, cubes, jeux de construction, peluches… ne cherchez pas à capter son regard ou à attirer son attention, essayez plutôt de raconter l’intensité de sa concentration quand il se plonge dans une activité nouvelle et qu’il oublie complètement votre présence.

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En à peine un an, votre enfant est passé d’un bébé encore incapable de saisir un objet dans ses mains, à un petit architecte prêt à construire des villes entières !

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C’est sans doute la 135e fois qu’Anna « lit » la même page de son livre préféré, et pourtant l’émerveillement est toujours le même.

« Ne touche pas ! », « Non, pas à la bouche ! »… Les journées de votre enfant sont rythmées de ces petites phrases qui tentent de réguler son activité d’explorateur. Une fois de temps en temps, quand sa sécurité n’est pas en jeu, laissez-le faire et profitez-en pour documenter ses expériences parfois surprenantes.

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Plus tard, Kaden fera des bouquets de fleurs pour sa maman. Pour l’instant, il est occupé par une activité bien plus intéressante : les déguster une par une.

Un modèle peu coopératif

« Il n’écoute rien ; de toute façon, il ne fait que ce qu’il veut. » Voilà un constat partagé par la plupart des parents d’enfants de cet âge. Si vous pensez pouvoir le contraindre à poser pour vous, ou à faire cette photo parfaite que vous avez en tête, vous risquez une grosse déception, et beaucoup de frustration pour votre enfant comme pour vous.

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Enfin assez grand pour grimper seul sur le canapé (puis sur le lit, les chaises, les escaliers…) ! Le début d’une grande aventure pour votre enfant, mais aussi le début des problèmes pour les parents…

Et si le sujet de votre photo, c’était justement cet esprit d’indépendance ? Si vous abandonniez toute idée préconçue et que vous lui laissiez prendre les rênes et vivre sa petite vie ? Dans cette période qui va de 1 à 2 ans, la meilleure recette à appliquer lorsque vous photographiez votre enfant est de lâcher prise.

Photographiez votre enfant exactement tel qu’il est, dans les activités qu’il aura choisies lui-même : c’est la garantie de créer des images authentiques que vous aurez un grand plaisir à regarder quand votre enfant sera plus grand, car elles vous donneront une image fidèle de cette période de son enfance.

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Laisser l’enfant choisir tout seul l’activité qui lui fait envie, c’est le meilleur moyen de le photographier dans la bonne humeur !

Si vous tenez absolument à le faire tenir en place quelques minutes, il vous faudra trouver de quoi le contenir et occuper son attention. Une chaise sera souvent votre meilleur accessoire : il va s’y asseoir, puis y grimper, se mettre debout ou s’accroupir, à vous d’être assez rapide pour capter l’image voulue avant qu’il ne s’échappe ! Un objet inconnu aidera à le garder immobile, mais ne vous y trompez pas : c’est un âge auquel l’attrait de la nouveauté ne dure pas bien longtemps.

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Laisser votre enfant jouer avec des objets insolites l’aidera à tenir en place pour quelques précieuses petites secondes !

Enfin, vous aurez souvent besoin d’un allié pour prendre en photo un enfant de cet âge. Susciter son interaction avec un grand frère ou un adulte de son entourage est de loin le meilleur moyen de capter son attention et, par la même occasion, de déclencher son rire.

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Les enfants de cet âge sont généralement fascinés par leurs aînés. N’hésitez pas à solliciter les plus grands pour jouer avec eux et raconter ainsi leur complicité en images.

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Un moment de jeu sur le lit est idéal pour une petite séance photo. L’espace réduit évitera que votre enfant ne se sauve trop vite, et le matelas offre un support confortable pour jouer avec lui.

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Le chatouiller, lui courir après, le faire sauter ou voler dans les airs… tous les jeux d’action sont un excellent moyen de susciter le rire à cet âge. Cette image semble statique, et pourtant, le rire suscité par la séance de chatouilles crée des mouvements de tête rapides. Ici, une vitesse de 1/400 s a été nécessaire pour que le visage d’Arnaud reste net.

Les premières bêtises

Avec la capacité de se déplacer seul et l’envie insatiable de nouvelles découvertes qui caractérisent cet âge, viennent immanquablement les premières bêtises.

Même si certaines vous donnent une furieuse envie de vous arracher les cheveux sur le moment, n’oubliez pas de les immortaliser. Dans quelques années, le souvenir des heures de nettoyage ou de l’objet cassé se sera effacé, pour laisser place au rire et au plaisir de se rappeler le charme de cette période épuisante, mais adorable.

ENVIE D’INSPIRATION ?

N’hésitez pas à fouiller dans les fiches du chapitre 6 de ce livre : la plupart d’entre elles sont parfaitement adaptées à la période de 1 à 2 ans. Vous y trouverez notamment des idées de jeu à partager avec votre enfant : bulles, ballons, peinture… La fiche concernant les séries d’images racontant une histoire correspond, elle aussi, très bien à cette période.

Les conseils de Stacey Haslem

Stacey Haslem est photographe en Californie et mère de quatre enfants, dont la plus jeune, Leah, a notamment illustré avec enthousiasme la section « bêtises » de ce chapitre ! Elle nous livre ses conseils pour photographier cette délicate période qui va de 1 à 2 ans.

Profil Instagram : @staceyhaslem

•Soyez prêt ! Les enfants de cet âge sont rapides, ils changent d’activité en un clin d’œil. Dans la plupart des situations, j’essaye d’avoir mon appareil prêt à l’emploi : batterie chargée, carte mémoire bien en place, réglages courants effectués.

•Ne forcez pas les choses. Combien de fois ai-je eu une magnifique vision dans ma tête pour me retrouver avec un modèle refusant de coopérer ? Si vous voulez dégoûter votre enfant de l’appareil, le meilleur moyen est certainement de le forcer à faire ce qu’il n’a pas envie de faire. Quand ma fille n’est pas d’humeur à suivre ma vision, je pose mon appareil ou bien je capture ce qu’elle a choisi de m’offrir. Très souvent, je me rends compte que le résultat est en fait meilleur que ma vision initiale, ou au moins plus fidèle à sa personnalité. Parfois je repars bredouille, mais je me console en sachant qu’il y aura de meilleurs jours.

•Un exemple parfait pour illustrer le point précédent : un jour, je voulais photographier ma fille jouant à cache-cache dans la baignoire, mais elle n’en avait aucune envie. Son projet à elle, c’était d’éclabousser la salle de bains. J’ai saisi les images qui se présentaient, et le résultat fut bien au-delà de mes espérances. À la fin, elle finit par jouer à cache-cache avec moi, mais quand je regarde ces images, je dois admettre que celles où elle s’éclabousse sont de très loin mes préférées.

•Considérez les petites activités habituelles de vos enfants comme une opportunité photographique. Il y a beaucoup plus de chances qu’ils oublient votre appareil s’ils sont pris dans un moment familier. Je note sur un petit carnet les activités de ma fille qui me semblent les plus photogéniques (par exemple, lorsqu’elle joue dans le bain, ou à la dînette, ou lorsqu’elle fait tourner sa robe), et je me débrouille pour initier cette activité à un moment opportun pour moi : quand la lumière est bonne, ou quand la maison est bien rangée !

•Trouvez de quoi capter son attention. À cet âge, mieux vaut ne pas utiliser de récompense. Si je promets à ma fille un bonbon en échange de sa coopération, la seule chose qu’elle retient, c’est le mot « bonbon », et elle ne pense plus qu’à cela. En revanche, une friandise peut l’aider à rentrer ou rester dans la scène. Par exemple, j’avais très envie de la photographier en train de jouer dans son lit à barreaux avant qu’elle ne soit trop grande. Mais pour elle, le lit à barreaux est synonyme de sieste, donc elle n’avait aucune envie d’y aller. J’ai triché un peu en plaçant quelques friandises dans le lit, ce qui l’a immédiatement motivée à y rentrer !

L’enfant de 2 à 4 ans

Cette fois, ça y est, votre bébé n’en est plus un, et il sait vous le faire savoir ! Sa crise d’indépendance se transforme souvent en crise tout court, et vos projets photographiques se heurtent à son refus catégorique de coopérer. Ou pire, il se met soudainement à prendre la pose chaque fois que vous sortez votre appareil, en vous offrant son plus beau sourire crispé.

Pas de panique, ce chapitre est là pour vous aider !

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Un regard noir qui en dit long… inutile d’espérer pouvoir tirer autre chose de Milo ce jour-là !

La phase d’opposition

Le passage des 2 ans marque souvent l’entrée dans la redoutable phase d’opposition. Tout le vocabulaire de votre enfant semble se résumer en un seul mot : NON. Comment transformer cette période critique en opportunité photographique ?

Documenter l’opposition

La première solution est d’attraper ce qui s’offre à vous : le visage renfrogné, les hurlements stridents, l’écroulement dramatique sur le sol en signe de protestation. Autant de moments qui vous feront sourire dans quelques années, et que vous serez heureux d’avoir immortalisés.

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Isaac semble incarner à lui tout seul l’esprit de cette phase d’opposition. Ça vous rappelle quelque chose ?

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Chagrin, frustration, ennui… les émotions négatives peuvent prendre une place importante dans le quotidien de votre enfant. Pensez à les raconter en images !

Votre enfant sera parfois ravi de surjouer son propre mauvais caractère. Demandez-lui de vous montrer comment il boude bien, vous obtiendrez probablement une belle bouille fâchée, suivie d’un large sourire ravi de sa performance d’acteur.

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Arnaud en pleine démonstration de ses talents dramatiques.

Un peu de psychologie inversée

Face à l’opposition de l’enfant qui refuse ce que vous lui proposez, la psychologie inversée peut parfois venir à votre secours. « Maintenant, je veux une tête fâchée. Non, non, non, je ne veux pas de sourire, absolument pas. Attention je vois un sourire qui arrive, stoooooooop ! »

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Arnaud toujours qui, malgré ses talents pour la bouderie, ne peut pas résister à l’injonction : « Et surtout, ne sourit pas !!! ».

Une personnalité qui s’exprime

Cette phase de 2 à 4 ans, parfois si épuisante pour les parents, est aussi pleine de moments délicieux.

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L’enfant de 2 à 4 ans a souvent un goût très personnel pour la mode (et la clownerie). Lorsqu’il se déguise ou pioche dans votre penderie pour suivre son inspiration du jour, il sera ravi, pour une fois, de poser pour vous !

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Votre enfant refusera certainement toutes les photos dont les idées viennent de vous, mais si la « pose » est de sa propre composition, il sera ravi de se laisser photographier !

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N’attendez pas le sourire « parfait » ; saisissez plutôt les mimiques favorites de vos petits clowns en herbe.

La personnalité de votre enfant s’affirme chaque jour un peu plus. Capturez-la sous toutes ses formes.

Capturer l’énergie

C’est un âge où l’énergie de votre enfant semble infinie. Il court, saute, bouge sans arrêt, fait des galipettes et grimpe partout. Capturer le mouvement est un exercice difficile, mais très gratifiant lorsque l’on réussit à saisir au vol l’instant souhaité.

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La vitesse élevée permet de figer à la fois le vol des oreillers et l’expression ravie de Sacha (1/800 s).

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En utilisant le mode Rafale, vous pouvez prendre une série d’images qui décompose le mouvement, comme pour ces photos d’Arnaud qui court à travers les jets d’eau du jardin (vitesse d’obturation : 1/500 s).

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Énergie, jubilation, spontanéité… un moment de bonheur simple et pur ! L’impact de ce cliché est renforcé par la symétrie de l’image et l’effet de cadre intérieur produit par les montants du lit.

La vitesse sera un facteur clé dans ces images : 1/500 s au minimum, voire 1/1 000 s si vous voulez figer votre enfant en plein saut ! Le mode Continu sera votre allié pour ce genre d’images, car il est très difficile de déclencher au bon moment ; mieux vaut mitrailler dans l’espoir d’attraper l’image voulue. Choisissez un mode Autofocus dynamique pour que votre mise au point suive les mouvements rapides de votre enfant.

L’âge de faire semblant

Les jeux d’imitation rythment les journées de l’enfant. Il est tour à tour docteur, super-héros, lion féroce. Il joue à être vous, vous prépare des petits plats, et se transforme en magicien la minute d’après.

Tous ces petits moments du quotidien sont autant d’occasions pour vous de saisir l’essence de cette période de l’enfance. Non seulement pour documenter ces jeux, mais aussi parce que votre enfant s’y plonge avec tellement de bonheur et de concentration qu’il oublie totalement votre présence, et que vous avez alors la possibilité de capturer des expressions authentiques, sans expression forcée ni refus de l’appareil.

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Un rien suffit à lancer une histoire. Un vieux carton, un balai, un drap, quelques ennemis en peluche… L’aventure est au bout du salon pour Milo le pirate !

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En vous mettant au même niveau que l’enfant, vous donnez au spectateur une sensation d’appartenance à son jeu.

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Pas besoin de moto… Le casque de papa sur la tête est largement suffisant pour qu’Arnaud se prenne pour un vrai biker !

CAPTURER LE RIRE

L’un des défis de cette période (et plus encore par la suite, lorsque l’enfant grandit) est de réussir à capturer des sourires authentiques, des émotions vraies. Votre enfant commence à avoir conscience de son image et vous gratifie de son plus beau sourire « ouistiti » dès qu’il sent l’appareil braqué sur lui. Voici quelques idées pour déjouer les sourires figés.

•Dites-lui d’avoir l’air très, très sérieux. On l’a vu plus haut, la psychologie inversée est votre meilleur atout avec un enfant de cet âge.

•Chantez une chanson que votre enfant connaît par cœur et trompez-vous dans les paroles. Mélangez-y des mots absurdes et ayez l’air étonné quand votre enfant vous corrigera. Recommencez plusieurs fois de suite. Les enfants adorent que les adultes se trompent !

•Demandez à votre enfant de vous montrer s’il sait sauter très haut. Faites-le sauter encore et encore en manifestant bruyamment votre admiration. Soyez prêt à capturer son expression joyeuse à chaque fois qu’il touche le sol.

•Faites un concours de grimace, et participez-y. Soyez horrifié à chacune des grimaces de votre enfant. N’oubliez pas de capturer à la fois les grimaces et le rire de plaisir qui ne manquera pas de suivre.

•Demandez-lui de vous faire peur. Ayez alors très peur. Son rire en vaudra la peine !

•Autorisez-le à faire quelque chose d’interdit. Marcher dans les flaques, sauter sur le lit, mettre les doigts dans le pot de Nutella… et saisissez son expression de plaisir.

•Mettez un objet insolite sur votre tête et faites semblant de ne pas le voir.

•Avant tout, faites quelque chose qui vous amuse aussi, pour de vrai. Il n’y a rien de plus communicatif que le rire : plus vous rirez, et plus votre enfant rira aussi.

•Enfin, allez fouiller dans les fiches d’inspiration du chapitre 6 de ce livre. Elles fourmillent d’activités au cours desquelles vous ne manquerez pas de capturer la joie spontanée de votre enfant.

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Parfois il n’est pas inutile d’embaucher un assistant. Ici, c’est le cousin de Félix à qui j’ai demandé de faire l’andouille juste à côté de moi, qui sait mieux que personne le faire rire aux éclats !

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La joie d’un enfant se traduit souvent tout autant par le langage du corps que par le sourire. Le geste de Paolo nous montre l’intensité de son émotion de façon bien plus parlante que si nous avions pu voir pleinement l’expression de son visage.

Frères et sœurs

On a pu voir au fil des pages que photographier un enfant pouvait présenter certains défis, mais en photographier deux ou trois à la fois (qui plus est quand ils sont frères et sœurs) est parfois un chemin semé d’embûches ! Disputes, rivalités et jalousies sont autant de difficultés placées sur votre route lorsque vous décidez de mettre en images l’interaction entre vos enfants. Voici quelques conseils pour transformer ces moments difficiles en photos de famille réussies.

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Un mélange de lutte et de jeu pour Louise et Camille… Dans une fratrie, la complicité et la bagarre ne sont jamais très loin !

Le début de l’aventure

La naissance d’un tout petit est un événement délicat pour les aînés. Jalousie, perte de repères, sentiment d’abandon… la tempête d’émotions qui traverse les grands frères et grandes sœurs ne rend pas facile l’organisation d’une séance photo. Si vous souhaitez malgré tout les photographier ensemble, un certain nombre de choses sont à prendre en compte.

Centrez-vous sur l’aîné

Au moment où un nourrisson rentre dans la famille, tout semble tourner autour de lui. Si vous souhaitez photographier ce nouveau petit être avec son aîné, prenez bien garde à ne pas en faire encore un événement dont le tout petit serait le héros. Vous ne feriez que susciter un peu plus la jalousie de votre grand.

Essayez donc plutôt de transformer ce moment en quelque chose de spécial pour votre premier né. Qu’aimerait-il faire, lui ? Comment aimerait-il être photographié ? Peut-être a-t-il des idées ? Valorisez autant que possible son rôle de « grand » et faites-en la star du jour.

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C’est Tao qui a eu l’idée de cette photo : lui jouant de la guitare à son petit frère tout neuf « pour l’endormir ». Une version très rock’n’roll de la traditionnelle berceuse, mais qui semble convenir à Sun, puisqu’il dort paisiblement.

Malgré tous vos efforts, il est possible que votre aîné n’ait simplement pas envie de coopérer. Surtout, laissez-le libre de refuser. S’il n’a pas envie, proposez-lui d’aller s’amuser pendant que vous prenez quelques photos du bébé. Il y a fort à parier qu’il sera rapidement de retour pour retrouver sa place au centre de votre attention, mais cette fois-ci, c’est lui qui l’aura décidé !

La sécurité avant tout, encore et toujours !

Un nouveau-né est encore bien fragile, et vos aînés peuvent être brusques et maladroits… la vigilance est de mise ! Aucune photo ne mérite un risque d’accident.

Avant toute chose, assurez-vous que vous n’êtes pas seul pour réaliser cette photo. Un autre adulte doit rester à proximité de votre nourrisson à tout moment lorsque vous serez derrière l’appareil.

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Lors de la séance, la maman était assise sur le lit à quelques centimètres des enfants pour assurer la sécurité de Jeanne.

La solution la plus simple est souvent que cet autre adulte soit inclus dans la photo. De cette manière, c’est lui ou elle qui peut tenir le bébé dans ses bras, tandis que l’aîné se blottit à proximité.

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Anna n’a que 2 ans, elle est trop petite pour prendre la responsabilité de tenir un nouveau-né dans ses bras. Faire cette photo avec sa maman était le moyen idéal d’inclure les deux enfants dans la même photo sans prendre de risque.

Utilisez un lit, un canapé, ou même une couette posée sur le sol… toute surface molle et douce permettant d’accueillir votre bébé en sécurité. Si vous avez plusieurs aînés, demandez au plus âgé de tenir le bébé.

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Maelys est assez grande pour porter son petit frère tout neuf, une tâche dont elle s’acquitte avec beaucoup de douceur et de précaution.

Comme nous l’avons vu dans le chapitre sur les nourrissons, il peut être utile d’emmailloter le bébé dans un tissu, de façon à ce qu’il soit plus facile à tenir par son frère ou sa sœur.

Quelques clichés faciles à réaliser

Pour ces premières images entre frères et sœurs, privilégiez la simplicité et la sobriété. Voici quelques possibilités faciles à réaliser si vous manquez d’inspiration.

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Allongez votre bébé sur le dos lors d’un moment d’éveil (ici, Romain est tout simplement posé sur un lit) et proposez à son frère ou sa sœur d’aller lui parler.

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Installez-les ensemble sur le dos et mettez-vous au-dessus d’eux de façon à capturer leur complicité naissante.

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Proposez au « grand » de partager un moment privilégié avec papa ou maman, et incluez tout simplement le petit dernier dans l’image.

Capturer la complicité

Dès que votre bébé grandira, les choses se feront de façon beaucoup plus simple. D’une part, parce qu’il y aura beaucoup moins de précautions à prendre pour la sécurité de votre enfant et, d’autre part, parce que l’interaction s’installera naturellement entre frères et sœurs. Vous pourrez attraper au vol ce qui se présente dans votre quotidien, sans avoir à le mettre en scène.

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Moment tout simple entre frères un dimanche matin.

Les jeux du quotidien fourmillent d’occasions de photographier les frères et sœurs dans un moment partagé.

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Demandez aux plus grands de faire rire le petit dernier, ils ne manquent jamais d’idées !

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Association de malfaiteurs… Lorsqu’un enfant trouve une bonne idée de bêtise, le reste de la fratrie se met à suivre très volontiers !

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« Allez les garçons, c’est l’heure d’aller au lit ! » Il y a certains moments dans la vie d’une fratrie où tout le monde est d’accord, surtout quand il s’agit de se liguer pour ne PAS coopérer.

Même les bouderies et les inévitables disputes peuvent donner des occasions photographiques à ne pas manquer. Si vous cherchez à documenter le quotidien de vos enfants, ne montrez pas uniquement les moments de joie et de rire ; ce serait passer à côté d’une grande partie de la réalité.

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La bagarre fait partie intégrante de la vie de famille, qu’elle donne lieu à de grands éclats de rires ou qu’elle finisse (un peu trop souvent) dans les larmes.

Quelques pistes de photos entre frères et sœurs

« Allez, venez, on va vous photographier ensemble ! » Dans la plupart des familles, cette phrase semble avoir le pouvoir de déclencher aussitôt grommellements, mines boudeuses et autres conduites réfractaires.

Si vous souhaitez composer une photo entre frères et sœurs sans attendre qu’elle se présente naturellement, il ne suffira probablement pas de leur demander de poser pour vous.

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Un soupçon de challenge (« Montrez-moi si vous savez courir vite ! ») suffit souvent à faire participer toute la fratrie à une même activité.

Une solution est d’y mettre du jeu : « Je parie que vous n’êtes pas capables d’aller vous asseoir sur la table en moins de 10 secondes ! » (clic). Les défis, la compétition ludique sont souvent un très bon moyen de photographier des frères et sœurs ensemble. Demandez-leur de vous montrer comme ils sautent haut, courent vite ou font d’horribles grimaces, et profitez-en pour capturer les moments de rire que cela suscitera.

Une autre option facile est de trouver une activité qu’ils aiment tous et qui les réunisse, de façon à saisir leur interaction dans un moment qui leur fasse vraiment plaisir.

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Partie de cache-cache sous les draps pour Louise et Camille, ravies d’avoir été retrouvées !

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S’il y a bien UNE activité qui réunira toujours une fratrie, c’est la perspective de faire les andouilles (surtout s’il s’agit de savoir qui le fera le mieux).

Si vous souhaitez une photo plus posée, sur laquelle tout le monde regarde l’objectif, demandez-leur de s’allonger par terre et de rapprocher leurs visages : cette position les incitera à tenir en place pendant quelques précieuses secondes. A vous de faire le clown de façon suffisamment convaincante pour qu’ils aient envie de garder la pose !

Enfin, en feuilletant les fiches d’inspiration du chapitre suivant, vous y glanerez d’autres idées applicables aux fratries.

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Le rire est très communicatif entre frères et sœurs. Il suffit souvent de trouver la blague qui va faire rire l’un d’entre eux pour que les autres suivent.

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Fiches d’inspiration et photos expliquées

Il y a des jours où photographier le quotidien tel qu’il est ne nous inspire plus. Où l’on a besoin d’une touche de fantaisie, de sortir de l’ordinaire. Ce chapitre vous propose douze fiches à utiliser dans ces moments-là et des images expliquées qui vous permettront de mieux comprendre comment surmonter certaines difficultés techniques. Ces pages contiennent des images ou des situations destinées à revisiter votre vie de tous les jours pour y ajouter ce petit « plus » qui vous donnera envie de prendre votre appareil.

L’idée n’est surtout pas de vous donner des modèles d’images à reproduire. Il s’agit plutôt de vous suggérer des pistes à adapter à volonté selon vos goûts et votre personnalité. Sentez-vous libre de détourner, transformer et suivre votre créativité là où elle vous emmènera !

Au bain

Le bain est le moment quotidien par excellence. La routine d’une journée d’enfance. Il suffit pourtant de peu pour en faire un moment photographique créatif. Voici quatre exemples à réinterpréter à votre manière.

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Une fois n’est pas coutume, laissez vos enfants vider la bouteille de bain moussant dans la baignoire, et laissez le charme agir. 42 mm – 200 ISO – ƒ/4,5 – 1/200 s.

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La baignoire est aussi un endroit idéal pour jouer à cache-cache ! Mettez-vous au sol pour que l’enfant ne puisse plus vous voir, puis surprenez-le en réapparaissant soudainement. 70 mm – 200 ISO – ƒ/4,5 – 1/200 s.

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Le bain est idéal pour saisir l’eau qui coule. Si vous utilisez une vitesse très élevée (1/1 000 s, par exemple), vous figerez chaque gouttelette d’eau en suspension dans l’air. Si vous utilisez une vitesse un peu plus lente, comme ici (1/125 s), vous obtiendrez un effet plus filé qui accompagne le mouvement de l’eau. On pourrait accentuer cet effet avec une vitesse encore plus lente, mais le risque serait d’obtenir un flou de mouvement si l’enfant se mettait à bouger. 50 mm – 800 ISO – ƒ/3,2 – 1/125 s.

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Si votre salle de bains ne se prête pas à l’exercice par manque d’espace ou de lumière, rien n’empêche de contourner le problème : une bassine dans le jardin fera l’affaire, ou même un bon bain improvisé dans l’évier ! 70 mm – 500 ISO – f/4 – 1/500 s.

Sur le lit

On l’a vu maintes fois au fil des pages de ce livre : à chaque âge, le lit des parents est le cadre idéal pour une séance photo. Il offre un support doux et souple pour allonger un bébé, et plus tard un environnement molletonné à ses débuts chancelants en position assise. Avec un enfant un peu plus grand, c’est le lieu parfait pour une séance de chatouilles, de bagarre, ou de câlins en famille. C’est un endroit connu et rassurant, où votre enfant n’aura aucun mal à être lui-même et à laisser s’exprimer toute sa personnalité.

Attention toutefois à la sécurité : ne placez jamais votre enfant près des bords pour éviter tout risque de chute et, dès qu’il devient un peu trop remuant, veillez à ce qu’un autre adulte soit en permanence avec lui sur le lit. Si votre enfant est agité ou si vous voulez le laisser sauter sur le lit sans risques, la solution idéale est sans aucun doute de placer votre matelas à même le sol.

Voici quelques exemples en images.

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Kim s’envole, pour son plus grand plaisir et celui de sa maman. L’un des avantages d’être sur un support confortable, c’est que l’on s’y sent bien pour bouger et s’amuser, ce qui permet des photos pleines de vie, de mouvement et de joie. Privilégiez une vitesse assez élevée pour éviter les flous de mouvement (ici, 1/500 s). Sur cette image, l’environnement très neutre (fond blanc, drap blanc) contribue à la réussite de la photo : rien ne vient distraire le regard qui se focalise immédiatement sur l’émotion de ce moment partagé. 24 mm – 640 ISO – ƒ/2,8– 1/500 s.

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Rien de tel que les chatouilles pour susciter le rire. N’hésitez pas à varier vos angles de vue (ici, par exemple, en se plaçant au ras du lit pour capter l’expression hilare d’Anna et la tendresse de son père). Pensez également à alterner les plans larges racontant l’action et les cadrages serrés, comme ici où le sourire devient l’élément principal de la photo. Ici encore, la vitesse d’obturation aura son importance, car le rire peut provoquer des mouvements de tête assez rapides. 58 mm – 500 ISO – ƒ/2,8 – 1/320 s.

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Le lit est aussi un lieu de choix pour les temps calmes et les moments tendresse, n’oubliez pas de les documenter. Sarah raconte ici un moment familial rituel, celui de la lecture d’une histoire à ses trois garçons. Dans cet autoportrait réalisé grâce à l’aide d’un trépied et d’une télécommande, elle a fait le choix d’un cadrage large pour incorporer l’ambiance de la photo : on y voit le décor de la chambre et la lumière du matin. Cette image raconte bien plus que la lecture du livre, elle retranscrit tout le contexte du moment, ce qui enrichit la narration. 35 mm – 800 ISO – ƒ/4 – 1/200 s.

Le doudou

Ah, le doudou… Qu’il soit en peluche ou en tissu, qu’il soit tout pimpant ou affreusement sale et défraîchi d’avoir été traîné dans tous les coins, il mérite d’être immortalisé, plus que n’importe quel autre objet. C’est un morceau d’enfance à lui tout seul.

Il existe mille et une façons de le photographier, dans les moments de câlin ou de sommeil, quand il console les gros chagrins, ou lorsqu’il devient un personnage à part entière qui participe à chacune des histoires imaginaires inventées par votre enfant.

Il peut aussi devenir votre allié lors d’une séance photo. Quand votre enfant fuit à la vue de votre appareil, il y a fort à parier qu’il devienne beaucoup plus enthousiaste si vous lui proposez « Et si on photographiait ton doudou aujourd’hui ? ». Laissez-le guider la séance, il ne manquera pas d’idées créatives à vous proposer.

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M. Totoro est le meilleur ami de Milo, il partage toutes ses aventures… Il fait donc évidemment partie de ses célèbres spectacles de cirque ! 30 mm – 800 ISO – ƒ/3,5 – 1/500 s.

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Lou-Ann et son doudou, seuls au monde. Le décor situé derrière eux était chargé et peu photogénique, le choix d’un angle haut a donc permis d’éviter ces distractions et de profiter des lignes au sol qui donnent un aspect graphique à la composition. 70 mm – 200 ISO – ƒ/2,8 – 1/250 s.

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En excluant presque totalement le visage d’Annie du cadre, Kellie fait en sorte que le regard soit irrésistiblement attiré par le vrai sujet de l’image : son doudou adoré, et sa petite main qui le tient si fort. 85 mm – 640 ISO – ƒ/1,6 – 1/320 s.

Les amis à quatre pattes

Si vous avez un animal de compagnie à la maison, ou s’il y en a un dans votre entourage proche qui fait partie intégrante de la vie de votre enfant, vous tenez là un sujet photographique idéal qui peut produire des images aussi attendrissantes que drôles.

Une fois encore, rappelons que la sécurité doit être votre souci principal : ne laissez jamais votre enfant à proximité d’un animal dont vous ne connaissez pas bien le caractère, et même si c’est un animal familier, n’oubliez jamais que ses réactions peuvent vous surprendre. Sans mauvaise intention, un jeune enfant peut facilement faire mal à l’animal ou l’effrayer. Il faut donc vous assurer qu’un autre adulte est à proximité pour rassurer l’animal et intervenir en cas de besoin.

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Un bisou capté sur le vif. Plusieurs choses participent à la réussite de cette image : la profondeur de champ assez courte qui permet de minimiser la distraction de l’arrière-plan, une vitesse suffisamment élevée pour figer le mouvement, le rouge du tee-shirt qui contraste avec les couleurs neutres du reste de l’image et crée un intérêt visuel… et bien sûr la réactivité de la photographe qui a su déclencher au bon moment ! 50 mm – 1 500 ISO – ƒ/2,8 – 1/320 s.

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Nul besoin de proximité immédiate entre l’enfant et l’animal pour raconter leur interaction, un échange de regard suffit ! La joie d’Anna, mais aussi l’attitude du chat, à la fois curieux et un peu sur ses gardes, résument magnifiquement leur relation. L’effet de « cadre à l’intérieur du cadre » renforce la composition de l’image en resserrant l’attention sur les deux protagonistes. 50 mm – 320 ISO – ƒ/1,4 – 1/500 s.

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Voici un « portrait sans tête » magnifiquement réussi. On n’y voit ni l’expression d’Anna, ni le corps du chat, et pourtant toute l’histoire est là. Le chat qui vient se frotter à la chaise, les petits pieds d’Anna qui lui font un câlin au passage, on imagine que cette scène a dû se produire des dizaines de fois déjà, et on se régale de la tendresse de cette routine. L’occasion de se rappeler une fois encore que la narration est parfois bien plus forte quand elle se focalise sur les détails. 50 mm – 800 ISO – ƒ/1,8 – 1/320 s.

Construire une série d’images

Lacey Meyers est photographe professionnelle dans l’Oregon, spécialisée dans la photo de bébés et d’enfants. Elle mène aussi un projet personnel de documentation de sa vie quotidienne avec ses trois enfants, qu’elle raconte en construisant des séries d’images. Elle partage avec nous sa passion.

Site web : www.laceymeyersphotography.com

Bien avant que je commence à étudier les aspects techniques de la photographie, mon but était déjà de raconter une histoire à travers mes images. Maintenant encore, après des années de pratique photographique, les récits que je construis en photos sont toujours le fondement de mon travail. On dit qu’une image vaut mille mots, je pense que c’est parfois vrai… Mais d’autres fois, une image crée plus de questions qu’elle n’apporte de réponses. Je ne veux pas que ce soit le cas de mes images, parce qu’il m’importe qu’elles soient un souvenir limpide de leur enfance pour mes garçons.

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85 mm – 720 ISO – ƒ/1,8 – 1/200 s

Pour mener à bien cette vision des choses, vous pouvez suivre les quelques principes suivants…

•Photographiez des activités quotidiennes qui ont du sens pour vos enfants. Bien sûr, il peut m’arriver de photographier des événements exceptionnels, mais j’essaye de me concentrer sur la routine de leur petite vie, qui en dit bien plus long sur leurs caractères.

•Déplacez-vous autour de votre enfant pour varier vos perspectives. Ne vous contentez pas de vous placer face à lui ! Mettez-vous au-dessus pour saisir ce qu’il voit, puis baissez-vous à son niveau comme si vous faisiez partie de son activité. Rapprochez-vous pour capturer les petits détails, éloignez-vous pour une vue d’ensemble de la scène.

•Observez la lumière, toujours. N’hésitez pas à relocaliser une activité si vous pensez trouver une meilleure lumière ailleurs. Si vous voulez photographier votre enfant qui joue avec ses cubes, installez-le au salon si c’est là que la luminosité est la plus intéressante, même si d’habitude il joue dans sa chambre trop sombre. Si vous ne pouvez pas changer de pièce, essayez de vous positionner au mieux pour exploiter la lumière disponible de la façon la plus efficace.

•Sélectionnez ensuite les images qui, une fois mises ensemble, vont raconter l’histoire de ce moment, en créant une variété visuelle.

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85 mm – 2 000 ISO – ƒ/1,8 – 1/200 s

•Apprenez à reconnaître le moment où il faut arrêter de photographier. Si votre enfant en a assez, il vaut mieux faire une pause. Jouez avec lui, ou laissez-le tranquille. La plupart du temps, il demande une pause pour vérifier si vous faites attention à lui, si vous respectez ses besoins. Cette relation de confiance est indispensable si vous souhaitez raconter des histoires authentiques et naturelles.

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85 mm – 2 000 ISO – ƒ/1,8 – 1/200 s

Un peu de peinture

Voilà une activité toute simple, facile à mettre en place et qui fonctionne à tous les âges. La peinture à doigts est adaptée aux bébés dès qu’ils tiennent assis. Avec les plus grands, on peut passer au pinceau, même s’ils se délecteront eux aussi à étaler de la peinture sur leurs mains ou leurs pieds, voire sur leur corps tout entier.

Il existe diverses façons d’utiliser la peinture pour une séance photo : soit en photographiant vos enfants en train de réaliser une œuvre et capter ainsi leur concentration et leur inspiration, soit en se lâchant un peu plus et en leur permettant ce qui est habituellement interdit : en mettre partout !

Pensez à bien protéger la zone avant de passer à l’action, et à prévoir un bon bain pour clôturer l’activité.

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Grand moment d’inspiration pour Annie ! Ici, Kellie nous donne une vue d’ensemble de la scène, profitant du superbe contre-jour, du cadre créé par la fenêtre, et de la présence amusante du chat joliment encadré par le chevalet. On aurait pu ici créer une série complète d’images, en se rapprochant d’Annie pour saisir son expression et son geste, puis en se plaçant derrière elle pour immortaliser son chef d’œuvre. 24 mm – 1 250 ISO – ƒ/2,8 – 1/320 s.

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Anna découvre le monde des couleurs et la texture étrange de la peinture sur sa peau. En se plaçant à son niveau pour photographier la scène, on crée une sensation de proximité qui fait participer le spectateur à l’action. Ici, Stéphanie a protégé le sol et les murs avec un grand fond en papier. De vieux journaux ou de la nappe en papier blanc auraient également convenu. Pensez à rajouter une bâche en plastique en dessous, si le papier utilisé est trop fin, car la peinture risque de le traverser. 50 mm – 800 ISO – ƒ/2,2 – 1/400 s.

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Bonheur suprême pour Mahé et Milo : pas besoin d’être un bébé pour apprécier de se rouler dans la peinture ! Les pinceaux ont été utilisés bien sagement pendant quelques minutes pour dessiner ou écrire sur le support en papier, mais l’activité a bien vite dégénéré en joyeuse bataille de couleurs, pour leur plus grand plaisir. Une remarque technique : l’image, par chance bien nette, aurait mérité une vitesse un peu plus élevée (1/500 s) pour écarter le risque d’un flou de mouvement dans ce moment d’excitation intense. 50 mm – 250 ISO – ƒ/3,2 – 1/250 s.

Les bulles

S’il y avait UN accessoire à choisir pour photographier des enfants, ce serait sans conteste les bulles de savon. C’est léger, pas cher, cela ne prend pas de place et émerveille à tout âge. Voici quelques conseils pour les utiliser au mieux lors d’une séance photo.

•Si votre enfant n’est pas en âge de souffler les bulles tout seul, il vous faudra un assistant (pas facile de souffler tout en tenant son appareil !) ou bien une machine à bulles.

•Choisissez un arrière-plan aussi sombre que possible pour que les bulles s’y détachent. En effet, si vous le faites sur un fond clair, la transparence des bulles risque de se fondre dans l’environnement.

•Plus il y aura de couleurs autour, mieux ce sera : les bulles reflètent les couleurs environnantes, produisant des éclats colorés très photogéniques.

•Attention à votre vitesse d’obturation : les bulles bougent, les enfants sont excités par cette activité amusante, donc le risque de flou de mouvement est important. Toutes les images présentées ici ont été prises avec une vitesse d’au moins 1/320 s.

•Évitez aussi les trop grandes ouvertures afin d’inclure les bulles dans votre zone de netteté. L’image de Cooper (en page de droite), par exemple, a été réalisée avec une ouverture de f/4,5.

•Entre l’excitation et le mouvement, vous aurez certainement beaucoup de photos ratées, alors multipliez les déclenchements même si vous ne gardez que quelques images à la fin.

•N’attendez pas forcément qu’il y ait des bulles dans votre cadre : l’expression d’attente de votre bébé avant qu’elles n’apparaissent à nouveau, ou le rire de votre enfant quand elles ont toutes éclaté peuvent produire de magnifiques portraits.

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Dès le plus jeune âge, l’enfant est fasciné par les bulles : émerveillement, rire, concentration pour tenter de les attraper, étonnement de les voir éclater au contact de ses mains… vous pourrez saisir une grande palette d’émotions en quelques minutes ! 58 mm – 800 ISO – ƒ/3,2 – 1/320 s.

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Un peu plus grand, c’est votre enfant qui souffle. En le photographiant de très près, comme sur cette image de Cooper, on peut saisir le paysage ou les visages qui se reflètent dans la bulle ! On voit bien ici comme l’arrière-plan sombre contribue à mettre en valeur la clarté de la bulle. 105 mm – 320 ISO – ƒ/4,5 – 1/320 s.

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Ici, les bulles forment un cadre intérieur autour du visage de Cooper, mettant en valeur son expression de joie et de plaisir. La multiplicité des couleurs reflétées crée un impact visuel saisissant ! 50 mm – 720 ISO – ƒ/3,2 – 1/320 s.

Les ballons

Un autre accessoire à petit prix qui fascine et met en joie les enfants dès leur plus jeune âge : les ballons de baudruche. Vous avez le choix entre ceux que vous gonflerez « à la bouche », qui ne volent pas mais peuvent facilement s’attraper, se lancer ou rester posés sur le sol, et ceux gonflés à l’hélium qui prennent leur envol au bout d’une ficelle.

Deux précautions s’imposent si vous utilisez des ballons.

•Certains enfants sont terrifiés par le bruit du ballon qui éclate. Prenez soin de les prévenir que cela risque d’arriver et, si vous sentez la moindre crainte de leur part, surtout n’insistez pas. Les bébés, en particulier, vont avoir tendance à vouloir mordre le ballon pour le goûter ou bien à le serrer très fort entre leurs mains ; prenez garde à ce qu’ils ne se fassent pas une grosse frayeur !

•Les ballons gonflés à l’hélium doivent être solidement attachés, sinon vous leur direz très vite au revoir. Si votre enfant souhaite tenir un tel ballon, nouez la ficelle autour de son poignet car, quelles que soient vos recommandations de ne pas le lâcher, il y aura toujours un moment d’inattention où sa main s’ouvrira et où le moment de joie se transformera en profond désespoir.

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Becket incarne à lui tout seul le mélange de joie et d’excitation que de simples ballons peuvent procurer à un jeune enfant. Les couleurs vives viennent ajouter une touche de gaieté supplémentaire à l’image. On peut voir en transparence que les ballons sont solidement attachés à son poignet pour éviter qu’ils ne s’envolent ! 105 mm – 200 ISO – ƒ/2,8 – 1/1250 s.

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Avec des enfants un peu plus grands, les ballons donnent l’occasion de mettre un grain de folie dans une séance. N’hésitez pas à jouer avec les couleurs pour renforcer l’impact de votre image : ici, le rouge des ballons répond à celui des chaussures et du mur du fond, et contraste avec le gris neutre du rideau métallique. L’ensemble des touches de couleurs vives de cette image complète l’ambiance dynamique et enfantine. 35 mm – 500 ISO – ƒ/3,5 – 1/400 s.

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Il a fallu plusieurs prises pour réussir cette image et saisir Milo en plein vol. Pour que le processus ne soit pas lassant pour lui, j’ai pris le temps entre chaque photo de lui montrer le résultat sur l’écran LCD et d’en rire avec lui. De quoi lui donner envie de recommencer encore et toujours, pour que l’image suivante soit encore plus rigolote que la précédente ! 50 mm – 800 ISO – ƒ/3,5 – 1/400 s.

Voir en noir et blanc

En tournant les pages de ce livre, vous avez croisé un certain nombre d’images que leurs auteurs ont choisi de convertir en noir et blanc. Il ne s’agit pas, comme au temps de l’argentique, d’une décision préalable prise au moment de mettre la pellicule dans l’appareil. Ces images ont d’abord existé en couleurs, et le choix a ensuite été fait de les transformer. Pourquoi ?

Il existe de nombreuses raisons de convertir une image en noir et blanc. En voici quelques-unes :

•le noir et blanc donne des images assez intemporelles, qui ne se démodent pas ;

•il permet de mettre en retrait des éléments susceptibles de distraire le regard (une poubelle bien verte à l’arrière-plan), ou de tempérer les éléments d’une même image qui fonctionnent mal ensemble (les vêtements mal assortis de vos enfants) ;

•il souligne les contrastes entre l’ombre et la lumière, ce qui renforce l’impact visuel de l’image ;

•il permet d’éliminer ou d’atténuer certains soucis de prise de vue (lumière orange de la salle de bains, reflet vert du gazon sur le visage de votre enfant) ;

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Sur cette image de Roxane et de sa grande sœur Sarah, le noir et blanc permet de supprimer tout un niveau de sollicitation visuelle : le vert de l’arrière-plan, les couleurs vives de leurs vêtements… autant d’éléments qui pourraient entrer en compétition avec le vrai sujet de la photo : leur complicité partagée. L’image est épurée pour ne laisser à voir que leur émotion qui jaillit. 135 mm – 100 ISO – ƒ/2,5 – 1/250 s.

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Tristesse, inquiétude, mélancolie ? Les rideaux bariolés et les couleurs du paysage estival aperçu par la fenêtre ne cadraient pas avec l’humeur de Mahé. Ici, le noir et blanc permet donc de renforcer l’ambiance de l’image. De plus, il contribue à mettre en valeur le contraste entre la lumière provenant de la fenêtre et la pénombre du reste de la pièce, ajoutant ainsi un sentiment de tension dramatique. 24 mm – 1 250 ISO – ƒ/3,2 – 1/200 s.

•il peut masquer les imperfections de la peau, ce qui est particulièrement utile avec les nouveau-nés ;

•il est susceptible de renforcer l’ambiance d’une image et de la rendre plus dramatique ;

•lorsque vous êtes obligé d’utiliser un haut niveau ISO, le noir et blanc réduit la gêne liée au bruit numérique (celui-ci devient alors beaucoup plus acceptable, et peut donner du caractère à l’image en imitant le grain des photos argentiques) ;

•il peut donner une impression de cohérence visuelle à des images a priori disparates et permettre ainsi de les lier ;

•enfin, le noir et blanc permet souvent de faire ressortir l’émotion dans une image.

Au fil de votre pratique photographique, vous apprendrez à reconnaître les images qui gagnent à être converties, comme pour les exemples présentés ici. Sachez néanmoins que même si la plupart des logiciels livrés avec votre appareil vous offrent la possibilité de passer vos images en niveaux de gris, les résultats seront souvent décevants : des noir et blanc plats et manquant de contraste. Si le noir et blanc parle particulièrement à votre sens esthétique, il faudra probablement vous pencher sur les techniques de retouche d’images avec des logiciels appropriés, vous permettant un vrai travail de l’image en noir et blanc.

Les bêtises

L’enfance est jalonnée de bêtises, n’oubliez pas de les documenter ! Même si elles vous font grincer des dents sur le moment, d’ici quelques années elles feront partie de vos souvenirs les plus précieux.

Si vous ne le faites pas pour vous-même, croyez-moi sur parole : ces photos deviendront sans aucun doute les préférées de vos enfants quand ils seront grands et qu’ils regarderont avec amusement leurs pitreries passées.

Dans toute ma carrière de photographe (et de maman !), j’ai immortalisé des centaines de bêtises avec une jubilation assumée : carnage de spaghetti ou de mousse au chocolat, shampoing au yaourt, bazar de linge ou de papier toilette, baignoire qui déborde de mousse… Ces images me font sourire jusqu’aux oreilles chaque fois que je les regarde et sont systématiquement sur le podium quand on me demande de choisir mes photos favorites.

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24 mm – 500 ISO – f/2,8 – 1/500 s

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42 mm – 640 ISO – f/4 – 1/640 s

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63 mm – 1 250 ISO – f/2,8 – 1/500 s

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63 mm – 1 250 ISO – f/2,8 – 1/500 s

Le projet 365

Stéphanie Dugauquier est photographe professionnelle à Lille, spécialisée dans la photographie d’enfants et de tout petits. Elle est également mère d’une petite Anna dont elle documente le quotidien en images. Elle partage avec nous son aventure.

Site web : www.wideopen-photographies.com

Qu’est-ce qu’un projet 365 ?

C’est tout simple : une photo par jour pendant 365 jours. Saisir des instants qui font notre quotidien et que nous oublierons très probablement des années après, sauf s’ils sont « capturés ». Cela peut paraître contraignant à première vue, mais finalement on se prend facilement au jeu et, surtout, on y prend goût ! J’avais choisi d’orienter mon projet sur la deuxième année de notre fille Anna. Aujourd’hui, je continue avec un projet 52, qui consiste, lui, en une photo par semaine.

Qu’est-ce que ce projet t’a apporté ?

Énormément de choses, bien plus que je ne le pensais. Des souvenirs avant tout, mais également une vision de l’enfance différente, de la patience, apprendre à choisir mon moment, développer ma créativité… et la satisfaction de penser au moment où je partagerai cet album avec ma fille. Beaucoup de fous rires en perspective, je pense !

Cela m’a aussi apporté des moments de complicité avec elle. J’ai osé faire certaines choses, comme prendre mon courage à deux mains et aller me balader au parc après une journée de travail simplement pour profiter des derniers rayons de soleil, au lieu de rentrer et d’enchaîner bain/repas/dodo. La routine peut bien attendre, parfois… Je suis fière aujourd’hui d’avoir pris ce temps-là pour elle, ce sont des souvenirs précieux.

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50 mm – 1 250 ISO – ƒ/1,4 – 1/160 s

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50 mm – 1 600 ISO – ƒ/1,4 – 1/200 s

Quels conseils donnerais-tu à des parents qui souhaitent se lancer dans leur propre projet 365 ?

Ne pas se mettre de pression. C’est avant tout un projet humain et personnel. Il y aura des jours moins motivants que d’autres, mais il ne faut pas que cela devienne une contrainte. Après tout, personne ne vous jugera s’il vous manque une image !

Observez ce qui remplit vos journées, même les choses les plus anodines. Les photos les plus simples sont souvent les plus chargées en souvenirs ; inutile de courir à l’autre bout de la planète pour une belle photo, elle se trouve peut-être là, dans votre salon.

En prévision des jours où l’inspiration viendrait à manquer, gardez un carnet avec vous pour noter toutes les idées qui vous passent par la tête, et ainsi pouvoir les retrouver quand vous en aurez besoin.

Et surtout, amusez-vous !

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50 mm – 500 ISO – ƒ/2,2 – 1/400 s

L’enfant en mouvement

Kellie Bieser est photographe professionnelle dans l’Ohio, spécialisée dans la photographie de portraits. Elle enseigne aussi l’art de photographier l’enfance, et documente au jour le jour le quotidien de ses quatre enfants.

Site web : shutterandglass.com

Tes images sont souvent pleines de mouvement et d’énergie ; est-ce un choix délibéré ?

Les enfants en mouvement sont de loin mes sujets préférés. Il y a quelque chose de magique à laisser un enfant bouger librement, courir, sauter ou faire des pirouettes… Être en mouvement est tellement naturel pour un enfant que mes photos en deviennent bien plus satisfaisantes aussi bien pour lui que pour moi : il n’a pas besoin de poser et le résultat n’en est que plus authentique.

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15 mm – 100 ISO – ƒ/2,8 – 1/1 600 s

Le mouvement me permet aussi d’utiliser le langage du corps pour faire ressentir les émotions que je capture. Un enfant assis qui regarde l’appareil en souriant peut éventuellement suggérer la joie, mais un enfant qui saute en l’air, bras écartés, les yeux plissés par la joie et l’excitation évoquera un bonheur bien plus intense. En photographiant l’enfant en mouvement, je peux ainsi raconter sa personnalité et transmettre plus efficacement ses émotions.

As-tu des conseils à nous donner pour réussir des images pleines de vie et de mouvement ?

Photographier le mouvement peut être difficile… Les enfants sont si rapides ! De plus, il vous faudra peut-être travailler dur pour qu’ils se mettent à bouger : certains enfants ont été tellement habitués à poser en disant « cheese » dès qu’un appareil photo est dans les parages, qu’ils en ont oublié comment être simplement eux-mêmes. Voici trois astuces que j’utilise lorsque je photographie de jeunes enfants :

1.Gardez impérativement une vitesse d’obturation élevée… ou préparez-vous à aimer les images floues ! On a toujours l’impression qu’il ne peut pas se passer grand-chose en 1/200e de secondes, et pourtant c’est une erreur ! Quand je photographie du mouvement rapide, je constate qu’il me faut une vitesse d’au moins 1/800 s pour éviter le flou. J’aime figer le mouvement pour ne rien perdre des détails du visage ou des cheveux qui flottent dans l’air. Si vous avez envie d’expérimenter quelque chose de nouveau, vous pouvez aussi essayer une vitesse d’obturation très lente pour obtenir des sujets complètement flous lorsqu’ils bougent. C’est une autre façon efficace de raconter le mouvement, de façon plus émotive que descriptive.

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200 mm – 200 ISO – ƒ/2,8 – 1/3 200 s

2.Faites-en un jeu. Les enfants sont souvent conditionnés à coopérer pour la photo ce qui tue le naturel. Des petits challenges peuvent les aider à oublier l’appareil et à se désinhiber. Je leur demande en général : « Voyons qui peut sauter le plus haut ! », « On fait la course jusqu’à cet arbre ? », « Montre-moi si tu sais tourner comme une danseuse étoile ». En donnant à l’enfant une tâche amusante à accomplir, vous lui permettez de se concentrer sur l’action et non sur la photo, ce qui donnera des images bien plus naturelles.

3.Laissez-leur de l’espace. C’est beaucoup plus facile de bouger si vous avez la place d’évoluer librement. Une grande prairie dans laquelle courir à perdre haleine, un grand lit pour sauter dessus, une vaste pièce où l’on a poussé les meubles pour pouvoir tourner et danser… Autant de lieux très simples qui laisseront libre cours au mouvement. Il peut être intéressant aussi de mettre de la distance entre vous et l’enfant. Employez une focale longue ou un zoom pour les laisser respirer et oublier votre présence.

En conclusion, je dirais que le conseil le plus important pour capturer les enfants en mouvement est avant tout de s’amuser et de les laisser faire. Vous pouvez leur donner un point de départ, mais laissez ensuite votre enfant prendre les commandes. L’enfance est avant tout un âge où l’on s’amuse, vos photos doivent par conséquent rester un moment joyeux !

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200 mm – 1 000 ISO – ƒ/2,8 – 1/640 s

La composition par Sarah Carlson

Sarah Carlson est photographe au Texas ; vous avez croisé un certain nombre de ses photos d’enfants au fil de l’ouvrage. Son travail est souvent marqué par des compositions très travaillées, et cette image m’a particulièrement intéressée pour son impact visuel très fort. Elle a accepté de la commenter pour nous.

Contexte

Cette image a été prise à l’automne 2012, c’est ma fille Kate qui joue les modèles ici. Nous sommes dans un tunnel pour les piétons, dans notre ville du Texas. Ma fille et moi-même participions à un événement organisé par mon club photo, donc je vous laisse imaginer une foule de mamans avec leurs appareils photo, et des groupes d’enfants courant dans le tunnel qui réverbérait leurs cris… Un vrai chaos ! Pourtant, Kate est calme et posée au milieu du tumulte, j’adore cette image qui raconte sa vraie personnalité.

Points clés de l’image

Croyez-le ou non, la robe rayée de Kate était un heureux accident ce jour-là, pourtant l’image n’aurait pas autant d’impact sans ce vêtement. La répétition des lignes horizontales et verticales est un des aspects les plus frappants de cette photo.

Quand j’ai composé l’image, j’ai suivi la règle des tiers pour placer Kate dans le cadre : son corps est positionné sur la ligne verticale de gauche, tandis que son regard suit la ligne horizontale supérieure. Le trajet visuel dans la photo suit donc son regard sur toute la largeur de l’image, vers la source de lumière qui se trouve à l’entrée du tunnel (sur la droite). J’aime tout particulièrement la lumière directionnelle et les ombres qui révèlent la forme et l’épaisseur de son jeune visage. Comme la source de lumière est relativement petite, la luminosité baisse très vite le long du tunnel, ce qui ajoute une touche dramatique qui répond si bien à son expression un peu sombre.

J’ai choisi de convertir la photo en noir et blanc pour mettre en valeur le contraste des ondulations sur le mur du tunnel, ainsi que des rayures de sa robe. Privées de couleur, les lignes directrices et la lumière deviennent le centre d’attraction principal de l’image.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Nikon D800

– Objectif : Nikkor 28 mm f/1,8

– Ouverture : f/2,2

– Vitesse : 1/250 s

– ISO : 800

Kim et sa maman

Il n’est pas si fréquent qu’une composition centrée fonctionne, mais quand c’est le cas, le résultat est souvent très équilibré et agréable à regarder.

Contexte

Kim avait 15 mois lors de cette séance photo en tête à tête avec sa maman. Un âge où l’enfant grandit à toute vitesse, s’autonomise, mais reste encore un bébé. Au cours de cette séance, j’ai réalisé un grand nombre d’images rigolotes et dynamiques comme je les aime, mais je suis ravie d’avoir pu capter aussi ce moment de tendresse, plein de calme et de douceur.

Points clés de l’image

L’environnement très pur et minimaliste fait ressortir l’interaction entre Kim et sa maman.

La composition centrée, par essence très statique, marche ici parfaitement pour mettre en valeur le calme de ce moment suspendu. Comme souvent, ce qui permet à la composition centrée d’être efficace, c’est la parfaite symétrie de leur position, qui donne un grand équilibre à l’image. Leurs bras créent des lignes directrices parallèles qui favorisent une belle circulation du regard : on suit les bras de Kim en direction du visage de sa maman, puis ceux de sa maman en direction du visage de Kim.

La lumière très douce vient accompagner la tendresse de leur geste et de leurs regards.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 24-70 mm f/2,8L

– Ouverture : f/2,8

– Vitesse : 1/500 s

– ISO : 640

Jules à la plage

Les jeunes enfants adorent avoir de l’espace pour jouer et bouger librement. La plage est un endroit idéal pour capturer des moments joyeux, malheureusement la forte luminosité et l’absence d’ombre peuvent être difficiles à gérer.

Contexte

Cette image a été prise dans le Var au mois de mai, vers 10 h du matin. Le soleil était donc déjà bien haut dans le ciel, légèrement atténué par une fine couche de brume. Le seul choix possible pour éviter que les rayons du soleil ne tapent directement sur le visage de mes sujets et les éblouissent, était d’utiliser le contre-jour.

Points clés de l’image

La gestion de la lumière est ici cruciale. Le contre-jour permet d’éviter une lumière trop dure, et le sable clair sert de réflecteur naturel, ce qui aide à illuminer la peau de mes trois sujets.

Dans de telles conditions de lumière, l’exposition n’est pas évidente à gérer : une mesure Spot sur le visage est ici la façon la plus fiable de procéder, pour que le posemètre de l’appareil ne soit pas perturbé par la forte lumière du contre-jour. Le plein soleil me permet par ailleurs de monter en vitesse sans sacrifier le niveau ISO, donnant ainsi une image d’excellente qualité, tout en figeant le mouvement de mon apprenti-marcheur.

L’angle de prise de vue est aussi un élément important dans la réussite de cette photo : la mer et l’horizon viennent former un cadre subtil autour de Jules et de ses parents, et la ligne du rivage crée une ligne directrice qui prolonge les petits pas de l’enfant jusqu’à sa maman, donnant une dynamique visuelle à son mouvement.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 24-70 mm f/2,8L

– Ouverture : f/3,5

– Vitesse : 1/800 s

– ISO : 200

Trois garçons sur le lit

J’ai évoqué à plusieurs reprises au fil de cet ouvrage le plaisir infini que les enfants éprouvent à sauter sur le lit, et les images pleines de joie pure qui peuvent en résulter. Il ne faut néanmoins pas négliger la difficulté technique de telles images, surtout quand il ne s’agit plus seulement de photographier un seul enfant, mais toute une fratrie à la fois.

Contexte

Cette photo a été prise un dimanche matin après le petit déjeuner. J’aime le fait que les enfants soient encore en pyjamas, ce qui donne une vraie authenticité à l’image, tout en créant une certaine cohérence visuelle. La chambre est éclairée par de grandes fenêtres sur la gauche qui sont par ailleurs orientées au nord, d’où la lumière abondante mais néanmoins très douce de la scène.

Points clés de l’image

La vitesse est ici essentielle à la réussite de l’image : je voulais figer le mouvement rapide des garçons afin de ne rien perdre de leurs expressions ravies ; il était donc important d’utiliser une vitesse élevée pour éviter le flou.

Au-delà des paramètres techniques, trois éléments importants permettent de réussir une image de ce type.

1.Ne pas avoir peur de faire BEAUCOUP de photos. Plusieurs enfants qui sautent sont des sujets totalement imprévisibles, ce qui signifie que vous allez rater un très grand nombre d’images. Alors n’hésitez pas à en prendre 50 pour en avoir deux ou trois de bonnes.

2.La mise au point est un véritable défi quand vos sujets bougent aussi vite. Le secret est de déterminer l’enfant qui sera au premier plan, car c’est sur lui que vous allez faire la mise au point. Placez votre collimateur actif aussi proche que possible de la zone où se situe cet enfant, et suivez son mouvement avec le collimateur pour qu’il soit toujours net.

3.Dans un environnement aussi imprévisible, laissez-vous un peu de marge. Il est totalement utopique de vouloir réussir une composition parfaite dans une telle situation, donc cadrez l’image de façon assez large pour être sûr que vous ne couperez ni bras ni tête en cas de bonds totalement déchaînés. Vous recadrerez ensuite en post-traitement pour obtenir une composition plus harmonieuse. Mieux vaut avoir à recadrer votre image que de devoir la supprimer parce qu’il vous manque un élément important dans le cadre.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 35 mm f/1,4L

– Ouverture : f/2,8

– Vitesse : 1/800 s

– ISO : 1 000

Milo le Ninja

Figer un mouvement très dynamique en plein cœur de l’action peut créer des images surprenantes et visuellement très fortes. C’est néanmoins un challenge technique, qui requiert un peu de pratique et le respect de quelques règles.

Contexte

Depuis qu’il est en âge de sauter, Milo est un vrai kangourou. Ses prouesses acrobatiques le rendent très fier, il est donc toujours enthousiaste à l’idée d’être photographié en plein vol (ce qui est forcément irrésistible pour une maman photographe). Cette photo a été prise un jour où il pratiquait ses nouveaux talents d’enfant-Ninja.

Points clés de l’image

Est-il nécessaire de le répéter ? Pour figer un mouvement aussi rapide, la vitesse est un paramètre incontournable (1/800 s ici, on aurait même pu monter à 1/1 000 s pour plus de sécurité – certaines images de la même série étaient légèrement floues).

Le vrai challenge de cette image néanmoins, c’est la mise au point. Une solution serait de suivre le mouvement avec mon collimateur actif, mais le saut est tellement énergique que c’est très difficile à réaliser en pratique. Ici, j’ai tout simplement cadré mon image, placé mon collimateur aussi haut que possible dans le cadre, et j’ai attendu que Milo saute pour déclencher au moment où son corps passait au niveau du collimateur. Le risque était de rater l’image s’il ne sautait pas assez haut, mais comme mon but ici était d’immortaliser un saut aussi spectaculaire que possible, ça ne me dérangeait pas de ne pas déclencher si le saut manquait d’amplitude… Je savais que Milo serait ravi de recommencer pour moi.

J’ai composé l’image un peu plus large que nécessaire pour me laisser une marge d’erreur, et j’ai cadré de manière à utiliser le lit comme un triangle isocèle pointant vers le plafond, ce qui fait apparaître un élément géométrique guidant le regard vers Milo. Ce qui est amusant dans cette photo, c’est que son corps forme lui aussi un triangle, pointant vers le bas cette fois et renvoyant le regard vers son point d’origine, créant une circulation très dynamique au sein de l’image.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 24-70 mm f/2,8L

– Ouverture : f/2,8

– Vitesse : 1/800 s

– ISO : 640

Sun qui vole

L’image du « bébé qui vole » est l’une de mes favorites avec les enfants de cet âge, parce qu’elle fait jaillir le rire du bébé à coup sûr, et parce que ce rire est irrésistible pour le parent qui tient l’enfant à bout de bras, ce qui me permet de capturer une émotion très forte dans ce moment de bonheur partagé.

Contexte

J’avais déjà photographié Sun juste après sa naissance. Ce jour-là, je le retrouvais avec grand plaisir à l’occasion d’une nouvelle séance photo pour fêter ses 1 an. L’image a été prise dans une forêt de pins, en fin d’après-midi pour profiter des lumières rasantes. Sun et son papa sont placés à contre-jour (je fais donc face au soleil) pour obtenir ce joli bokeh scintillant à l’arrière-plan.

Points clés de l’image

Chaque paramètre a un impact sur la réussite de l’image. Pour isoler l’émotion, je voulais que mes modèles se détachent autant que possible de l’environnement très chargé de la forêt. J’ai donc employé une focale longue (135 mm) d’une part et une grande ouverture d’autre part pour flouter l’arrière-plan. La vitesse de 1/500 s était nécessaire pour assurer la netteté de leurs visages (surtout de celui de Sun, qui était en mouvement). Enfin, j’ai adapté les ISO pour compenser l’environnement assez sombre du sous-bois.

Le secret de cette image est aussi de se placer perpendiculairement à mes deux sujets, afin que leurs visages se trouvent exactement dans le même plan. Avec une ouverture aussi grande, ma profondeur de champ est très faible, ainsi si je ne les avais pas placés face à face dans le même plan, l’un de leurs visages aurait été flou.

Les mettre tous les deux dans la même zone de netteté rend la prise de vue bien plus facile : je n’ai eu qu’à placer mon collimateur actif sur l’œil du papa (qui lui ne bouge pas) sans avoir à me préoccuper de suivre le mouvement de Sun !

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 135 mm f/2L

– Ouverture : f/2,2

– Vitesse : 1/500 s

– ISO : 1 000

Sous le drap

Voilà une façon très ludique de photographier les enfants, qui peut amuser les bébés comme les plus grands !

Contexte

Cette jolie fratrie se compose d’âges très différents, allant de 7 ans à 6 mois. Pas facile de trouver un moyen de les prendre en photo tous les trois tout en s’assurant que la séance reste un moment de plaisir pour tous. Par chance, se cacher sous les draps est un jeu qui met tout le monde d’accord !

Points clés de l’image

Cela peut sembler évident, mais c’est un détail qui mérite d’être souligné : pour prendre en photo des enfants sous un drap, préférez un tissu blanc. Toute autre couleur serait non seulement trop opaque pour laisser passer la lumière, mais risquerait aussi de donner une teinte assez étrange à leur peau.

Attention, également à l’exposition ! Si vous étiez en train de prendre en photo les enfants hors du drap et que vous passiez ensuite en dessous avec eux, le niveau de lumière va baisser sensiblement : il faudra donc refaire une mesure de lumière sous le drap pour ne pas sous-exposer vos sujets.

Ne négligez pas la vitesse d’obturation : se cacher sous les draps, c’est rigolo, l’excitation va donc monter et, avec elle, les mouvements rapides et échevelés ! De plus, si vous êtes seul pour réaliser cette photo, il faudra que vous teniez votre appareil d’une main pendant que l’autre soulèvera le drap, ce qui crée un risque plus élevé de flou de bougé.

Enfin, la lumière filtrée par les draps peut devenir un peu trop plate, alors placez-vous le plus près possible de la fenêtre pour préserver un minimum de contraste.

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 24-70 mm f/2,8L

– Ouverture : f/2,8

– Vitesse : 1/800 s

– ISO : 640

La photographe devant l’objectif

Pour ne pas être le grand absent des photos de famille, il faut parfois ruser. Si vous n’avez personne à portée de main pour vous photographier avec vos enfants (ou si vous ne faites confiance qu’à vous-même pour faire de belles photos), une solution s’offre à vous : l’autoportrait !

Contexte

Ce jour-là, j’avais reçu un nouvel objectif que j’avais très envie de tester, sauf que mon seul petit modèle disponible n’avait pas la moindre envie de se laisser prendre en photo. J’ai donc sorti mon argument de choc : et si on faisait une photo ensemble ? C’était une proposition irrésistible pour Milo, qui savait que si j’étais devant l’objectif avec lui il aurait le droit de manier la télécommande… et d’avoir ainsi tout pouvoir sur la prise de vue !

Points clés de l’image

Pour réussir un autoportrait, il faut avant tout poser l’appareil sur une surface plane et stable (ou dans l’idéal, sur un trépied). Vous pouvez utiliser le retardateur pour appuyer sur le déclencheur puis vous déplacer rapidement afin d’être sur la photo avant la fin du compte à rebours, mais les allers-retours peuvent vite devenir fastidieux… Je vous recommande vivement d’investir dans une télécommande sans fil, on en trouve de très abordables en matière de prix, et le processus sera vraiment plus simple et agréable !

Une fois le matériel prêt, voici quelques étapes à suivre :

1.Choisissez le lieu où vous souhaitez prendre la photo, installez l’appareil face à la scène, composez l’image et faites vos réglages en fonction de la luminosité ambiante. N’optez pas pour une ouverture trop grande, car le risque de flou est important quand on fait un autoportrait ; aussi vaut-il mieux avoir une profondeur de champ raisonnable.

2.Placez un objet à l’endroit où vous envisagez de vous tenir au moment où vous serez dans le cadre. Faites la mise au point sur cet objet. Si vous n’exploitez pas le bouton arrière pour faire votre mise au point, il faudra ensuite passer votre objectif en focus manuel pour éviter que l’appareil ne refasse la mise au point au moment du déclenchement.

3.Enlevez l’objet, mettez-vous à sa place et, grâce à la télécommande, faites une image test (j’utilise le retardateur 2 secondes pour avoir le temps de cacher la télécommande avant que la photo ne soit prise).

4.Vérifiez l’image, et ajustez l’exposition et/ou la mise au point si nécessaire. Quand tout est parfait, vous pouvez inviter votre enfant à vous rejoindre (si vous l’aviez invité dès le départ, il y a fort à parier qu’il aurait perdu patience depuis longtemps… Mieux vaut faire tous les ajustements techniques avant de le mêler à l’action !).

5.Maintenant amusez-vous, tout en essayant de rester aussi proche que possible de l’endroit où vous avez fait la mise au point pour que l’image soit bien nette. Si votre enfant est assez grand, laissez-lui le contrôle de la télécommande, le processus sera ainsi encore plus rigolo. N’hésitez pas à prendre un grand nombre d’images ; il y en aura sans doute beaucoup de ratées, mais peu importe… Si au final il y en a UNE qui vous plaît, c’est déjà gagné !

PARAMÈTRES

– Boîtier : Canon 5D Mark III

– Objectif : Canon 35 mm f/1,4L

– Ouverture : f/4

– Vitesse : 1/500 s

– ISO : 1 250

Conclusion

J’ai grandi avec une maman photographe. Ce n’était pas son métier, mais sa passion : je l’ai toujours vue avec un reflex à la main. Elle m’a légué des albums pleins de photos de mon enfance, un trésor inestimable. Tous ces petits moments dont je n’ai aucun souvenir conscient, je peux les revivre en images et les regarder avec mes propres enfants pour leur parler de ce temps si mystérieux où ils n’existaient pas encore, et où j’étais une toute petite fille.

Mais il y a un trou béant dans ces albums, c’est ma mère elle-même. À force d’être de l’autre côté de l’objectif, elle est restée complètement absente des photos de famille, je n’ai donc que très peu de photos d’elle et aucune où nous soyons ensemble toutes les deux. Ces images-là, je dois tenter de les recréer dans ma tête, parce qu’il n’en reste pas de traces.

C’est pourquoi je ne peux pas conclure ce livre sans un conseil primordial, tout aussi important que ceux qui ont précédé : de temps à autre, faites appel à un photographe et redevenez un simple parent le temps d’une séance photo.

Même si j’ai des milliers de belles images de mes propres enfants, je n’oublie pas, une fois de temps en temps, de programmer une séance avec un autre photographe, pour enfin « être sur la photo » (comme dans l’image ci-dessous, photographiée par Stéphanie Dugauquier dont vous avez pu admirer le travail à plusieurs reprises au fil des pages de ce livre).

Quand on a l’habitude d’être confortablement cachée derrière son appareil, c’est un exercice difficile, voire douloureux. Mais c’est aussi un cadeau que je me fais, et que je fais à mes garçons. Une séance photo est d’ailleurs un des rares cadeaux dont on profite toute une vie !

Il existe des centaines de photographes, prenez le temps de vous imprégner de leur travail pour trouver celui ou celle qui vous ressemble, dont le style vous est proche. Vous serez sûrement surpris du résultat : ces mêmes enfants qui râlent quand vous sortez votre appareil seront ravis d’interagir avec quelqu’un d’autre ! Vous y trouverez aussi le piment de découvrir votre famille vue à travers un regard différent du vôtre, et le plaisir d’être sublimé par des images de qualité professionnelle.

Enfin, je ne peux pas m’empêcher de rajouter un tout dernier conseil : faites tirer vos photos. De vrais tirages argentiques dans un vrai labo photo. Ne vous contentez pas du tirage de votre imprimante jet d’encre qui sera tout jaune dans quelques années seulement.

D’abord pour le plaisir des yeux, pour avoir vos images à portée de regard plutôt que de les laisser dormir sur votre disque dur. Mais aussi pour leur pérennité. Aucun des supports numériques actuels n’est fiable, on ne connaît pas leur durée de vie et elle est toujours plus courte qu’on ne l’aurait espéré. J’ai dans mes albums photo des images de l’enfance de ma grand-mère ; je doute en revanche que mon disque dur soit encore là dans cent ans, ni que mes DVD de sauvegarde soient encore lisibles au XXIIe siècle. Mes tirages, eux, seront encore là. En photographiant votre famille, vous constituez un patrimoine, prenez soin de le protéger !

Voilà, le moment est venu de se dire au revoir. Le temps passe vite quand on s’amuse ! Je suis ravie d’avoir pu partager ce bout de chemin photographique avec vous et je vous souhaite une belle et longue route, pleine d’explorations et de petits bonheurs, sans oublier une pincée de fantaisie.

REMERCIEMENTS

Un immense merci aux dix photographes qui ont accepté de contribuer à enrichir cet ouvrage :

•Kellie Bieser (shutterandglass.com) ;

•Lacey Meyers (www.laceymeyersphotography.com) ;

•Megan Cieloha (www.megancieloha.com) ;

•Sarah Carlson ;

•Sarah Wilkerson (www.sarahwilkerson.com) ;

•Stacey Haslem (www.instagram.com/staceyhalsem/) ;

•Stéphanie Dugauquier (wideopen-photographies.com/blog).

J’ai pris un immense plaisir à fouiller dans vos images pour y trouver les perles qui surgissent au fil des pages de ce livre. Je puise dans votre travail quotidien une inspiration sans limites.

Un très grand merci à mon père pour sa relecture patiente et attentive et pour son soutien inconditionnel dans cette aventure.

Enfin, je remercie chaleureusement les nombreux parents qui m’ont fait confiance et ont accepté de prêter leurs images pour que cet ouvrage soit aussi richement illustré. Et bien sûr un grand merci à tous mes petits modèles, avec une pensée spéciale pour Mahé, Milo et Arnaud qui m’ont appris la plus belle leçon de photographie qui soit : les photos les plus précieuses sont parfois celles que l’on décide de ne pas prendre pour vivre pleinement le moment qui vient.

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